Navidad en el arte

Queridos Amigos,  hemos encontrado este  video que resume las obras más bellas y más representativas de la Navidad, en la historia del Arte. Realmente nos encantó y nos pareció apropiado para destacar esta fecha donde, más allá de nuestra creencias religiosas, el espíritu navideño inspira desde siempre a los amantes del arte.

¡¡'Esperamos lo disfruten!!

Con mucho afecto.

Isa Santoro

Laura Jakulis

Tesi salado

Luisiana Ayriwa

Pinturas Célebres : Las Meninas - Diego Velázquez

 

Las meninas

1656. Diego Velázquez

Óleo sobre lienzo, 320,5 x 281,5 cm

Es una de las obras de mayor tamaño de Velázquez y en la que puso un mayor empeño para crear una composición a la vez compleja y creíble, que transmitiera la sensación de vida y realidad, y al mismo tiempo encerrara una densa red de significados.

La infanta - Detalle

Esa riqueza y variedad de contenidos, así como la complejidad de su composición y la variedad de las acciones que representa, hacen que Las Meninas sea un retrato en el que su autor utiliza estrategias de representación y persigue unos objetivos que desbordan los habituales en ese género y lo acercan a la pintura de historia.

El Autor de la obra- Detalle.

Los personajes habitan un espacio modelado no sólo mediante las leyes de la perspectiva científica sino también de la perspectiva aérea, en cuya definición representa un papel importante la multiplicación de las fuentes de luz.

Los Reyes de España en un reflejo - Detalle

Las Meninas tiene un significado inmediato accesible a cualquier espectador. Es un retrato de grupo realizado en un espacio concreto y protagonizado por personajes identificables que llevan a cabo acciones comprensibles. 

Las Meninas en el Museo del Prado- Madrid 

Segmento de Arte: Pintura 

Trabajo de investigación, edición y presentación:

Tesi Salado.

Administradora de Atrapados por la Imagen.

Pinturas famosas y su historia - Video

Queridos Amigos de Atrapados por la Imagen.: encontré este bello video con las pinturas famosas del mundo y me pareció hermoso compartirlo con ustedes. -

Sin duda la pintura y la fotografía se encuentran muy relacionadas, que no podemos permanecer ajenos a ella. 
De cierta manera la pintura fue precursora de la fotografía a través de los siglos.

 Que mejor que ver ejemplos de extraordinarias obras, explicadas de modo simple y con un resumen informativo de su historia. 

Espero lo disfruten.

 

Segmento de Arte 

Trabajo de investigación, edición y presentación:

Tesi Salado.

Administradora de Atrapados por la Imagen.

Salvador Dalí: La Persistencia de la Memoria

La persistencia de la memoria es un cuadro del pintor surrealista Salvador Dalí, que fue ejecutado en el año 1931 en menos de cinco horas. La obra tiene unas dimensiones pequeñas de 24 x 33 cm.

 Mientras estaba solo en casa, el artista pintó el que sería uno de los cuadros más famosos de la historia del arte. En efecto, la obra se exhibe en el Museo de Arte Moderno (MoMa) de Nueva York desde 1934.

El surrealismo es una escuela artística que nace de la literatura y que pregona una gran libertad creativa. 

Una de las salidas encontradas por la vanguardia fue descontextualizar los objetos, deformarlos y buscar nuevos modos de representación. Este recurso específico, además de constituir un aporte creativo estéticamente hablando, promovió la reflexión sobre las cosas que pasan desapercibidas cotidianamente.

Los  relojes pueden reconocerse sin problema, pero al estar desposeídos de su forma y uso convencionales provocan extrañeza en el espectador, de la que deriva la reflexión sobre el propio objeto y su función.

Los  objetos que más sobresalen en su pintura están colocados como objetos derretidos. El tiempo es, entonces, la representación de aquello que vive y siente y que con el paso del tiempo, va desapareciendo, se derrite, se deshace.

Segmento de Arte 

Trabajo de investigación, edición y presentación:

Tesi Salado.

Administradora de Atrapados por la Imagen.

Segmento de Arte de los Domingos: La Gioconda : Leonardo da Vinci

La Gioconda- Leonardo da Vinci 

La Gioconda o Mona Lisa es uno de los retratos más emblemáticos de la historia de la pintura. Pintado por Leonardo Da Vinci en el siglo XVI, .Se exhibe  en el Museo del Louvre.

Leonardo da Vinci fue un artista  del Renacimiento italiano. Fue a la vez pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo, ​ artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista.

La técnica de composición de la Gioconda hace que ésta sea una de las obras más estudiadas de la historia del arte y por los artistas aprendices. 

Desde el punto de vista de la composición, la Mona Lisa es un retrato de medio cuerpo, o de tres cuartos, sobre un paisaje que se divide en dos atmósferas, una más fría  y otra más cálida con colores terrosos.

   El paisaje en segundo plano está pintado con una perspectiva aérea. El azul humoso y la perspectiva poco clara y difusa da a la composición una mayor profundidad.

La postura de la Mona Lisa indica serenidad y, junto con la mirada de soslayo, pero directa hacia el espectador. 

El cuadro La Gioconda está realizado en pintura al óleo sobre madera. Leonardo da Vinci aplicó en él la técnica del sfumato. Éste consiste en superponer varias capas de pintura delicadas para suavizar o diluir los contornos de la figura y lograr la sensación de naturalidad y volumen, lo que permite percibir que las figuras se integran al resto de la composición.

La expresión de la mujer en el cuadro es enigmática o ambigua. 

La explicación sobre el misterio de la sonrisa y la mirada de la Mona Lisa deriva precisamente de la técnica del sfumato y la naturaleza de la visión humana.

"LA LECHERA" Johannes Vermeer

La lechera

  Johannes Vermeer

La lechera es uno de los cuadros más famosos del artista holandés Johannes Vermeer, se trata de un óleo sobre lienzo de reducidas dimensiones, custodiado en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Wikipedia

Se trata de una escena costumbrista, una de las especialidades de Vermeer, aunque en realidad la obra tiene una significación mucho más profunda de lo que pudiera parecer. Durante el Barroco holandés fue común utilizar la figura femenina para realizar una crítica velada de los vicios de la sociedad de la época y sin embargo en esta ocasión el artista utiliza a la lechera como un derroche de virtudes y ejemplo a seguir. Además el artista revaloriza la profesión del sirviente que tan duras críticas había recibido durante esta época.

La escena se caracteriza por su limpieza y sencillez compositiva: la mujer que podría tratarse de una criada se sitúa en una esquina de la habitación bajo la ventana, está vertiendo una jarra de leche en un cuenco apoyado en la mesa donde encontramos un espléndido bodegón formado por unos bollos de pan, una cesta de mimbre y una espléndida jarra azulada. 

En esta obra el holandés consigue aunar con gran maestría la austeridad y sencillez con la belleza de una escena intimista. Sin utilizar demasiados elementos –pero cuidando al máximo el detallismo en los objetos que aparecen- Vermeer plasma un ambiente de sosiego y tranquilidad que se escapa de los límites del tiempo.

El nacimiento de Venus : de Sandro Botticelli

El nacimiento de Venus

 Sandro Botticelli

Descripción:  
El nacimiento de Venus es una pintura realizada por el pintor renacentista Sandro Botticelli, una de las obras cumbre del maestro florentino y del Quattrocento italiano. 
Está ejecutado al temple sobre lienzo y mide 278,5 cm de ancho por 172,5 cm de alto. 
Ubicación: Galería degli Uffizi
Fecha de creación: 1485–1486
Material: Pintura al temple
Períodos: Renacimiento, Renacimiento italiano, Escuela Florentina, Primer Renacimiento
Wikipedia



El mito del nacimiento de Venus
Cuenta que Saturno (Cronos), dios del tiempo, desgarra y lanza los genitales de su padre Caelos (Urano), lo que fertiliza el mar. El roce de la espuma engendra a Venus que, con la ayuda del viento, es transportada hasta las orillas de la isla de Chipre en una concha marina. 
Allí, es llevada por ‘las Horas’ al lugar de los ‘Inmortales’.

Los personajes que aparecen en el lienzo El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli son Venus, Céfiro, Cloris y la alegoría de las Horas.

Interesado apenas en brindar un contexto a la escena, el paisaje de fondo no ha sido trabajado al detalle lo que  obliga al espectador a centrar su mirada sobre los personajes.

Con ello, el artista logra, en efecto, crear un modelo de belleza que acompañará a la humanidad hasta nuestros días. 

El Nacimiento de Venus de Botticelli es, de alguna forma, el nacimiento de una idea de feminidad dentro del arte renacentista.


Dentro de la iconografía del arte, la concha marina sobre la que Venus se sostiene en el lienzo es un símbolo de la fertilidad femenina. En el caso de este cuadro, como algo muy propio del Renacimiento, la concha es también el símbolo del renacer personal que trae consigo la virtud.

William Turner , el pintor de la luz

Lluvia,, vapor y velocidad. William Turner 

Amigos de Atrapados  por la Imagen en nuestro segmento de los domingos dedicados a obras arte famosas hoy presentamos a :

William Turner y su obra 

 "Lluvia, Vapor y velocidad". 

Joseph  William Turner, pintor inglés especializado en paisajes. Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia.​ Wikipedia

Esta obra  obra más emblemática, Lluvia, vapor y velocidad (1844),  de William Turner recrea una locomotora en una perspectiva atmosférica difusa y empastada, en la que la luz desmaterializa las formas y sólo las líneas rectas indican de qué se trata. Turner simula la velocidad del tren como si estuviese en movimiento y fuese a salir del lienzo. Además, agrega el detalle figurativo de una barca, dando un contraste vertiginoso que alcanza una turbadora y placentera dualidad. A la izquierda, calma, y, a la derecha, fugacidad.

Las Flores en el Arte

Paul Cezanne 

Las Flores en el Arte.

"El arte es el esfuerzo incesante por competir con la belleza de las flores...Sin triunfar jamás."

                                                      Marc Chagall
                     

Henry Matisse 

A través de los tiempos el tema de las flores y plantas ha sido tratado por diferentes artistas, ya sea por pintores, grabadores, escultores y en la modernidad también por fotógrafos.

Diego Rivera 

Aunque pueda parecer un tema trillado sin embargo puede ser tratado de infinitas maneras.
Así una flor para un artista puede ser dramática, violenta, fría, inquietante, amenazadora, y también trasmitir delicadeza, fragilidad , sensualidad y belleza.

Alberto Durero

Así vemos pinturas  de delicadas flores y plantas de la mano de Alberto  Dudero  .

O . Keeffe 

Flores  gigantescas y sensuales de O`Keeffe. 

O sutiles acuarelas orientales .













La humildad de los lirios y  girasoles 
de Van Gogh.

Pablo Picasso

La delicadeza de los ramos de flores de Picasso 

Andy Warhol

El Grito

El grito

El grito es el título de cuatro cuadros del noruego Edvard Munch. La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1893.​ Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que la cuarta versión pertenece a una colección particular. 

El grito presenta a una figura andrógina en primer plano con un gesto de angustia que transmite gran expresividad y fuerza psicológica.

En el fondo, se pueden apreciar dos figuras con sombrero que parecen ajenas a lo que ocurre con la figura principal.


Las formas se retuercen y los colores están dispuestos de una manera arbitraria. 

Antes que trasponer la realidad, los colores buscan expresar un sentimiento de angustia y desesperación, más vivamente reflejada en la figura de primer plano, en la intensidad de su gesto de tribulación y espanto.