TÉCNICAS FOTOGRÁFICAS

La Visión y la Cámara Fotográfica

Cada persona percibe su propia versión del mundo

Por medio de la visión percibimos un mundo complejo, en continuo cambio. El cerebro hace un procesamiento inmediato de las imágenes que recibe, seleccionando de forma inconsciente aquello que es más relevante.

Existe una tendencia de la mente a geometrizar o simplificar las imágenes complejas, A partir de los estímulos recogidos por los ojos, el hombre selecciona, organiza, agrupa e interpreta la información percibida para darle un significado coherente.

La cámara fotográfica funciona de forma muy diferente. Es un aparato mecánico que no es capaz de discriminar los elementos más significativos de una escena. La cámara fotográfica opera con fidelidad, registrando imparcialmente todos los elementos situados dentro del encuadre.

Ojo y Cámara

Aunque el funcionamiento de la cámara fotográfica ha sido equiparado con el de del ojo humano, existen grandes diferencias cualitativas

Es el fotógrafo quien debe hacer, en el momento de la toma, una elección entre infinitas posibilidades. La persona que está detrás de la cámara debe mirar cuidadosamente a través del visor y decidir la pequeña parte del mundo y el instante que le interesa registrar.

Ser fotógrafo consiste en aprender a ver imágenes que resultarán atractivas, extrayéndose de complejo, confuso y cambiante entorno que nos rodea. Quizás la diferencia entre una imagen ordinaria y otra excepcional sea la capacidad de mostrarnos lo sustancial

Una imagen debe ser capaz de trasmitirnos alguna idea o emoción

Dominar los medios técnicos de la fotografía no es suficiente para realizar fotografías que merezcan la pena. Las buenas fotografías se obtienen desarrollando la mirada y no con el simple uso de los mejores flashes de estudio, la cámara con más megapíxeles o potentes teleobjetivos. Por este motivo, muchos fotógrafos miran a menudo a través del visor, aunque no se tenga la intención de disparar.

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LA HORA AZUL - Sabes de que trata?

Se llama hora azul (en inglés, magic hour o también golden hour) a un periodo de tiempo de entre 45 y 60 minutos antes y después de la puesta o salida del Sol, ya que justo en ese momento el cielo tiene una tonalidad muy especial.

Durante esos periodos de tiempo la luz natural es muy difusa, lo cual se traduce en una alta calidad de la iluminación de la escena. Además, la situación del Sol respecto al horizonte hace que se produzca un curioso fenómeno físico, de manera que se produzcan los espectaculares amaneceres o atardeceres repletos de colores cálidos.

la duración de este momento fotogénico dura pocos minutos de modo que es conveniente tener bien pensada la fotografía que queremos realizar para aprovechar al máximo el poco tiempo que disponemos para hacer fotos.

Hora dorada y hora azul


Ambas son lo que conocemos también como horas mágicas, se suceden antes o después de la salida o la puesta de sol. Veámos el siguiente gráfico:

Algunos consejos:

Estate atento a la tonalidad del cielo. Nada más encender las luces, normalmente aún hay demasiada luz. Es un buen momento para empezar a probar encuadres para cuando la luz coja esa tonalidad que sea de nuestro agrado.

Utiliza diafragmas cerrados. A partir de f/13 las luces hacen el efecto estrella. Además, cuanta más larga sea la distancia focal, el efecto estrella será aún más pronunciado.

Aprovecha los reflejos. El mar, un río, un charco de agua, un escaparate… puede actuar como espejo y te ayudará para que tus fotos tengan un toque de creatividad.

Infórmate sobre los edificios iluminados. Normalmente en todos los pueblos y ciudades iluminan los edificios más importantes e identificativos de la localidad. Hay quienes los iluminan todos los días, y hay quienes por ahorro, los iluminan tan solo los fines de semana. Son un buen motivo que retratar con esa luz especial de la hora azul.

Añade luces en movimiento. Si en el encuadre incluimos alguna carretera transitada por coches, utilizando una exposición lenta obtendremos una imagen llena de dinamismo.

¿Conocías la hora azul? ¿Tenes ejemplos para mostrar?

 Atrapados por la Imagen espera tus fotos!!

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Los errores más comunes al editar imágenes y cómo evitarlos

Editar imágenes suele ser el siguiente paso tras realizar fotografías, lo cual incluso puede resultar necesario para sacar todo el partido posible a nuestra instantánea.

Del mismo modo que en la fotografía química se empleaban diferentes técnicas de revelado para variar los efectos del negativo, las imágenes digitales también suelen editarse para conseguir un resultado más acorde a nuestras expectativas. Normalmente, los ajustes básicos de edición suelen estar bastante claros, pero quizá no tanto los errores más comunes.

La propia experiencia suele ser el indicador más valioso para encontrar la mejor forma de editar imágenes. Practicar con distintas fotos es el aprendizaje más valioso para elegir qué valores son los más adecuados para esa instantánea, ya que cada una requerirá de diferentes valores para que ésta se ajuste a lo que deseamos.

Hoy en día, aprender fotografía no abarca únicamente el proceso de captar imágenes, el de la edición es otro campo que se ha convertido en necesario. No obstante, cuando somos novatos en este campo solemos cometer una serie de fallos que podemos evitar.
Utilizar JPEG

Aunque pueda parecer algo obvio, cuando nuestra idea es la de editar imágenes siempre debemos optar por el RAW en lugar del JPEG. Optar por el archivo “bruto” en lugar del comprimido nos permite tener más datos y por lo tanto también más cantidad de información, algo nos afecta a la hora de intentar recuperar las altas luces o las sombras. Eso sí, como consecuencia de ello ese archivo ocupará más tamaño, por lo que quizá podríamos necesitar alguna tarjeta adicional si nuestra intención es la de tomar una gran cantidad de imágenes.

No cambiar el perfil de color

Suele ser un error a la hora de exportar la imagen. En ocasiones los colores no se corresponden con los que veíamos mientras editábamos esa instantánea, algo causado por utilizar un perfil de color inadecuado para el lugar donde se va a visualizar. Es decir, la mayoría de monitores suelen aceptar el perfil de color sRGB, por lo que si exportamos esa imagen en Adobe RGB u otro, su tonalidad no coincidirá con la previsualización del software de edición. Si usamos Photoshop, para cambiarlo solo debemos ir a edición – convertir en perfil, y allí seleccionar el que deseamos.

Excesivo enfoque

Utilizar herramientas para enfocar puede ser positivo, pero hasta cierto punto. De hecho, si empleamos en exceso funciones como “claridad” de Lightroom, es probable que se generen unos halos indeseados en los bordes de los objetos, algo que nos otorga como resultado un resultado artificial. Asimismo, cuando enfocamos en exceso también podemos provocar que los tonos de la imagen no se muestren de una forma degradada, sino por capas. Esto es algo especialmente nocivo cuando tenemos un cielo con un atardecer o amanecer, donde un gran enfoque puede arruinar su amplia variedad de tonos.
No vigilar el histograma

El histograma es como la radiografía de nuestra imagen. Dicen que lo más indicado es tener una curva en forma de campana de gauss, aunque eso no se puede aplicar a todas las instantáneas. Así, el histograma puede ser una ayuda para encontrar aquel ajuste que la foto requiere. Si no llega a los extremos, quizá necesite más contraste; o si se sitúa demasiado a la derecha, puede que requiera disminuir varios pasos de exposición y así recuperar algo de información en la toma.

Asimismo, el histograma no solo se puede vigilar en el momento de la edición, de hecho ya existen muchas cámaras que poseen la función de incorporar un histograma en vivo para, en el momento de la toma, valorar la exposición de esa imagen.

Abusar de efectos

El viñeteado tampoco debe ser un efecto a evitar, de hecho puede ayudarnos a crear la sensación de inmersión si oscurecemos los bordes de la instantánea. Sin embargo, abusar de este efecto puede otorgarnos un resultado artificial y muy poco profesional.

Asimismo, también puede ocurrir algo similar con la saturación. Abusar de ella genera unos colores demasiado irreales, similares a los excesivos HDR que en ocasiones suponen ser todo un atentado visual.

¿Filtros?

Podemos encontrar acciones o filtros que de manera automática se apliquen a nuestras fotos ¿debemos usarlos? Sí, pero no debemos quedarnos ahí. El filtro debe ser la base sobre la que sentar nuestro revelado digital, ya que no todas las fotos se adaptan de la misma forma a un efecto. Por lo tanto, dependerá de nosotros ajustar correctamente ese filtro para lograr que luzca de la mejor forma posible.

Esperamos que te haya gustado tanto como a nosotros!!

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EL AUTORRETRATO

Aunque como modelo para mis propias fotos soy un fracaso, también es cierto que en muchas ocasiones para experimentar, probar, jugar,  no hay nada como fotografiarse uno mismo. El autorretrato parece sencillo, pero al igual que con los retratos, requiere de algunas pautas que conviene tener en cuenta.

Eso sí, los autorretratos tienen el añadido de que no estamos detrás de la cámara al disparar, por lo que se hace necesario tomar algunas consideraciones para conseguir un buen autorretrato.

Vamos a ver  sencillos consejos para realizar nuestros autorretratos:

1. Planificación estudiar un poco el entorno, fondos luz etc.

2. ¿Qué queremos transmitir?

Personalidad, estilo, estado de ánimo,... primero pensemos qué queremos reflejar con el autorretrato antes de sumergirnos en la técnica.

3. Cuidar el fondo

Antes de colocarnos delante de la cámara hay que buscar un fondo apropiado a lo referido en el punto anterior. Influye mucho un fondo oscuro, iluminado, neutro o que forme parte del escenario que acompaña a nuestro rostro o cuerpo. Prepararlo a conciencia nos ayudará mucho a transmitir nuestra intención.
4. Mimar la composición y el encuadre

Siempre importante en cualquier retrato, la composición es fundamental. Es necesario que busquemos nuestra ubicación, más próxima o lejana, sólo el rostro llenando el encuadre o parcialmente,... no hay nada como hacer pruebas. Tenemos a un modelo esforzado :)

5. Esdudiar la iluminación

Conforme a la idea que hemos elegido, el fondo y la composición debemos dotar de la iluminación adecuada. Aprovechemos ventanas, reflejos, fondos claros si estamos en interiores o buen momento y espacio en el exterior con una luz apropiada. Usar reflectores caseros tipo cartulina blanca o láminas de aluminio, nos pueden ayudar a dar con una luz adecuada o eliminar sombras molestas.

6. Uso de trípode o soporte seguro

Si no vamos a realizar el típico autorretrato frente al espejo con la cámara en mano, lo más adecuado es colocar la cámara sobre un trípode o un lugar seguro es necesario porque tendremos que hacer pruebas, movernos, reencuadrar y si tenemos la cámara bien fijada nos resultará cómodo. Además, también nos puede permitir disparar a una exposición más larga si fuese necesaria.

7. Enfoque: fundamental

Aquí dependerá de la composición y el efecto, pero es aconsejable hacer uso del enfoque manual. Con él podemos controlar con precisión donde enfocamos. Podemos marcar el lugar adecuado para luego situarnos correctamente. Especial cuidado cuando usemos grandes aperturas de diafragma, puesto que la profundidad de campo es muy reducida. Y lo habitual es lograr un buen enfoque en los ojos, así que toca hacer pruebas.

8. Pantalla LCD

Si disponemos de una cámara con pantalla abatible nos resultará muy práctico para la composición. Pero si no es el caso, un espejo estratégicamente colocado nos ayudará a ello.

9. Dispara en ráfaga

Si somos buenos modelos seremos capaces de mantener el gesto adecuado, pero no quita que parpadeemos accidentalmente en el momento del disparo. Lo ideal es disparar en ráfaga, varias tomas que nos aseguren alguna buena.


10. Usa el temporizador o disparador remoto

Esencial para que podamos estar en nuestro sitio en el momento del disparo.

Abraham Lincoln (escena de la película)

Técnica de la ‘Noche Americana’

¿Has escuchado hablar alguna vez de la "noche americana"?

Se trata de hacer fotos o rodar vídeo a plena luz del día simulando que es de noche, es decir, cuando alguien vea nuestra foto o nuestro vídeo creerá que es de noche, pero nosotros hemos rodado a plena luz del día. Parece divertido, ¿verdad? Pero... ¿cómo se hace? Si quieres aprender a realizar este efecto sigue leyendo.

Un poco de historia

Hace años, cuando la tecnología no estaba al nivel de la actual resultaba muy difícil rodar algunas escenas de películas de noche. Escenas en lugares de difícil acceso o con animales, no era fácil hacerlas de noche. Imaginemos todo un rodaje de una película del oeste en el desierto de Tabernas en los años 70 (hace 45 años) de noche, con caballos, sin los medios de hoy en día... realmente complicado ¿verdad?. ¿Qué se hacía entonces? Pues muy fácil, se subexponía la imagen y se colocaba delante un filtro azul... así la sensación es "parecida" a una situación nocturna.

Sin embargo en fotografía es muy creativo este efecto, veremos cómo lograr nuestra noche americana!
Materiales necesarios

· Cámara réflex con posibilidad de ajustes manuales, sobre todo de los parámetros de disparo: tiempo de exposición, ISO y apertura del diafragma, y del balance de blancos.

· Un flash externo como mínimo, si son dos mejor. Con sus correspondientes pies para poder colocarlos en el lugar adecuado y a la altura correcta.

· Filtros de colores para el flash. Necesitamos filtros CTO (del inglés "color temperature orange" o lo que es lo mismo filtro naranja para jugar con el balance de blancos.

· En cuanto al lugar o al tiempo atmosférico nos interesa que NO de el sol directo, así que un día nublado sería perfecto, aunque también un lugar a la sombra es buena opción.

Escena de la película ARENA, FUEGO Y SANGRE!

Escena de la película centauros del desierto!

Comenzamos….

Para realizar nuestra fotografía de "noche americana" necesitamos poner algunos ajustes en la cámara y flashes, vamos con ellos:

1. Colocamos la cámara en modo manual y la exposición debemos ajustarla para que quede subexpuesta mas o menos sobre 2 puntos el fondo. Primero, ajustamos los valores para subexponer el fondo, y posteriormente se trabajará con la iluminación del primer plano gracias al flash.

2. Ajustamos el balance de blancos de la cámara en tungsteno (la bombillita). En caso de que nuestra cámara permita poner el balance de blancos en manual con una cifra la colocaremos rondando los 3000 kelvin.

3. Colocamos el flash o los flashes con los filtros CTOs para que den luz a nuestro/a modelo. Se colocarán los filtros naranjas para que al iluminar al sujeto principal consiga equilibrar el color azul del balance de blancos y nos quede un sujeto con un balance de blancos neutro. Además nos quedará un sujeto principal que estará más iluminado (gracias a los flashes) que el fondo (claramente subexpuesto).

4. Ajustamos la potencia de los flashes para que quede la exposición a nuestro gusto. A modo de recordatorio haré mención de los parámetros de la exposición, de cómo afectan a la luz ambiente y a la luz del flash.

o El tiempo de exposición sólo afecta a la luz ambiente, no teniendo ningún efecto sobre la luz del flash. Recordemos que el destello del flash dura muy poquito, menos que el tiempo de exposición con el que podemos sincronizar nuestro flash. Es decir, si aumento o disminuyo el tiempo de exposición, sólo estaré actuando sobre la parte de nuestra fotografía sobre la que actúa la luz natural, la zona iluminada por el flash no sufre modificación alguna.

o La apertura del diafragma y el valor ISO tienen su efecto tanto en la luz del flash como en la luz ambiente. Es decir, si subo o bajo la ISO o abro/cierro el diafragma estaré actuando sobre la exposición global de la foto, es decir, afecta tanto a la zona con iluminación natural como a la zona con iluminación del flash.

o Además de estos parámetros podemos influir sobre la potencia a la que vamos a disparar nuestros flashes para conseguir la exposición adecuada. (Como recomendación es que trabajemos con el flash o los flashes en modo manual, para tener todo bajo nuestro control y poder subir/bajar la potencia inmediatamente a nuestro gusto.

Una vez ajustado todo esto ya estamos en condiciones de disparar, disparar y disparar hasta conseguir estas fotos con este efecto de "noche americana" y sorprender a nuestros amigos o seguidores.

Lo que necesitas saber antes de comprar un trípode.

El peso es vital

Tanto el peso del equipo que soportará el trípode como el peso del mismo gadget. Es vital que el conjunto (trípode más rótula) sea lo bastante robusto como para soportar el peso de tu cámara y objetivo más pesado pero al mismo tiempo que no tiemble mientras lo manejas. No compres uno pequeño si posees una réflex de gama media-alta con objetivos de más de un kg de peso.

Si caminarás durante horas con el equipo en la espalda, contempla la compra de un trípode fabricado en fibra de carbono, son mucho más caros pero la diferencia en peso es abismal con respecto a los de aluminio o acero. Cuidado los días de mucho viento, el carbono es muy ligero y puede provocar caídas del equipo, los trípodes de gama alta llevan un gancho bajo la columna central, es para colgar una bolsa de arena o piedras (lleva siempre una bolsa de supermercado vacía en tu mochila para dar más estabilidad al trípode).

La rótula

Los trípodes de gama media y baja suelen llevar la rótula integrada, pero los de gama alta nos permiten tener varias rótulas intercambiables para varios tipos de fotos. Os detallo mejor las capacidades de cada tipo de rótula:

De tres ejes: son las de toda la vida, poseen tres manetas para controlar el movimiento de la cámara en horizontal, vertical y giro. Son las más económicas y muy útiles para todo tipo de fotografía aunque solo son perfectas para paisajes y panorámicas.

rótula 3 ejes

De bola: Todo el mecanismo se centra o gira (nunca mejor dicho) sobre una bola maciza de metal, tu cámara podrá moverse en los 3 ejes a la vez y con un solo botón podrás fijar la posición para estabilizarla. Las de gama alta poseen la posibilidad de dejar fijo el eje de rotación y así poder usarse en panorámicas (aunque los resultados no son tan óptimos como con una de tres ejes). Son perfectas para retrato y deportes, sobre monopié en este último caso.

rótula de bola

De joystick: Son un tipo de rótulas de bola en las que se maneja todo desde un mango o joystick que posee un gatillo, pulsando el gatillo podremos mover los 3 ejes a la vez y cuando lo soltemos, quedará el equipo bloqueado. Se usan mucho en deportes sobre monopié.

los dos tipos de rotulas de joystick

Fluida o de vídeo: Son una variación de las de 3 ejes. El mecanismo interno de este tipo de rótulas lleva líquido (agua o aceite en función de la calidad del precio) que frena el movimiento para que no tenga brusquedades en la grabación de vídeo. Poseen 3 gatillos o manetas pequeñas para bloquear o liberar los ejes y una barra larga para dirigir el movimiento de la cámara. Se pueden usar para fotografía sin problema aunque su peso no la hace la más indicada si no vas a grabar vídeo.

rotula de vídeo

El trípode o monopié

El monopié se usa fundamentalmente en deportes donde usaremos un equipo muy pesado y solo queremos librarnos de cargar durante horas con dicho peso. Nos da plena libertad de movimiento pero no nos permite exposiciones tan lentas como un trípode.

monopie

El trípode se usa para poder prolongar la exposición si lo necesitamos, aparte de tener estabilizada la cámara si hacemos vídeo. Nos permite tener la cámara sobre la estructura mientras que un monopié se caería al suelo de no sujetarlo.

Los trípodes de vídeo llevan en la base unas barras estabilizadoras que sujetan las tres patas a la columna central dando mucha más rigidez y estabilidad al conjunto, así se minimiza al completo cualquier pequeña vibración durante la grabación.

tripode de vídeo

Accesorios de los trípodes

Puntas de metal: para acoplar o enroscar en las patas del trípode cuando trabajamos sobre una superficie deslizante como arena, barro o nieve. Se clava literalmente nuestro trípode en el suelo.

punta de metal

Asideros de neopreno: es el material más usado pero puedes encontrarlos de otros materiales, sirven para no acusar el frío cuando lo agarramos a muy bajas temperaturas, su fin es meramente la comodidad.

calentadores o asideros

Niveles de burbuja: nos ayudan a estabilizar la cámara para tener una horizontal perfecta, suelen ser pequeños en rótulas de bola pero los de 3 ejes y los de vídeo suelen llevar varios y de buen tamaño y calidad.

niveles

Conclusión final

¿Cual comprar? Pues teniendo en cuenta tu estilo fotográfico o uso que quieras darle, aparte del peso de tu cámara y objetivos, debes buscar un trípode más rótula que se adapte a tu presupuesto, no compres el modelo más caro si no le vas a dar un uso profesional y amortizar dicho gasto. Recuerda que el equipo fotográfico es para usarlo y no para almacenar, coleccionar o presumir. Yo soy usuario de un manfrotto de gama media y poseo una rótula de bola mediana y una de vídeo también de gama media. Existen muchas marcas en el mercado con una excelente calidad.

¿Cómo se interpretan los valores f/?

Las diferentes aperturas de diafragma se miden o denominan a través de los números o valores en f/. Dependiendo de la luminosidad del objetivo, tendremos unos valores de f/ mínimos más pequeños o bien mayores.

Aquí viene lo que creo que es lo más importante y lo que suele liarnos cuando empezamos e intentamos entender la apertura de diafragma. Cuanto más bajo sea el valor f/, más luz entrará a través del objetivo, y cuanto más alto sea el valor f/, menos luz entrará a través del objetivo.

Mira la siguiente imagen e imagina que la luz debe pasar a través de esos “agujeros”, ¿Por cuál de ellos crees que entrará mayor cantidad de luz? f/2, ¿Verdad? Y por el contrario, ¿Por cuál de ellos entrará menor cantidad de luz? Pues en este caso sería f/22, pero estas aperturas siempre vienen definidas por el objetivo. 

Los pasos de diafragma

El paso de diafragma no es más que el salto de un valor f/ al siguiente. Por ejemplo, en la imagen anterior diríamos que entre f/2 y f/2,8 hay un paso de diafragma. O entre f/2 y f/4, hay dos pasos de diafragma.

Y dirás… Muy bien, ¿Y eso qué significa? Pues bien, cada paso hacia arriba en la escala, significa que estás dividiendo por dos la cantidad de luz que entra a través del objetivo. (Por ejemplo f/4 dispone de la mitad de luz que f/2). Y por el contrario, cada paso hacia abajo que des en la escala, significa que estarás multiplicando por dos la entrada de luz respecto al paso anterior. (Por ejemplo f/8 dispone del doble de luz que f/11).

La escala “estándar” sería la siguiente:

f/1, f/1:4, f/2, f/2:8, f/4, f/5:6, f/8, f/11, f/16, f/22, etcétera.

Pasos intermedios

Ahora bien, los pasos anteriores son los considerados enteros, los clásicos, los teóricos. Pero como siempre, las cosas van evolucionando y es muy posible que, a día de hoy, tu cámara cuente con bastantes más numeraciones f/ de diafragma que las que hemos comentado, ¿Verdad? Seguro que te estabas preguntando qué hacer o de dónde salen valores como f/3:5 o f/5. Pues bien, todos losvalores que se encuentren entre los diferentes pasos, son los que consideramos como pasos intermedios.

Los pasos intermedios no son universales y se han añadido para poder ajustar con más precisión la apertura de diafragma.

La luminosidad del objetivo y la apertura del diafragma

Cuando hablamos de objetivos más o menos luminosos, en realidad estamos hablando de lacapacidad de apertura de diafragma máxima que estos tienen asociados.

Como hemos visto en el punto anterior, cuanto más bajo es el valor f, más luz entra a través del objetivo y por lo tanto, lo consideramos más luminoso.

Por ejemplo, un objetivo zoom 18-55mm 1:3,5-5,6 nos indica varias cosas:

1. Que la distancia focal del objetivo varía entre los 18mm y los 55mm.
2. Que la apertura máxima del diafragma es de f/3,5 en su distancia focal mínima (18mm)
3. Que la apertura máxima de diafragma es de f/5,6 en su distancia focal máxima (50mm)

Es decir, con este objetivo, podremos abrir el diafragma hasta un máximo de f/3,5 cuando trabajamos en 18mm, y un máximo de f/5,6 en 50mm.

En ópticas fijas, el objetivo nos indica únicamente la apertura máxima y la focal fija: 50mm 1:1,4. Es decir, la apertura máxima de este objetivo es de f/1,4.

Entre los dos ejemplos, (el zoom y la óptica fija) el 50mm fijo es el objetivo más luminoso.

La profundidad de campo y la apertura de diafragma

Recuerdo cuando empecé en esto de la pasión fotográfica, que una de las cosas que más me fascinaba de una imagen eran los fondos desenfocados, la posibilidad de realzar una zona de la imagen sólo a través del foco. Evidentemente no tenía mucha idea de cómo se conseguía lo que para mí era un efecto casi mágico… Hasta que me hice con una Réflex y descubrí la apertura de diafragma y su relación con la profundidad de campo 

La apertura de diafragma está estrechamente relacionada con lo que conocemos como profundidad de campo, que no es más que la cantidad de zona enfocada en la imagen. A más apertura de diafragma (Valor f/ pequeño), menor es la profundidad de campo o zona enfocada en la imagen y, por el contrario, a menor apertura de diafragma (Valor f/ alto) mayor es la profundidad de campo o zona enfocada en la imagen.

En definitiva, las grandes aperturas no sólo te permitirán una mayor entrada de luz, si no que también podrás centrar la atención a través del desenfoque que proporciona. Por el contrario, si lo que quieres es mucha profundidad de campo o reducir la entrada de luz, deberás cerrar el diafragma.

A diafragmas más abiertos (F bajo) menor profundidad de campo

Diafragmas más cerrados (F altos) permiten mayor profundidad de campo, ideal para paisajes

¿Qué es la técnica fotográfica del barrido?

La idea básica detrás de la técnica es que “barres” o sigues con la cámara a lo largo del tiempo el sujeto en movimiento y operas el obturador mientras continuas siguiendo el movimiento del sujeto obteniendo como resultado un sujeto definido y en foco mientras que el resto del fondo de la imagen luce borrosa (barrida) dándole un sentido de movimiento y velocidad a la foto.

La técnica es particularmente útil al momento de sacar fotos de objetos en movimientos rápidos como carros de carreras, mascotas corriendo, ciclistas, motociclistas, corredores y corredores de patinetas entre otros.

Cómo usar la técnica de barrido

Ubicación: Mi experiencia ha sido que la utilización de la técnica de barrido trabaja mejor sobre objetos en movimientos que tienen una trayectoria relativamente recta y que sea una que puedas predecir. Deberás ubicarte a cierta distancia del sujeto y que su desplazamiento sea lo más perpendicular posible a tu cámara. Situaciones donde el sujeto se mueve hacia ti o alejándose de ti la técnica no trabaja bien.

Observa el fondo de tu encuadre. Fondos coloridos suelen distraer. Fondos de un solo color tienden a trabajar mejor.

Velocidad de obturación: Debe seleccionar una velocidad de obturación lenta. Te sugiero que comiences utilizando una velocidad de 1/30 segundos. Luego juega con velocidades aún más lentas si así lo deseas pero primero debes dominar la técnica a 1/30.

Si tu cámara tiene el modo operacional de velocidad prioritaria te sugiero uses este modo así podrás seleccionar la velocidad de obturación que deseas y la cámara seleccionará por ti la apertura adecuada para una exposición correcta.

Barrido: Según el sujeto se vaya aproximando deberás seguir su trayectoria con la cámara. Si tienes un trípode úsalo pues te ayudará a evitar el movimiento de arriba hacia abajo en especial si utilizas lentes pesados. Una vez el sujeto haya alcanzado la posición perpendicular a ti, dispara tu cámara y continua siguiendo el movimiento del sujeto.

Enfoque: Si tu cámara tiene enfoque automático continuo úsalo. Utilizando el enfoque automático continuo el objetivo o lente ajustará el enfoque según el sujeto se vaya moviendo en el encuadre. Utilizarlo te ayudará a que otra variable importante se ajuste de manera automática y tú podrás enfocarte a hacer un barrido exitoso.

Si las condiciones de luz no permiten que el enfoque automático trabaje bien o el enfoque automático de tu cámara es muy lento para seguir el sujeto en movimiento entonces utiliza la técnica de enfoque que explicaré a continuación.

Si tu cámara no tiene enfoque automático entonces deberás hacer un enfoque manual. Para hacerlo de forma correcta deberás pre enfocar en el punto donde la trayectoria del sujeto esta perpendicular a ti Este es el mismo punto donde disparas tu cámara cuando el sujeto pasa por él.

Ten en mente que durante el uso de esta técnica raramente el sujeto estará nítidamente enfocado. En la mayoría de los casos estará bien enfocado pero no tendrá una nitidez focal máxima.

Espero que la técnica que te he explicado en este artículo la practiques y la añadas a la lista de posibilidades que tienes a la hora de crear nuevas y mejores imágenes.

RUIDO O GRANO FOTOGRAFICO!

Una de las cosas qué mas suelen molestar de las imágenes digitales con sensibilidades altas es el ruido.  Es el peor aspecto de la fotografía digital y aunque cada día la tecnología va permitiendo reducirlo, en muchas cámaras y en determinadas circunstancias de luminosidad es demasiado pronunciado.

En principio no debería diferenciarse del grano que se produce en la fotografía analógica o química. Pero lo cierto es que ese grano de las películas es menos molesto. Es más, es uno de los rasgos diferenciadores y el resultado que le confiere es interesante, por esa atmósfera y textura, llegando a ser utilizado como recurso artístico. Lo que es un “defecto” intrínseco al proceso químico de la película fotosensible se convirtió en un valor añadido.


Debo decir que soy de las que gustan de ese efecto,  fotografías que tienen “grano” y quizás sea porque vengo de la fotografía analógica. Hoy día es fácil encontrar gran rechazo al grano entre los fotógrafos actuales, que se han iniciado en la era digital. Por ello, y para que cada uno valore en su justa medida ese efecto, paso a indicar algunos consejos para reducirlo y otros para añadirlo en el edición digital.

Para evitar el ruido es aconsejable:

• Utilizar la sensibilidad más baja posible. Un valor ISO de 100 evita su aparición en la mayor parte de las ocasiones.
• Ojo con la temperatura. Hay que evitar el sobrecalentamiento de la cámara. Cuanto más calor hace en el ambiente o más grados trabaja la máquina, el ruido aumenta considerablemente.
• Bajando la resolución se logra reducir el nivel de ruido, sobre todo si tenemos que aumentar la sensibilidad.
• En el procesado posterior de la imágenes podemos utilizar varios métodos para reducirlo. Uno habitual es aplicar un ligero desenfoque selectivo en las zonas más oscuras que tendrán más ruido.
• Otra forma es aplicar (en Photoshop) el filtro Blur en el canal del azul, que es el que suele presentar más ruido.
• Para los más sibaritas en el tema, existe software avanzado para tratar el ruido en las imágenes digitales. Uno de ellos es AKVIS Noise Buster. Acaba de sacar la versión 5 y también está disponible como plug-in para Photoshop (Mac y Windows), por un precio de 39 euros y en español.
• PARA AÑADIR RUIDO

• Utilizar sensibilidades altas en los últimos modelos de cámaras con sensores avanzados. Cada vez más, el ruido se va pareciendo más al grano de las películas fotosensibles.
• El método más conocido, en la edición posterior, es el filtro Añadir Ruido de Photoshop. Es configurable y utilizado con moderación puede resultar aceptable en muchos casos.
• Otra opción con un efecto más natural es el siguiente: en una capa nueva, rellenar de Gris al 50% en modo Superponer, añadir el filtro de Ruido en un porcentaje alto, aplicar Desenfoque Gaussiano (con un radio bajo). Estos pasos se pueden repetir para experimentar. Y, por último, podemos reducir la Opacidad de esta capa hasta lograr el resultado que más nos guste. Funciona mejor con imágenes en blanco y negro o monocromáticas.

COMO FOTOGRAFIAR LA LUNA

LA MEDICIÓN

Midamos como midamos, la cámara pocas veces nos dará una lectura correcta. Piensa que la luna es un objeto muy brillante rodeada de un área completamente negra. Esto suele confundir al fotómetro. Facilitará mucho la cuestión pensar que la luna es un satélite de la Tierra visible gracias a la luz que recibe del sol. Por lo que estamos fotografiando un objeto, muy distante, eso sí, que está siendo iluminado por el sol. Lo mismo que si hacemos una foto a cualquier otro objeto al aire libre durante el día. Aunque la fotografiemos siendo de noche.

LA EXPOSICIÓN

Un buen punto de partida es intentar capturarla con un cielo despejado usando parámetros similares a los que utilizaríamos fotografiando un objeto iluminado por el sol. ISO100, 1/125 y f8 no suele fallar. Aún así es recomendable ajustar la velocidad de disparo en función de las circunstancias. Unas condiciones climatológicas adversas o las diferentes fases de la luna obligarán a variar estos parámetros. Pero si partes de esa base, casi siempre las correcciones serán mínimas.

EL TAMAÑO DE LA LUNA EN EL CUADRO

Para este tipo de fotografía es recomendable un teleobjetivo. Usar una lente angular normal convertiría a la luna en una manchita en tu foto. Por lo que necesitarás una lente de, como mínimo, unos 300 mm para llenar el cuadro y darle protagonismo.

Pocos son los afortunados que tienen lentes que pasen de los 300 mm. Así que si eres de esa vasta mayoría que no las tiene, deberás ingeniártelas para salir del paso. Una opción es disparar a la máxima calidad que dé tu cámara, te permitirá hacer posteriormente recortes que logren hacer que la luna llene el cuadro.

CONCLUSIONES

Otra recomendación es disparar en RAW para poder ajustar la exposición si hemos sobre o subexpuesto, pues en ambos casos, le estaríamos restando definición a nuestra luna y la foto sería una entre un millón, y queremos que la nuestra sea la mejor foto de la luna!