Fotografias de autor

LIMITE POR AUTOR, 4 IMÁGENES POR DÍA, SI SUBÍS UNA SERIE EL LIMITE ES DE 6, MUCHAS GRACIAS!

jueves, 31 de diciembre de 2015

Milongueando en el Fin de Año...


Colores!


                                                       En el Corazón de una Hortensia!


                                                               Colores Navideños!

Fotografías Icónicas: La fiesta se ha acabado, por Nan Goldin


En su fotolibro, La balada de la dependencia sexual, esta fotografía fue una novedad, por el año 1987. Lo que subyuga es lo bien que utilizan las fuentes de luz (natural o artificial en la escena) para transmitir los estados de ánimo. El destello del flash desde cámara recuerda a las fiestas de adolescentes, en las que al final siempre aparecía alguien y encendía las luces, decretando que la fiesta se había acabado.
Pocas fuentes de inspiración son tan inagotables y duraderas en el proceso de creación artística como las propias vivencias; cicatrices, traumas, obsesiones y secuelas que han propiciado a lo largo de la historia obras maestras que reflejan las vicisitudes de la  existencia de sus creadores. Nan Goldin es una artista documentalista con una cámara fotográfica en la médula y testigo de la triste devastación del sida en la bohemia Nueva York de los 80, la ciudad del pecado, la euforia y la melancolía.
Sus instantáneas son el recoveco donde la belleza imperfecta de sus conocidos y amigos todavía sigue viva, y donde el fulgor y las heridas de su pasado frenético tampoco se mueren nunca. Reina del antiglamour, firme detractora del arte como negocio y noctámbula revolucionaria del género hiperrealista, la obra de Nan ha sido tachada desde sus inicios de escandalosa y provocadora por unos, y alabada como una de las más maravillosas creaciones documentales del siglo XX por otros. 

Sólo siluetas

para el 2016..........


miércoles, 30 de diciembre de 2015

Felicidades para todos los amigos!!!!


Postales en Blanco y Negro




Macachìn rosado, o vinagrillo (Esteros del Iberà)


Bajo el reino de los cielos


Comenzando la jornada

LA HORA DE LA SIESTA!


fotografía dentro de otra fotografía - por Carlos M Baena



FELIZ AÑO ÑUEVO !!!!!


MUCHISIMAS FELICIDADES PARA TODOS ,Y EN ESPECIAL PARA LAURA  Y CRISTINA QUIENES CON TANTO CARIÑO Y DESINTERESADAMENTE  NOS BRINDAN ESTE ESPACIO !!!!!! MIMANDONOS Y ALENTANDONOS SIEMPRE !!!! HARE TODO LO POSIBLE PARA PARTICIPAR MAS ASIDUAMENTE ESTE AÑO QUE SE INICIA MUCHAS MUCHAS GRACIAS POR TODO !!!!!!! TODO LO MEJOR PARA USTEDES !!!!! UN ABRAZO Y BESO ENORMEEEEE !!!!!

Tarde de veleros


Gato de Iberà..


CABALLOS FANTASMAS


HEATHER EVANS SMITH

HEATHER EVANS SMITH - FOTOGRAFIAS DE MUJERES

Vive y trabaja en Winston- Salem, Carolina del norte, USA.
Su trabajo refleja sus raices sureñas, la maternidad, y la fantasia que genera su imaginacion al crecer como hija unica en un entorno rural.
Es una fotografa que a traves del lente , relata historias visuales de mujeres misteriosas con poderes sobrenaturales.
Te invitamos a descubrir este mundo de fantasia.







un clásico de areco


martes, 29 de diciembre de 2015

Felicidades en el Nuevo Año


Queridos Amigos, reciban mis deseos de alegrías,  que en este 2016, tengamos mucha paz y esperanzas de un mundo mejor. De corazón. Tesi 

El Niño y la Madrina


Rain Panamericana


La fotografía analógica y cómo se retocaban las imágenes antes del Photoshop

Quien dice Photoshop, puede extender el concepto de retoque y montaje de imágenes a cualquier otro programa que cuente con las herramientas necesarias, no solo el software de Adobe se utiliza para el retoque y montaje fotográfico. Y las fotografías analógicas se tocaban desde aproximadamente los años 1840 hasta los noventa del siglo pasado, más o menos.
Es decir que antes de la era digital ya existía el retocado de imágenes por parte de los fotógrafos y de los expertos en la materia; podemos decir que la alteración de imágenes fotográficas es casi tan antigua como la propia fotografía. Aunque usted no lo crea. Seguramente algunos de nosotros hemos escuchado o leído esta frasecita.
Es decir que estamos hablando de una técnica que permite obtener una imagen modificada a partir de otra, ya sea para lograr una mejor calidad o más realismo, o para obtener una composición totalmente diferente que distorsione la realidad. Según se explica en Wikipedia.
Casi cualquier tipo de manipulación que hoy asociamos con la fotografía digital también fue parte del repertorio pre-digital: suavizado de arrugas, adelgazamiento de cinturas, adición y sustracción de personas o elementos en una escena, mejoras de luz y contrastes, montajes artísticos y piruetas onírico-paranoicas, con el único fin de asombrar, asustar, ocultar, impresionar o entretener.
William Mortensen
Pero antes los medios no eran los mismos que existen ahora. Hoy una fotografía tiene un ciclo digital completo, sin llegar en muchos casos a pasar por un soporte físico en papel. La cámara de fotos captura una instantánea que codifica automáticamente en formato binario. De ahí pasa a un equipo informático (por cable o por “el aire”) donde es retocada, recortada y/o redimensionada para, al final, terminar en la mayoría de los casos en un soporte digital, casi siempre en algún recoveco de Internet. Sin embargo, antiguamente las fotos debían ser reveladas, lo que implicaba obligatoriamente su transmisión a un formato físico. Ahí empezaba entonces el retoque.
Los métodos de retocado eran múltiples y variados, la mayoría imaginativos e ingeniosos. El de más baja tecnología podría haber sido el que consistía en recortar varias fotografías con una cuchilla, obteniendo diversos elementos de cada una de ellas, para luego filtrar todos juntos en una nueva composición a modo de collage realista. Con una iluminación adecuada, se sacaba una última fotografía al montaje, generando así un nuevo original.
Otras técnicas incluían múltiples exposiciones de un único negativo o generar una foto desde varios negativos superpuestos. Al final era cuestión de mezclar dos o más imágenes en una sola. También existía el retoque manual por medio de pincel, o aerógrafo, y tinta negra sobre el negativo, recurriendo a la técnica del puntillismo, corrigiendo imperfecciones o haciendo desaparecer elementos existentes.
La exposición, en el cuarto oscuro fotográfico, de ciertas partes de la fotografía a más o menos luz y la utilización de unos elementos químicos u otros por zonas, también generaban efectos interesantes, ocultando o recalcando sombras y zonas claras, mejorando la luminosidad o el brillo, oscureciendo.
Resulta evidente que aquellos fotográfos que recurrían a estrategias manuales eran auténticos artistas y sus trabajos competirían muy de cerca con los montajes actuales digitalizados.
Uno de los primeros experimentadores de los que se tiene constancia fue el fotógrafo de origen sueco Oscar Rejlander, que vivió casi toda su vida en la Inglaterra victoriana. En la década de 1850, Rejlander aprendió la técnica conocida como colodión húmedo, un proceso fotográfico, a la sazón incipiente, que produce una imagen en negativo en un soporte transparente, normalmente un cristal. Mediante la combinación de docenas de estos negativos, el artista consiguió producir su montaje más famoso, el titulado ‘The two ways of life’ (‘Los dos caminos de la vida’) en 1857. Es una alegoría muy victoriana que representa la divergencia de los caminos alternativos que supone una vida de pecado y una vida piadosa.
'The two ways of life' de Oscar Rejlander, 1857
Más o menos por la misma época, otro fotógrafo inglés, Henry Peach Robinson, utilizaba la técnica de impresión combinada para crear su obra ‘Fading Away’ (‘Debilitarse’). Este procedimiento consistía en el uso de dos o varios negativos fotográficos en conjunción con otro de fondo para generar una sola imagen en positivo. Algo similar a la técnica de doble negativo para fotografiar paisajes, pero más complicado y trabajoso. ‘Fading Away’  representa una macabra escena victoriana de un lecho de muerte. Robinson tuvo que dejar de hacer fotografías y cerrar su estudio cuando contaba sólo con 34 años; la exposición prolongada a productos químicos fotográficos muy tóxicos había arruinado su salud.

Fading away, Henry Peach Robinson, 1858
Entre 1885 y 1915, el movimiento fotográfico conocido como Pictorialismo capturaba la imaginación del público. Los pictorialistas creían que la única buena fotografía era aquella que había sido manipulada, propugnando así sus pretensiones artísticas. En aquella época se alteró y se retocó cada foto mediante la reducción o eliminación de enfoque nítido, la impresión en colores distintos al blanco y negro, o la adición de elementos extraños a las imágenes, como pinceladas. La fotografía de George Seeley, ‘The black bowl’ (‘El llanto negro’), de 1907, es un buen ejemplo de una imagen manipulada pictorialista. Asimismo, por su lado, la obra titulada ‘Artículos eléctricos para el hogar’ (1949), primer fotomontaje, onírico y surrealista, de la serie ‘Sueños’ de Grete Stern, diseñadora y fotógrafa alemana radicada en Argentina, se enclavaba ya en el movimiento modernista, que no comulgaba con las tesis de los pictorialistas, pero no por ello obviaba las manipulaciones más evidentes.

he black bowl' (George Seeley) y 'Artículos eléctricos para el hogar' (Grete Stern)

En la década de los años treinta, otro fotógrafo modernista, el famoso artista estadounidense conocido como Man Ray, estaba viviendo en una buhardilla, que era a la vez su estudio, en París. Era el fotógrafo y el artista arquetípico de la época, siempre deambulando por ahí con los escritores de la Generación Perdida como Ernest Hemingway, con artistas surrealistas como Salvador Dalí y con periodistas fotográficos como Robert Capa.
Las mujeres eran uno de sus temas favoritos, y, tal vez por eso, su fotografía más famosa y más copiada es ‘Le violon d ‘Ingres’ (‘El violín de Ingres’). Este montaje es una parodia de los retratos de damas que hacía el pintor Jean-Auguste Ingres. En él aparece el torso desnudo de la cantante de cabaré Kiki de Montparnasse, presentada como un instrumento musical, con los agujeros de sonido de violín en forma de efe minúscula en su espalda. 

I‘Io + gatto’ de Wanda Wulz (1932)
Wanda Wulz, fotógrafa italiana, (Trieste, 25 de Julio de 1903 - 16 de Abril de 1984). Nacida en el seno de una estirpe forjada tras la cámara, disfrutó desde su infancia del contacto directo con la imagen. De hecho, su abuelo Giuseppe Wulz regentaba el afamado Fotografiaco Wulz Studio en Trieste desde mediados del siglo XIX (1868). Un negocio y tradición familiar continuado por su padre Carlo Wulz y heredado por sus hijas (Wanda y Marion) tras su fallecimiento en 1928. Inmersa en la actividad profesional descubre el dominio del retrato, la luz o la práctica del taller y conjuga sus firmes conocimientos técnicos con una endemoniada pasión por las vanguardias (futurismo, dadaísmo, surrealismo, etc) y sus ansias de transgresión. 
De esta manera, con el inicio de la década de los treinta su capacidad artística y talento creativo ponen de manifiesto su tremendo potencial. Superposiciones, montajes o experimentos plásticos, dibujan su genuina e original seña de identidad.
Hoy día, fotógrafos como Jerry Uelsmann se han convertido en la imagen analógica de los antiguos retoques en la actualidad. Uelsmann sigue siendo un trabajador de cuarto oscuro con increíbles habilidades, conocido sobre todo por sus montajes en blanco y negro, asombrosamente realistas para las antiguas técnicas que utiliza, y de carácter profundamente imaginativo y onírico.
Entre octubre de 2012 y enero de 2013, el  Metropolitan Museum of Art de Nueva York acogía una grandiosa exposición de fotografías, que fueron retocadas entre 1840 y 1990; una exposición que se dio en llamar ‘Faking It: Manipulated Photography Before Photoshop’ (traduciéndolo de modo libre vendría a ser algo así como: ‘Falsifícandolas: Fotografía manipulada antes del Photoshop’). Más de doscientas imágenes en las que las técnicas manuales reemplazaron a los ordenadores, y que todavía se pueden visualizar desde la web correspondiente, con comentarios aclaratorios en cada una de ellas.

Paseo dominical


El Santa Fe

corrientes y esmeralda en el 2012


corrientes y esmeralda en el 65


corrientes y esmeralda, en el año 65 y en el 2012


lunes, 28 de diciembre de 2015

CRÓNICAS de Hoy.


AUTORRETRATO


Murales en Barracas....


CINE Y FOTOGRAFÍA - El laberinto del fauno Película de 2006 completa!

Entre los films más exitosos fotográficamente está El laberinto del Fauno.


Una producción hispano mexicana del año 2006 que contó con Guillermo Navarro como director de fotografía. Su tarea en la película lo hizo ganador del Óscar. Logró transmitir la magia y misterio de los personajes y al mismo tiempo mostrar la cruda época de la Guerra Civil Española.


Fecha de estreno: 11 de octubre de 2006 (España)
Director: Guillermo del Toro
Guión: Guillermo del Toro
Música compuesta por: Javier Navarrete
Premios: Oscar a la mejor fotografía.




Es bueno observar el clima creado, la luz ambiente, texturas y color tan bien manejados por el director!


La fotografía ha complementado al cine con la belleza y lenguaje de las imágenes y siempre ha formado parte de él. Es por esto que diversos fotógrafos han encontrado en la pantalla la expresividad necesaria para transmitir ideas, emociones e incitar al público a una reflexión. En la dirección de fotografía se encuentra un importante espacio al interior de la producción cinematográfica. Esta involucra la esencia estructural del film y puede ir mucho más allá de lo que nuestros ojos captan.





Les dejo la Pelicula completa, para todos aquellos que no la vieron o quizás como yo que quieran volver a disfrutar de la misma aplicando nuestra propia mirada fotográfica!!