Blanco y negro versus color un debate más que actual!!!

He aquí un claro exponente de lo absurdo que resulta discutir de algo que, en último término, es una pura cuestión de gustos o preferencias personales. Y es que aunque algunos sigan pensando que basta con quitarle el color a una fotografía para que esta parezca más artística o transmita un mensaje más profundo, lo cierto es que este es un tópico ampliamente superado desde hace décadas.

Vos que opinas???

¿SOY O NO SOY FOTÓGRAFO?

Cuántas veces nos ha pasado que al preguntarnos esto nos quedamos callados, sin saber bien qué responder! o al menos es lo que ocurre a mi desde que me enamoré de la fotografía, esa duda tan delicada sobre si auto denominarnos fotógrafos o no. ¿Qué respondemos cuando alguien nos formula esta pregunta?

Es por esto que me gustaría abrir un pequeño debate sobre esta idea. En muchos casos nos creemos fotógrafos pero, por humildad o por no ser profesionales – entendiendo como tales a quienes se ganan la vida con ello – no nos presentamos como tales antes los demás; en otros casos, no lo hacemos simplemente porque no nos lo creemos y preferimos etiquetarnos como aficionados o aprendices; y menos habitualmente, también se da el caso de que nos creemos fotógrafos únicamente por habernos comprado una cámara. Pero, ¿hasta qué punto tiene sentido cada una de estas formas de pensar?



Podríamos ir más allá, y hacernos también la pregunta sobre si somos artistas o no, cuestión sobre la que muchos grandes fotógrafos de la historia – como Atget – no tuvieron ningún reparo en declarar que no eran artistas sino simplemente fotógrafos, pero me parece que ese tema daría para hablar mucho más así que lo dejaremos para otra ocasión.

 Fuí corriendo al diccionario: "fotógrafo es aquel que hace fotografías." De esa manera, estaríamos ahora mismo ante un escenario en el que casi todo el mundo hace fotografías, esto los hace fotografos?

Según mi criterio creo que el sacar fotos a todo lo que vemos y subirlas al facebook no es suficiente para ser fotógrafos!

Tampoco creo que sea una cuestión de tecnología, tamaño o precio de la cámara que poseemos, sino del uso que hacemos del material fotográfico del que disponemos, sea humilde y escaso o por el contrario toda una colección de elementos de gama profesional.

sí que creo que la habilidad (estudio, entrenamiento y esfuerzo)  juegan un papel muy importante, casi diría decisivo!, que para ser fotógrafos hay que saber lo que se hace, igual que un pintor tiene que saber lo que hace para poder lograr algo.

Una parte importante de los grandes fotógrafos históricos no eran ni siquiera profesionales del medio, sino “simples aficionados” o a lo mejor personas obsesionadas con registrar, documentar o inmortalizar algo: una persona, un lugar, la vida de alguien o en un sitio, acontecimientos, etc. Por tanto, tampoco podemos decir que la profesionalización sea lo que decide quién es fotógrafo y quién no. Es más, yo diría que no tiene absolutamente nada que ver, pues teniendo en cuenta que no sólo existe la fotografía útil – la que tiene una utilidad práctica, de encargo – sino también la personal y artística, no tendría sentido reservar el término únicamente a aquellos cuyo oficio sea hacer fotografías.


Y vos sos Fotógrafo??? te animas a contestar?

FOTOS TRUCADAS PARA ILUSTRAR UNA MENTIRA

Siguiendo con el tema anterior y el descubrir de los trucos fotográficos, tanto para embellecer una obra como para engañar a una sociedad entera!

Las fotografías de la Revista Gente, fueron trucadas por un fotógrafo de dicho medio y esto lo manifestó en un ejemplar de la Revista Fotomundo (de fotografía). El autor dijo que los militares le pedían que hiciera eso y él puso imágenes de nuestros soldados tomadas en Campo de Mayo, y luego le añadió humo, niebla y efectos de bombas, para aumentar el dramatismo de las imágenes (las fotos son las de la Revista Gente que adjuntamos en esta nota). En el 82, no se usaba el photoshop y la gente común poco sabía que las fotografías podían trucarse a través de procesos en laboratorio.

Estas últimas fueron realizadas en la mesa de estudio perteneciente al fotografo, con materiales

que enviaban los militares indicando el resultado final!

Iconen: admiración, sorpresa... y... ¿tal vez decepción?

Jojakim Cortis y Adrian Sonderegger, y su curioso proyecto que dicen, “comenzó como una broma”.

Radicados en Adliswil, Suiza, en su tiempo libre, y como no lograban ganar dinero con su profesión decidieron recrear las fotografías más caras del mundo. Comenzaron su proyecto  en el 2012.  La primera imagen recreada utilizó un paisaje de Andreas Gursky, Rhein II (*), sin presencia de personas, mientras tanto coleccionaban las fotografías que más se han plasmado en el consciente colectivo, el desastre aéreo de Hindenburg, el ataque del 11/09  del World Trade Center, y el naufragio del Titanic, para citar algunos.

Meticulosamente recrearon cada escena con miniaturas utilizando papel, bolas de algodón, plástico, y mucho tiempo. Algunos trabajos llevaron pocos días, otros semanas. Las series fueron tituladas Iconen, porque son imágenes reconocibles para los fotógrafos y para el observador casual. La mayoría de los espectadores las contemplan con cierta solemne reverencia, aunque algunas de estas obras tienen un innegable sentido de  extravagancia y cierto toque poético, como el caso del monstruo del Lago Ness o las marcas de las pisadas de Buzz Aldrin sobre el polvo lunar (Apolo 11, 20 de junio de 1969).

Para la escena de la Plaza Tiananmen, por ejemplo, compraron siete modelos de tanques y pasaron una semana armándolos. En sus palabras “construir un tanque es divertido, el segundo está todo bien, pero el tercero ya no es diversión.” Después del cuarto optaron por duplicar los últimos tres con una post-producción visual.

Las imágenes finales de las series permiten vislumbrar el escenario del estudio y los materiales utilizados, desde un rollo de cinta adhesiva, pegamento, varillas, papel, tijeras, plásticos y cualquier elemento, el espectador desprevenido se encuentra con escenas inesperadas cuando creía estar viendo fotografías de una realidad y termina con el impacto fotográfico de otra que nada tiene que ver con los hechos reales que una vez se fotografiaron.

En conclusión, una “charada” fotográfica muy bien lograda que admira a muchos pero enoja a otros.

(*) Rhein II es una obra artística basada en fotografía hecha por el artista visual alemán Andreas Gursky in 1999. En el año 2011 se subastó una copia impresa de la misma por el valor de 4,3 millones de dólares estadounidenses, convirtiéndola en la más costosa fotografía vendida en la historia hasta ese momento. El autor la produjo como la segunda (y más grande) de un grupo de seis imágenes dedicadas al Rin. En la imagen, el río corre de forma horizontal a través del paisaje, entre campos verdes, bajo un cielo nublado. Algunos detalles superfluos en la fotografía original, como paseadores de perros y una construcción industrial fueron suprimidos digitalmente por el artista. Para justificar la manipulación Gursky dijo: "Paradójicamente, esta vista del Rin no puede ser lograda desde ese sitio, se requería una construcción ficticia para proveer una imagen precisa de un río moderno". Gursky produjo una impresión cromogénica muy grande de su obra, la montó entre capas de acrílico y luego la enmarcó. La imagen mide 190 x 360 cm, mientras que con el marco completo mide 210 x 380 cm.

La web que roba y vende tus fotos

, WallPart 

La web que roba y vende tus fotos

La página, que presume de ser la mayor tienda de pósteres del mundo, atrae a fotógrafos y creativos indignados para infectar sus ordenadores con malware

Lejos de disponer de su propio repertorio fotográfico, WallPart busca y ofrece cualquier imagen que pueda encontrar en Internet, como esta ilustración sacada de un artículo de Quesabesde.

ROGAMOS NO ENTRAR A ESTE SITIO DADO EL ALTO CONTENIDO DE VIRUS, MUCHAS GRACIAS

Reflexiones sobre fotografia y fotógrafos - Invitación

Hoy los invito "Atrapados"

Los invito y los animo a que  compartan pensamientos y reflexiones. No se preocupen por como nos cuentan lo que sienten y como piensan, lo que importa son los sentimientos y emociones que nos sostienen en esta pasión que es la fotografía. Y voy a dar el puntapié inicial... aqui van mis primeras reflexiones....

Hay fotógrafos que nacen, pero la mayoría se hacen. Es esencial aprender día tras día. Hay que ver exposiciones, ver lo que los demás hacen, encontrar inspiración en los trabajos de los grandes y a veces... en los trabajos de los apasionados como nosotros.

El turista - Mercado de Rotterdam

Los libros son grandes maestros y compañeros, en ellos está todo. Algunos libros califican como “libros de cabecera.” Hay que leer. Hay que ver, y  una estrategia fundamental: hay que ir con la cámara siempre preparada por lo pudiera ocurrir. 

El fotógrafo es quien, además de disfrutar con este mundo, hace una buena fotografía. Todavía no se ha inventado la cámara que haga buenas fotos sin ayuda. El fotógrafo debe saber qué es lo que quiere fotografiar.

Robert Capa

“Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es que no estabas lo suficientemente cerca”

Robert Capa, uno de los grandes, acuñó esta frase que quizás sea una de las más repetidas del mundo de la fotografía. Para los que fuimos atrapados por la pasión fotográfica tiene varias interpretaciones para tener en cuenta. Pero antes, veamos quien fue Capa y algunas facetas de su vida.

Ernö Andrei Friedmann (nacido en Budapest, Hungría, en 1913 y fallecido en Thai Binh, Vietnam, en 1954) más conocido como Robert Capa, es considerado el más famoso corresponsal gráfico de guerra del siglo XX.

Nació en el seno de una pudiente familia judía. Su madre era diseñadora de modas y su padre un intelectual con toques aristocráticos. Cuando su familia sufrió la pérdida de su situación acomodada debido a la depresión económica de 1929 vivió su adolescencia vagando por la ciudad y conoce a  Eva Besnyo, lo que produce  su primer contacto con la fotografía.

Con diecisiete años y esperando terminar su vida escolar, conoce a Lajos Kassak, quien se dedicaba a ayudar a  artistas con corrientes constructivistas y dio a conocer la fotografía como un objeto social, mostrando las injusticias del sistema capitalista y presentando trabajos de Jacob Riis y Lewis Hine  en sus seminarios.

Exiliado de la Hungría fascista en 1931 por su relación con grupos de tendencia izquierdista, Friedman, después conocido y célebre como Robert Capa,  estudió periodismo en Alemania y trabajó para la agencia Dephot. Viajó a París, donde conoce al fotógrafo David Seymour  quien le consigue un trabajo como reportero gráfico en la revista Regards para cubrir las movilizaciones del Frente Popular.

En 1936, junto con su compañera Gerda Taro, inventó la figura de Robert Capa, fascinante periodista estadounidense, y con ese seudónimo presentó la primera exposición de sus trabajos, que alcanzaron precios descomunales y  aunque la ficción no tardó en ser descubierta, decidió conservar ese nombre.

Elliot Erwitt

Nacido en París en 1928 vivió en Francia e Italia hasta que la Segunda Guerra Mundial le obligó a trasladarse junto a su familia a Estados Unidos. A fines de los 40 comenzó en el mundo de la fotografía gracias a un estudio ubicado en Hollywood, donde conoció a otros fotógrafos como Robert Capa y Edward Steichen. Dicha amistad hizo que fuera invitado a formar parte de la Agencia Magnum, pero su historial fotográfico fue el que hizo que años más tarde fuera el presidente de la agencia.

Fue un fotógrafo que impregnaba las instantáneas que captaba en la calle con una dosis de humor inteligente, algo que después fue trasladado a sus trabajos  donde desplegó toda su capacidad creadora ofreciendo al observador la posibilidad de no quedarse sólo con la ilustración visual, sino a acceder a otros estratos que convierten a las imágenes, en ocasiones, en pequeñas historias cargadas de ironía.

El propio Erwitt reconoció en más de una ocasión,  no tener ideas preconcebidas de lo que iba a fotografiar, que fotografiaba lo que pasaba delante de él. Su propia forma de ser, de ver y  capturar situaciones y un ojo especial para encontrar humor en las estampas callejeras. Lo que hizo característico su modo de titular sus fotografías con el lugar y la fecha en que fueron tomadas, dejándole al observador la decisión de interpretar, sin otros elementos más que la propia imagen. 

Podría describirse a Elliott Erwitt como un fotógrafo que impregna dosis de humor inteligente a las instantáneas que capta en la calle, algo que después ha sabido trasladar a sus trabajos por encargo.

Se convirtió en un grande de la historia de la fotografía. Un fotógrafo que nos abre la mente hacia otras formas de entender la fotografía, más allá de la imagen bien compuesta.

Su fotografía es un referente para todos los fotógrafos, independientemente del género al cual se dediquen, sólo hay que ver cómo en su dilatada carrera, todos los géneros que practicaba conservan ese sello inconfundible que permite reconocer la importancia de ser fiel con uno mismo.

Hablemos de plagio....

Continuando con la propuesta de nuestro amigo Hugo Carballo intentamos internarnos un poco más en un tema difícil y que se presta a muchas interpretaciones.

El término plagio se define en el Diccionario de la lengua española de la Real Academia Española como la acción de «copiar en lo sustancial obras ajenas, dándolas como propias». Desde el punto de vista legal es una infracción al derecho de autor acerca de una obra artística o intelectual de cualquier tipo, en la que se incurre cuando se presenta una obra ajena como propia u original.

Así pues, una persona comete plagio si copia o imita algo que no le pertenece y se hace pasar por el autor sin su autorización. En el caso de documentos escritos, por ejemplo, se tipifica este delito cuando, sin uso de comillas o sin indicar explícitamente el origen, ni citar la fuente original de la información, se incluye una idea, un párrafo, una frase ajena o la obra completa.

Esto constituye específicamente una violación a la paternidad de la obra, considerada dentro del marco de los derechos morales.

El plagio de fotografías por otra parte se multiplica a una gran velocidad por diversos motivos; tal vez el más importante sea la sensación de que “todo está inventado” que persigue a los artistas y profesionales de varias disciplinas. Sea en el mundo de la música como en la literatura hay fragmentos de libros y canciones que son muy similares a otros, pero es muy difícil definir cuáles son plagio y cuáles no. En la fotografía no podía ser menos y a través de Petapíxel  la autora de la nota sobre la que nos basamos para esta información (ver fuentes al pie de la página) menciona un caso bastante curioso.

FOTO GENERA POLEMICA

Nueva censura en Facebook! FUENTE: Clarin.com

"Después de haber sido vista en todo el mundo por casi 15 millones de personas y de ser presentada en cientos de medios de comunicación, Facebook ha tomado hoy la decisión de eliminar mi foto. Estoy en realidad bastante sorprendida, después de la cantidad de cosas crueles que vi por aquí". Lo acaba de publicar en su cuenta de la red social Helen Aller, la fotógrafa que la semana pasada compartió la foto de su amiga y desató el torbellino. En solo siete días, la imagen de la cesárea reunió más de trece millones de visitas y cerca de 20.000 comentarios, lo que la conviertió en un fenómeno viral.

"Fue eliminada sin ninguna explicación. Aquellas personas que no les gusta la imagen, solo tómense un instante para considerar a las miles de personas alrededor del mundo que esta foto ha ayudado. Solo necesitan leer los comentarios para saberlo. Así que, en lugar de ofenderse, por favor dejen que otra persona tenga un poco de paz y alegría por algo. ¡Hay muy poco de eso en el mundo en estos días!", continúa Aller. En la polémica foto, el bebé descansa sobre las piernas de su madre. Acaba de llegar al mundo y la mujer todavía arrastra las señales de un parto reciente. Pubis rasurado y una herida horizontal en el vientre. Le practicaron una cesárea de urgencia. "Ella deseaba dar a luz de la forma más natural posible, pero el nacimiento se complicó y los médicos tuvieron que intervenir", relató su autora desde el Reino Unido.

la autora debería haberla publicado de esta forma?  

a quien ofende?

Pensando el Arte

Queridos fotógrafos: 

Alfred Stieglitz

Quiero saludarlos en vuestro día y aprovechar la ocasión para darles una mirada diferente, una que proviene del pensamiento sistemático. Cuando Bertold Brecht sentenció que “después de Auswichtz ya no es posible el Arte”, refiriéndose al modo en que la música de Mozart acompañaba las marchas a las cámaras de gas, un grupo de pensadores conocidos como la Escuela de Francfort propuso otra concepción del Arte (o de las artes). Sostenían que arte es sólo aquél que transcurre, el que se está realizando, mientras que las obras previas pasan a ser “bienes de la cultura”.   Consecuentemente, la gran mayoría de los elaboradores de arte, preocupados en reafirmar los valores estéticos provenientes de la Historia del Arte serían así una suerte de guardianes de la cultura, en tanto que artistas serían los que proponen lo nuevo, lo diferente. Lo que rompe con todo lo establecido. No asignaban a esta teoría de vanguardias un nacimiento en el siglo XX sino que la examinaban a lo largo de la historia: Miguel Angel, treinta años después de haber consolidado el clasicismo renacentista en la Capilla Sixtina, rompe abruptamente con todo y su “Juicio Final” inaugura el Manierismo. En la mencionada tesitura, los de Francfort sostuvieron que el arte de las vanguardias (el único, para ellos) ya no se ocupa de la “belleza” como cuestión central. (“El grito” del noruego Edward Munch, una de las obras mayores del siglo XX es un ejemplo de lo que afirmaban). En su lugar, apunta a búsquedas más complicadas, más comprometedoras, que tienen que ver con el ahora – aquí, y el proceso sigue un mecanismo de superación de formas y contenidos (aufheben, en la filosofía alemana) según el cual las expresiones del arte previo se “superan” pero incorporando sus logros. El expresionismo rompe y niega al impresionismo, pero adopta algunos de sus hallazgos.

Complicado, el asunto. Cada artista tiene su temperamento, sus inquietudes y su problemática, que lo hacen ubicarse en algún lugar de la escala estética. Algunos de ellos se ubicarán, para bien o para mal en la vanguardia, aceptando sus riesgos, que no son pocos.  Y la discusión continúa, ya que proviene de tan lejos como se advierte ya en Platón, que proponía prohibir la Poesía por ser peligrosa para la convivencia social….

 Oscar Zaitch

¿Se miente con imágenes?

El Rincón de los Debates

La imagen le gana a la palabra, es el medio que predomina en el arte de comunicar. La palabra, tanto oral como escrita, ha perdido credibilidad por una supuesta historia de mentiras y confusión. “Lo dice la tele” es prueba irrefutable de que algo ocurre. Los políticos proponen su imagen, les está vedado debatir. Y la gente no lee. Está de absoluta moda la frase “Una imagen dice más que mil palabras…” por lo que la publicidad no dice, sino que muestra.

Si todo anduviera bien en este planeta, pues habría que reconocer la contundencia de lo anterior. Pero entonces… ¿no estaremos mirando todo demasiado por encima? En un lugar que podemos apostar no es el mejor de la galaxia, hasta cabe preguntarse ¿acaso no se miente con las imágenes? Se me ocurren muchas respuestas, pero me falta la de los especialistas en crear imágenes, quisiera saber qué piensan.

Pero no para discutir si la veracidad es algo técnico, si se pueden usar o no medios de transformación de la imagen. Yo no soy fotógrafo, de modo que acepto una foto cualquiera haya sido el modo en que se me presenta. Lo que me pregunto es si con esa foto me están mintiendo o no. Y si es así, si esa mentira es de la misma calidad que la que me ofrece un texto.  Me preocupa que si no hubiera diferencia, el predominio de la imagen debe tener alguna otra causa…

Oscar Zaitch

¿Qué hace que una foto sea una Gran Foto...?

Emoción y Sentimientos

“El fotógrafo no puede ser un espectador pasivo, no puede ser realmente lúcido si no está implicado en el acontecimiento.” Henri Cartier-Bresson

Hamburgo, Alemania - El letrero dice: 22% buscando cualquier tipo de trabajo (1952-1953)

Miles de veces hemos leído y escuchado que la fotografía es luz. De hecho de lo que se trata es ‘escribir con luz’. Por lo que los fotógrafos, profesionales y aficionados le dan tanta importancia al tema. Vale decir entonces que es esencial conocer y manejar la luz, las técnicas  la composición entre otras variables. La pregunta que podemos hacernos a continuación entonces es qué hace que una fotografía sea una “gran fotografía”,  ¿hay algo más que una correcta utilización de todas las técnicas? ¿Por qué algunas imágenes nos movilizan, nos conmueven y ante otras somos indiferentes? Es altamente probable que al analizar una fotografía podremos estimar que es correcta, que es bella, pero algo nos falta.

Una respuesta es que más allá de aceptar que hay imágenes que resultan agradables y correctas, respecto a las que no hay nada que objetar, hay otras que nos sacuden, nos atrapan, y esto suele suceder cuando nos provocan sensaciones, sentimientos e incluso nos emocionan.  

Esas son las grandes fotografías, aquellas en las que el autor, o autora, nos hizo vislumbrar algo, una chispa que hizo la diferencia; tal vez lo logró de manera consciente, o lo registró su inconsciente que hizo que obturara de un modo efectivo, tal vez el “ojo mental del fotógrafo” atrapó esa señal que hace que una foto sea una gran foto. Volviendo a Roland Barthes, tal vez es porqué encontramos el “punctum” en unas, no en otras.

Lograr sensaciones y/o sentimientos tiene que ver mucho  más que con tomar una fotografía de alguien con la mirada perdida, con un contexto determinado y previsto, o una sonrisa alegre. Si fotografiamos una persona sonriendo es lo que probablemente lograremos, la imagen de una sonrisa… pero transmitir la felicidad del protagonista es otra historia. Y para lograr, a veces, estos efectos es aconsejable tener en cuenta algunos factores:

Hablemos de títulos....

Escuchar que las buenas fotos no necesitan descripción (ni título), es muy usual, hay muchos

fotógrafos que opinan que la propia imagen es la que nos dice lo que necesitamos saber. Queda abierta a cada observador la forma de interpretarla y entenderla. Este es un tema en el que ya hubo disenso en este blog, entre la Administradora Laura Jakulis, y quien escribe. Pero es razonable, puedo reconocerlo, que en ocasiones hay que considerar el poder de un buen pie de foto, o un título.

En fotoperiodismo es básico,  así como en el reportaje y la fotografía documental, en estos casos el pie de foto es un complemento necesario para la narración visual de las imágenes. Sin embargo, cuando se trata de imágenes que no entran en estas clasificaciones, un buen pie de foto puede hacer que las fotos resulten más atractivas.

Una de las claves es que hoy, Agosto del 2015, Siglo XXI, tenemos muchas formas de compartir imágenes y en todas es fácil añadir una breve (o no) descripción que enriquezca la imagen y la conecte con el observador.

La clave es no ser obvios. Es decir, pretender resumir en una descripción lo que se ve y se aprecia a simple vista. Cada fotógrafo puede elegir el estilo que más se ajuste a sus imágenes y personalidad, darle mayor dimensión al proceso de compartirla, pero no hay que olvidar que hay que trabajar bien esa descripción, de modo que ayude a aumentar el interés en la imagen. Ya sea que se trate de una captura individual o un proyecto o  una serie. No sirve a nuestro propósito limitarnos a poner el lugar y la fecha, tal vez si resulte conveniente que expliquemos un poco más lo que queremos transmitir.

Podemos elegir un pie descriptivo que añada información esencial,  lugar, momento en el que se ha realizado. O bien, podemos explicar el contexto, decir porqué vemos algo determinado en la imagen. Qué nos ha atrapado en ella, qué queremos decir, qué nos pasó o ha pasado… esto puede servir para conectarnos más con el observador. La experiencia de visualización se amplía y en algunos casos se puede lograr que más observadores se conecten con la imagen, al mismo tiempo que con nosotros como fotógrafos.

Sin embargo, si compartimos buenas imágenes sin pie de foto ni descripción, donde sea que lo hagamos, habrá quienes quieran preguntarnos sobre ella (dónde, quién…), así que es una buena razón para considerar este aspecto, el autor en definitiva puede elegir, él decide si considera que su imagen habla por sí misma y por él, o si titularla servirá para darle más interés cuando las comparta o publique.

Hay que atreverse...

El Rincón de los Debates

En "Atrapados por la Imagen" nos proponemos compartir, no solo la pasión que nos une por la fotografía, sino que, además, tenemos la pretensión de ahondar un poco más en el arte fotográfico.  Nos gustaría que todos podamos aprender  mucho más los unos de los otros, investigar, proponer y sobre todo,  animarnos a decir lo que sentimos ante una obra que nos provoca, porqué nos atrapa, o porqué no. Con franqueza, con respeto y proponiéndonos sinceramente ser imparciales, lo más posible, los invitamos a atreverse.

Oscar Zaitch abrió un debate con su audaz comentario sobre la fotografía como un arte medieval, en El Rincón de los Debates; seamos igual  de osados y propongan y envíen para este espacio una discusión sobre algún tema que los inquieta, o los enoja, o que quieran defender…. También anímense a opinar, contradecir o explicar el “punctum” de Roland Barthes o decir algo sobre lo que nos dicen autores y ensayistas como Susan Sontag…  un ejemplo de la diversidad en el mundo fotográfico.

Buscamos saber que nos hace sentir la fotografía que estamos viendo, que vemos, que nos dice, o si no nos dice nada.

Aquí no competimos por la mejor foto, compartimos la obra, las inquietudes que se nos plantean desde la técnica, la edición y lo fundamental, desde las sensaciones, los sentimientos y las historias que las imágenes nos generan.

Sabemos lo difícil que es lograr que las personas se decidan a compartir lo que les pasa con las fotografías, las propias y las del otro y esperamos de ustedes mucho más que subirlas... hacer un click y decir que linda... me encantò, sin duda los administradores van a moderar, aprobar o desaprobar algún comentario incendiario para evitar daños colaterales,  no queremos heridos por los efectos de la metralla...  pero ustedes lo sabrán, tendrán el por qué y podremos discutirlo.

Imaginamos este espacio como algo nuevo, diferente… y a la vez mas emocional… la perfección técnica es fantástica,  en lo personal estoy convencida que nunca la voy a lograr, la prueba es que se me cae la quijada ante algunas fotos... pero también las hay que no son técnicamente perfectas, y me dicen cosas... me enganchan y me sorprenden. !Me atrapan! y esto es lo perfecto para este blog, hay tanto que podemos decir...

Anímense… Este es un espacio para nuevos desafíos, los que nos proponemos a nosotros mismos cada día.

La fotografía, un arte medieval.por Oscar Zaitch

Vivo rodeado de fotógrafos. Mi mujer, sus amigos, mis amigos.  Están en los medios, en Internet, en todos lados. Los veo, los escucho intercambiar y discutir. Lo hago desde afuera, no soy fotógrafo pero conozco algo de las artes, incursiono en las letras y el pensamiento. Y me pregunto. ¿Por qué los fotógrafos parecen ser la retaguardia de las artes visuales? ¿Qué hay de misterioso en la fotografía, que los vuelve tan conservadores, rígidos y reacios a la aventura de lo desconocido, a lo que rompe con todas las reglas imperantes?

Suelo escucharlos defendiendo a la “genuina” disciplina como la que niega la intervención de las tomas;  crucificando al Photoshop y hasta discutiendo la incorrecta situación del horizonte en los paisajes… Presencio intercambios sobre la proporción aurea, el equilibrio de las formas, sobre la belleza y me parece estar ante discusiones de pintores románticos del comienzo del siglo XIX, con conceptos que en la plástica se abandonaron hace más de un siglo.

Busco respuestas, se me ocurren algunas. Pero ¿no sería útil, antes de aventurar afirmaciones,  escuchar a los fotógrafos?

El debate está abierto! 

 

Oscar Zaitch