Fotografias de autor

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HISTORIA DEL ARTE Y FOTOGRAFÍA


La fotografía social

A finales del siglo XIX la fotografía sufre una evolución que la lleva a tener usos nuevos.

El paso del metal al papel, cámaras más manejables y portátiles y el uso del flash de magnesio hacen que los fotógrafos salgan a la calle. El uso reivindicativo de la fotografía en la sociedad deprimida de la época fue inevitable.



La temática social más retratada es la laboral. Los fotógrafos comprometidos social y políticamente inmortalizan a los obreros, sus condiciones de trabajo, las condiciones sanitarias, etc. Desarrollan también una retórica de la objetividad que en fotografía se traduce en cortes accidentales, desenfoques, decorados y vestidos no preparados, etc.


En el resto de las actividades artísticas, la temática también estaba de moda con el "arte social" o "arte realista". Nunca antes los obreros habían protagonizado una obra de arte.




John Thompson fue uno de los máximos exponentes de la fotografía social. En 1877 publicó un álbum titulado "La vida de las calles de Londres".

Realizó numerosos viajes a Oriente para retratar a su gente. Visitó China, Camboya, Tailandia, etc. De sus viajes publicó numerosos álbums como "Ilustraciones de China y sus gentes" o "Las antigüedades de Camboya".

Con este tipo de Fotografías pretende atraer la atención de la sociedad victoriana acomodada sobre un mundo de gitanos, cocheros, vendedoras de flores, mozos de cuerdas, antiguos reincidentes, etc.


Cuando vuelve a Londres se convierte en fotógrafo de la Royal Geographical Society y se dedica a la reproducción de obras de arte.


Fotógrafos como Jacob Riis, Paul Martin, Lewis Hine o Dorothea Lange fueron los continuadores y máximos exponentes de este tipo de imágenes.

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Arte Moderno

El periodo que va desde la segunda guerra mundial hasta mediados de los años setenta del siglo XX es el más prolífico de toda la historia del arte. Durante esos años, multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se fueron sucediendo vertiginosamente. La mayoría de esas manifestaciones artísticas tienen un carácter internacional, aunque en algunos se dan diferencias significativas de forma local.
Arte Moderno. "Guernica"
La postura innovadora de los artistas de este periodo produjo una apertura de las delimitaciones o fronteras del ámbito artístico que condujo a la desaparición de los rasgos inherentes a lo propiamente artístico.
El arte moderno puso de manifiesto que la deformación de los objetos que se representaban no era involuntaria, sino deliberada, artística, buscada con el fin de satisfacer cierta concepción poética de las cosas.
El sacrificio de la razón, este irracionalismo es lo que el arte moderno ha hecho valer por encima de las normas tradicionales.
Se define por tanto al arte moderno como irracionalismo en su forma más amplia. No obstante, podemos decir que el irracionalismo es una condición necesaria del arte, y que está presente en todas las expresiones artísticas de la humanidad, por lo que no puede considerarse como algo característico peculiar del arte moderno.

Pero teniendo en cuenta que el arte moderno es el más artístico, el más puro como arte, “el arte por el arte”, se entiende en qué sentido la definición anterior es cierta; porque debe verse en el arte moderno el más puro, el más absoluto irracionalismo estético que ha conocido la humanidad.

Ninguno de los irracionalismos de los artes anteriores, de carácter místico, popular o tradicional lo era por completo ya que siempre estuvieron ligados a alguna forma de la significación, es decir, al entendimiento.
En el irracionalismo del arte moderno no hay sitio para ninguna clase de significación, se trata de un irracionalismo objetivista.
Esto significa que considera la irracionalidad como una propiedad esencial del objeto y no como un defecto interior de la conciencia. A esta concepción debe el arte moderno su carácter profundamente revolucionario e impopular.


De acuerdo con esta concepción, las representaciones de los místicos tanto como las de los locos adquieren validez objetiva, se refieren a la misma realidad que las representaciones de los laicos y de los cuerdos; en otras palabras, considera que la falta de significación, o sea la irracionalidad es una cualidad esencial y natural de la realidad que confronta a nuestro entendimiento.
Las primeras obras del arte moderno se corresponden a los movimientos romántico y realista. Más tarde, se empezó a jugar con la luz y el espacio, a través de la pintura y el color, lo que dió lugar alimpresionismo posimpresionismo.
Unos años antes de la Primera Guerra Mundial, se desarrollaron los movimientos del cubismo, elfauvismo, el expresionismo y el futurismo. Más tarde vino el surrealismo.
A partir de los años 50 y 60 fueron aàreciendo otras formas de expresión del arte moderno como elexpresionismo abstracto, el pop-art y el minimalismo.
Pintura arte moderno

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Expresionismo Abstracto 

kandinsky-el-expresionismo-abstracto

El expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, en todo el mundo. 
expresionismo abstracto arshile gorky

Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra fría.1

expresionismo abstracto jackson pollock 




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Nacimiento del fotoperiodismo

En la fotografía documental el fotógrafo dispone del tiempo necesario para reflexionar durante el momento de la toma. Normalmente cuenta con el consentimiento de los protagonistas y no tiene la presión del acontecimiento.
Por otro lado, están las fotografías de actualidad en relación a algún suceso. La primicia puede ser producto del azar, fruto de la presencia fortuita del fotógrafo en un momento y un lugar determinados, o porque éste se encuentre en una situación privilegiada.
Se crea la figura del reportero fotógrafo en sustitución de la pareja periodista-fotógrafo. Es un verdadero periodista que utiliza la imagen fotográfica para transmitir la información. La evolución de la práctica periodística está relacionada directamente con los inventos tecnológicos.
El fotoperiodismo tal y como hoy lo conocemos, nace en Alemania tras la I Guerra Mundial. Durante República de Weimar (1919-1933), una época muy rica en el campo cultural y científico, una serie de circunstancias propiciarán este hecho: es un momento de libertad de prensa y con grandes avances en tecnología que proporcionará obturadores más rápidos y objetivos más precisos.
Aparece una gran cantidad de semanarios que abordan todo tipo de temas: movimientos sociales, deportes, cine, etnografía… Se empieza a trabajar en el diseño de la página para hacerla más atractiva y otorgarle un hilo conductor, con sentido y coherencia, jugando con el tamaño de las imágenes, la composición, los blancos de la página, la orientación de las fotografías…


Las fotografías son distribuidas por agencias especializadas que se crean para liberar al fotógrafo de los problemas de difusión y comercialización de su trabajo, aunque, por otro lado, éstos pierden el derecho sobre el uso que se hace sobre sus reportajes, lo que les causará numerosos problemas con sus agencias.
Dephot (Deutscher Photodienst) creada en 1928 por Simon Guttmann y Umbo, es una de las primeras agencias alemanas. Casi todos los fotógrafos de renombre trabajarán para ellos: Walter Bosshard, Martin Munkacsi, Willi Ringe, André Klertész, Otto Umbehrs, Alfred Eisenstaedt, Germaine Krull, Hans Baumann.
Erich Salomon.

Erich Salomon.

Hans Baumann (1893-1985), que trabaja bajo el nombre de Felix H. Man, hace su primer reportaje sobre la noche de Berlín. En 1931 va a Roma a fotografiar y entrevistar a Mussolini y pasa un día entero con él.


El primero en nombrarse fotoperiodista en lugar de reportero gráfico fue Erich Salomon (1886-1944)[24], que fue deportado a Auschwitz donde muere en 1944. En 1928, comenzó a publicar en la revista alemana Berliner Illustrierte Zeitung algunas destacadas fotografías espontáneas de líderes mundiales. Aparecen ya películas muy sensibles a la luz que permiten fotografiar interiores sin flash, con luz natural. Una de las fotos, tomada en una conferencia cumbre importante en Lugano, mostraba a ministros clave de seis de las naciones más poderosas reunidos alrededor de una pequeña mesa de té en un hotel alpino. Mientras los otros ministros se acercaban para escuchar, el usualmente reservado secretario de Relaciones Exteriores británico, Sir Austen Chamberlain, fué captado con los ojos restallantes y un cigarro posado entre sus dedos mientras desarrollaba su discurso. En otras fotografías, delegados a la Liga de las Naciones en Ginebra, que generalmente aparecían en la prensa arreglados alrededor de la mesa de conferencias con expresiones duras y congeladas, se transformaban súbitamente en humanos que bromeaban, bostezaban, dormitaban y charlaban entre sí después del almuerzo. Tomas tan reveladoras de políticos eran realmente revolucionarias para la época.


En 1927 aparece en Francia la agencia Keystone, especializada en actualidad, con oficinas en Nueva York, Londres, Berlín y Viena. Es la primera agencia de noticias. La revista Match se crea en 1926, seguida de cerca por Voilà. En 1928 nace Vu, con una ideología de izquierdas. En ellas trabajan los mejores fotógrafos: Kertész, Germaine Krull, Henri Cartier-Bresson, Éli Lotar, Laure Albin-Guillot y Robert Capa.



Match, 1939.

Voilà, 1939
Muerte de un soldado republicano, Capa, 1936.
Picture Post, 1940.
En Vu, Robert Capa publicará su fotógrafía más famosa de la Guerra Civil Española, Muerte de un soldado republicano. Vu tendrá una gran influencia y servirá de modelo para la creación del Picture Post en Londres y de Life en 1936 en EEUU. Vu dejará de publicarse definitivamente en 1938.


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[24] En Biblioteca: Salomon, Erich. Erich Salomon: 1886-1944: un photographe en smoking dans les années trente. Strasbourg: Les Musées de Strasbourg, 2004. F SAL-ER 1
















La fotografía vanguardista



A principios del siglo XX, el mundo del arte entró en una profunda revolución. Se sentía una necesidad de romper con las formas tradicionales de representación artística predominantes en la época.

Hasta ese momento el arte ilustraba fielmente el mundo que lo rodeaba. La creatividad y las cualidades del artista eran aportados por elementos como la luz o el encuadre. Fruto de este deseo de ruptura con lo figurativo nacen las llamadas vanguardias.
La fotografía, como elemento artístico, no fue ajeno a todos estos cambios y siguió un camino paralelo a la pintura. Las doctrinas que la fotografía adoptó fueron el surrealismo, el dadaísmo, el expresionismo y el futurismo, entre otras.



El collage y el fotomontaje


En la primera década del siglo XX, la fotografía y la pintura se fundieron para crear una técnica que se utilizó en la mayoría de las expresiones vanguardistas: el collage.
Esta técnica se usaba desde mediados del siglo XIX para elaborar álbumes de recortes, pero fue en el siglo XX cuando los artistas lo pusieron de moda entre el público.


Por otra parte, el fotomontaje (una mezcla artística a base de distintas imágenes) surgió a mitad de la segunda década del siglo XX y el dadaísmo lo usó como expresión de su doctrina.


En España se desarrolló más tarde que en el resto de Europa. Autores como Massana, Catalá i Pic, Gabriel Casas, Josep Sola o Josep María Lladó lo aplicaron a la publicidad.


También figuras como Gregorio Prieto, Benjamín Palencia, Remedio Varó o Manuel Monleón lo desarrollaron y lo llevaron a la práctica como pura expresión artística.

Nicolás de Lekuona y Josep Renau fueron los dos autores más carismáticos de la vanguardia fotográfica española. Ambos simbolizaban el compromiso con las ideas y el deseo de romper con viejas estructuras.

Pierre Cardin y su estilo  Vanguardista














La fotografía y el surrealismo



El surrealismo es el heredero artístico del dadaísmo. Ambos movimientos compartieron muchos planteamientos estéticos y ciertos artistas, como Marcel Duchamp o Man Ray.

El surrealismo como vanguardia fue fundado a principios de los años 20 del siglo XX por André Bretón. El artista francés sentó las bases del movimiento en el manifiesto publicado en 1924.

En sus orígenes, el surrealismo surgió como un estilo literario, pero pronto se extendió a otras artes, entre ellas la pintura y la fotografía. Pronto se convirtió en una corriente universal que vino para quedarse.


Bases del surrealismo

André Bretón describió el surrealismo como el automatismo psíquico puro. A través de este automatismo el artista intenta expresar cómo funciona realmente el pensamiento humano. La razón no intervendrá en sus manifestaciones y dejará de lado las preocupaciones morales o estéticas.

Es por todo esto por lo que el mundo onírico de los sueños adquiere en el surrealismo una importancia notable. Técnicas como la escritura automática serán muy empleadas por los surrealistas. La fotografía también captó la atención de artistas geniales provenientes de la pintura, como Salvador Dalí.


Técnicas fotográficas surrealistas



El surrealismo inundó la fotografía de artistas como Man Ray, que ya había practicado el dadaísmo. Tomó de este movimiento algunas técnicas como el collage y las llevó más allá creando otras nuevas.

Por ejemplo, los llamados "object trouvé u "objetos encontrados" serán ampliamente representados en la fotografía surrealista.

Otras técnicas muy extendidas en el mundo de la imagen son los rayogramas de Man Ray, lasschadografías de Christian Schad o los fotogramas de Moholy-Nagy.

El modo de trabajar de estos fotógrafos se basaba en el automatismo, en la representación inconsciente de la realidad y en la manipulación de sus imágenes.











Premio Pulitzer





En su testamento, Joseph Pulitzer llamó a la creación de este premio con el objetivo de estimular la excelencia. Pulitzer enumeró en ese texto sólo trece premios: cuatro para el periodismo, la literatura y el teatro más uno para la educación. Sensible a los cambios de su época, Pulitzer previó, no obstante, la constitución de una comisión de vigilancia consultiva con el poder de reemplazar ciertos temas, siempre que la comisión juzgase que sería beneficioso para el público. Pulitzer otorgó a la comisión el derecho de no otorgar un premio si ninguna obra corresponde a los criterios de excelencia del jurado.
Conforme a la voluntad de Pulitzer, el presidente de la Universidad de Columbia quien anuncia y otorga los premios según recomendación del jurado. Pero en realidad, la comisión es independiente y decide sola la atribución.
Los premios Pulitzer se concedieron por primera vez el 4 de junio de 1917. Desde entonces han sido otorgados por la Universidad de Columbia en colaboración con el Patronato del Premio Pulitzer (Pulitzer Prize Board) cada año, sin interrupción, durante abril.
El premio a la mejor fotografía de prensa se concedió por primera vez en 1942, y el premio a la mejor composición musical en 1943.
Entre los años 1970 y 1979 se crearon los premios de ensayo, crítica y ficción literaria.
Sólo los reportajes y fotografías de diarios con sede central en los Estados Unidos pueden ser propuestos como candidatos a los premios en la categoría de periodismo.
El premio va acompañado de un cheque de 10.000 dólares (USD), excepto el Premio al Servicio Público -el más importante- al que se le otorga la medalla de oro.





Historia de Mujeres

Vivian Maier, fotógrafa inédita.



Resultó que un día cualquiera del año 2007, sin mayor expectativa que adquirir algunos muebles viejos y antigüedades en una subasta a bajo precio, alguien encontró un tesoro. 40.000 negativos inéditos en un cajón, con imágenes que documentaban la condición humana del Chicago de los años 50 y 60. Escenas callejeras llenas de espontaneidad, a veces divertidas, muchas conmovedoras, siempre llenas de la fuerza de lo cotidiano, y que habiendo sido tomadas por una mujer desconocida y que trabajaba como niñera, nada tienen que envidiar a las de los street-photographers más señalados, como Cartier Bresson o Robert Doisneau.
Vivian Maier nació el 1 de febrero de 1926 en Francia. Casi no existen datos sobre su vida, pero debió ser en los años 30 cuando emigró a Estados Unidos. En algunos artículos que han escrito sobre ella cuentan que trabajó en un taller textil de Nueva York en condiciones de esclavitud (el equivalente a lo que hoy se conoce como maquilas) y que posteriormente se trasladó a Chicago, donde trabajó cuidando a 3 niños. La gente que la conoció coincide en resaltar sus inquietudes feministas y socialistas.
Durante los años 50 y 60 recorrió las calles de la ciudad con su cámara de medio formato retratando escenas callejeras, a veces sobre lugares o edificios, pero casi siempre con la presencia humana como centro y objeto de su curiosidad y de su certera mirada.
Mañana día 21 de abril es el primer aniversario de su muerte. Vivian Maier vivió anónimamente y murió de la misma manera. Tan sólo una esquela en el Chicago Tribune con la referencia de una dirección desconocida y un teléfono inexistente. Y un legado de 40.000 negativos y más de 1.000 carretes sin revelar que completan un pedacito de la historia de la vida cotidiana.

Aquí podemos ver algunas de sus obras maravillosas!













La fotografía y el arte



En el siglo XIX la Fotografía no se consideraba arte. Ni siquiera los fotógrafos de la época consideraban que lo fuera. Esta pregunta empezó a plantearse alrededor de 1870 y ha seguido viva durante casi todo el siglo XX.
A pesar de todo, la fotografía siempre ha sido un instrumento al servicio del arte. Desde sus orígenes su función ha sido facilitar el trabajo al pintor, escultor o grabador. Se tomaba una imagen del modelo o del paisaje y no se necesitaban horas de posado o traslados.
Foto editada por Imprimerie Photographique
Pintores como Delacroix o Gustave Courbet obtuvieron modelos por ese procedimiento. Incluso algunos artistas llegaron a reproducir sus obras a través de fotografías para venderlas a precios módicos. Era frecuente que se usaran como regalos de Navidad.

Blanouart-Eurapd fundó en 1851 una imprenta llamada "Imprimerie Photographique". En ella publicaría álbums para artistas y aficionados.

Esta imprenta fue la primera en reproducir obras de arte y figuras o modelos para artistas: monumentos, esculturas, relieves, lugares célebres, curiosidades arqueológicas, copias de cuadros, etc.

Este tipo de fotografía tuvo un gran éxito entre 1860 y 1870. Todas esas reproducciones se exponían con frecuencia.

En 1853 el British Museum instala un estudio de fotografía con material para documentar y clasificar todas sus obras de arte. Nace así la fotografía museística bajo la dirección de Robert Fenton.






Arte Abstracto


El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.


El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con unos significados variados.

En sus inicios, el arte abstracto dio lugar a grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso del tiempo se ha convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad como un arte propio.

El lenguaje que se utiliza esta basado en las experiencias fauvistas y sensaciones del autor, exaltando normalmente la fuerza del color.
También existe la expresión con estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de los años cuarenta con el Action Painting y con el Colour-Field Painting. Estas tendencias fueron suplantadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista que inició un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura, periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos artistas inspirados por las más variadas motivaciones.





Escultura asbstracta

La abstracción en escultura persigue los mismos fines que en la pintura, aunque difícilmente pueden reconocerse lo mismos estilos.

Entre la escultura no figurativa destaca Georges Vantongerloo, que intenta la codificación
matemática de los volúmenes y Théo van Doesburg ambos pertenecientes al grupo Der Stijl. 
Antoine Pevsner (1884–1965) es el escultor más representativo: Proyección en el espacio, Construcción cinética, Visión Espectral, Naum Gabó: Cabeza de mujer, Celuloide y metal, Eduardo Chillida, con sus esculturas monumentales: El peine de los vientos, El elogio al horizonte, Tres hierros y Julio González.


Artistas Abstractos

Vasily Kandinsky (1866-1944) es el gran teórico del arte abstracto. Escribe "De lo espiritual en el arte", donde expone sus ideas y reflexiones sobre el arte, lo que es y lo que es la obra de arte. En él realiza una declaración de principios. Su pintura tiene como objetivo despertar la emoción del espectador, en el que deben actuar sólo los sentimientos.

Pone a sus cuadros títulos abstractos, intrascendentes, actitud que más tarde imitaron los demás pintores. entre sus obras, destacamos Puntas de arco, En alto, Lírica, Impresión V, Improvisación, Juicio universal; Amarillo, rojo, azul.

Paul Klee (1879-1940) tiene un carácter más simbólico. Transforma las figuras hasta hacerlas irreconocibles. Entre sus obras, El niño en el paisaje, Composición, En el gris de la noche, Puerto y veleros.
(Puerto con veleros), 1937. Paul Klee





Arte urbano que es?

En las calles coexisten todas las ramas del arte urbano, desde el graffiti a las representaciones más críticas y reivindicativas de la sociedad pasando por aquellas obras que se concentran precisamente en el arte. Obras cuyo único objetivo es la pura recreación visual, una forma de convertir las calles de la ciudad en un museo gratuito e independiente.



¿Por qué existe el arte urbano?

El arte urbano surge como una forma de expresión reivindicativa de críticas u opiniones sobre la situación social de aquellos grupos sociales que habitan en las distintas zonas urbanas de una ciudad. Podemos considerar dos características básicas para explicar esta existencia del arte urbano:
Los criterios y anhelos de los grupos o comunidades integrantes de la sociedad son reflejo de su naturaleza y tratan de expresar con imaginación sus sentimientos, sueños y realidades.
Se formula para ser disfrutado por una mayoría de la población y por lo tanto no se apoya en criterios estéticos obsoletos o temáticas que están lejos de esta mayoría y, sobre todo, busca espacios nuevos para que esta proximidad sea más efectiva.

Normalmente estos nuevos movimientos emergentes y críticos con el sistema establecido están fuera de los circuitos artísticos generados por el poder, innovan la realidad artística del momento y son eco de lo que podemos llamar “culturas de la calle”, que en un podemos denominar como aquellas que nacen a partir de movimientos sociales que sólo disponen de la calle, el espacio público, el espacio de todos, para expresarse.


Arte urbano como comunicación política:




Más que como una pura expresión artística, el arte urbano ha sido en determinadas épocas y países una verdadera arma de lucha política. Desde el muro de Berlín espacio de disgregación y de reivindicación hasta las calles de Belfast, convertidas en superficies ilimitadas para la expresión, el arte urbano ha servido de instrumento de lucha contra la opresión y de confrontación pacífica. Las pintadas o graffitis son una identidad, una marca, un sello, pero también son una expresión casi siempre reaccionaria que enfrenta lo que está establecido; como en España, durante el Franquismo y la Transición, cuando los murales encendían la vida social y política con mensajes a la vista de todos.










Centramos la atención, sin embargo, en Irlanda del Norte. Asolada por unos conflictos fratricidas que han tenido a la provincia en una constante guerra civil durante más de 70 años, los murales de los edificios, las pintadas, delimitan zonas, marcan fronteras invisibles que construyen representaciones aceptadas por todos. Verde, blanco y naranja: católico y republicano; azul, blanco y rojo: protestante y unionista.
Las farolas, las aceras y las casas se adornan de unos símbolos con una carga política e ideológica mayor que las propias palabras y los artistas trabajaban con esmero los murales conscientes de que el más atractivo sería el más visitado y, por ende, el que a un mayor número de personas transmitiría el mensaje. Porque cuando hablamos de arte urbano como forma de comunicación política nunca nos referimos a expresiones carentes de sentido y de significaciones.










La fotografía y el Arte Pop


El Arte Pop es un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos. Nace como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto al que consideraban vacío y elitista.

El Pop Art se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo, de la comunicación de masas y de la publicidad, aplicados a distintas disciplinas.
El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente. Su finalidad es lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica con el consumismo de la época. Como su propio nombre indica el "Arte Popular" toma del pueblo los intereses y la temática.

El Pop es el resultado de un estilo de vida. Es la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la moda y el consumo. Los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie.


El inglés Richard Hamilton es uno de los pioneros del Pop Art británico. Su collage titulado ¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos? ha sido considerado la primera obra del movimiento.
 
La fotografía Pop Art se presenta como imagen de choque y tiene una atracción poderosa para el espectador. La representación del motivo en el pop es asombrosamente literal.

Esto es especialmente llamativo en artistas como Roy Lichtenstein o Andy Warhol. Las fotografías de Andy Warhol de latas de sopa de tomate son el mejor ejemplo de esta literalidad.




Nuevas técnicas del Arte Pop

Todas las técnicas usadas en fotografismo fueron válidas para el arte pop. La fotografía es manipulada hasta el extremo para conseguir sorprender al espectador.

La tipografía, la caligrafía, el dibujo, la ilustración, el graffiti y todo tipo de texturas se unen y superponen a la imagen fotográfica. El color es igualmente manipulado en todas sus dimensiones, virados, fotografías coloreadas, pintadas a mano o con el aerógrafo, solarizaciones, bitonos, ampliaciones de la trama de cuatricromía, serigrafía y un sinfín de posibilidades.
Este movimiento artístico y cultural tiene su culminación en el Hiperrealismo o en el Nuevo Realismo que se desarrolló después de 1962.






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