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Eve Arnold se consolidó como fotógrafa estrella cuando trabajó para la revista Life y para la revista Time, publicaciones que la lanzaron al apogeo. Este éxito lo alcanzó con fotografías a personajes públicos como el Senador McCarthy o el General Eisenhower.
Todas sus imágenes se caracterizan por la intimidad en las que eran tomadas, motivo que las hace tan seductoras. Por otro lado, también desarrolló reportajes sociales en los que se presenciaba el machismo de la época. Su defensa hacia las mujeres la permitió crear una magnífica documentación de la situación de las islámicas en los años 60.
Parte de su fama también puede deberse a la afinidad especial que tenía con Marilyn Monroe, a quien conoció cuando ambas eran relativamente desconocidas. La fotógrafa retrató a Monroe y es cuando reconoció lo importante que fue Marilyn en su carrera. Llegó a afirmar que la estrella personificaba el glamour de Hollywood con un brillo sin igual y una energía que enamoró al mundo.
Eve Arnold nació en Filadelfia, Pensilvania, con padres inmigrantes rusos. Comenzó a fotografiar en 1946, mientras trabajaba en la ciudad de Nueva York. Fue en esta ciudad donde descubrió su pasión por la fotografía por lo que en 1948 junto a Alexei Brodovitch estudió en New School for Social Research en Nueva York.
En 1951 Arnold se asoció a Magnum Photos y se convirtió en miembro de pleno derecho en 1957, siendo la primera mujer en la historia en formar parte de él. Este motivo fue lo que le retuvo en Estados Unidos durante la década de 1950, pero en 1962 se marchó a Inglaterra para inscribir a su hijo en la escuela Badales. A excepción de un paréntesis de seis años, cuando trabajaba en Estados Unidos y China preparando un libro sobre cada uno de estos países, pasó el resto de su vida en Gran Bretaña.
La fotografía de Ikko Narahara, entre la ficción y la realidad
La línea entre lo ficticio y lo real parece ser el lugar donde el fotógrafo japonés Ikko Narahara encuentra su verdadero hogar, como comprueban sus imágenes surrealistas de los Estados Unidos y de aquel que lo vió nacer.
Nacido en 1931 en la prefectura de Fukuoka, Narahara se licenció en derecho en la Universidad de Chuo en 1954 y luego estudió Historia del Arte en la Universidad de Waseda. Después de graduarse de la facultad de derecho de la Universidad de Chuo en 1954, se matriculó en la Escuela de Graduados de Arte de la Universidad de Waseda, especializada en Historia del Arte y comenzó a levantar una cámara fotográfica para fotografiar las calles de la facultad hacia su casa.
En 1955, convencido de su nueva pasión, se unió al grupo de artistas de vanguardia Jitsuzaisha (Real Existence), que fue cofundado por los artistas Masuo Ikeda y Ay-O y que contaba con Tatsuo Ikeda y On Kawara entre sus miembros, quienes encontraron encanto en sus imágenes y lo ayudaron a promocionar.
Un año después, habiendo retratado practicamente todos los lugares a los que había visitado y maniobrando entre contactos para saber cómo mostrar presencialmente su talento, hizo su debut con la exposición Human Land en la galería Matsuya de Tokio, en la que combinó imágenes de una aldea en la prefectura de Kagoshima diezmada por el volcán Sakurajima con imágenes sombrías de la vida en una cercana ciudad minera de carbón.
Su siguiente exposición, apenas un año después, le valió el premio al fotógrafo más prometedor de la Asociación de Críticos de Fotografía de Japón. Con una amplia lista de invitaciones a formar parte de algunas de las agencias fotográficas más llamativas de Europa y su país, en 1959, Narahara cofundó la cooperativa de fotografía documental independiente VIVO ante la inquietud de seguir su encanto pictórico, que dirigió con Akira Sato, Akira Tano, Eikoh Hosoe, Kikuji Kawada y Shomei Tomatsu hasta 1961, realizando diversas exitosas muestras locales.
La notoriedad internacional de la que gozó su trabajo lo llevó a residir en París de 1962 a 1965, donde produjo prolíficamente, Durante casi una década, atravesó Europa fotografiando todo lo que vio en el camino, puliendo su identidd casi de blanco y negro, cargada de identidad nacional pero con tonos oscuros que inspiran seriedad y tenebrosidad. Luego, pasó los primeros años de la década de 1970 en Nueva York, documentando los sentimientos rurales y personal de Estados Unidos.
Esta experiencia nómada, sin saberlo, sería la más impactante para él como fotógrafo, ya que durante toda esa proyección internacional y culturalmente rica de algo completamente ajeno, hizo frente a la japonesidad de la posguerra, una búsqueda tan conmovedora y desconcertante que le sentó las bases para organizar algunas de las muestras más influyentes de su carrera.
Pasando sus viajes por todo el mundo, y regresando a retratar a su país, sus imágenes del monte Fuji, espadas y geishas terminaron por reflejar una nacionalidad deformada, es decir, presentada con un marco dividido o en la técnica ojo de pez, como si regresar del extranjero significara ver Japón desde un espejo girado en diferentes ángulos.
A partir de la década de 1990, y a pesar de estar continuamente afectado por la enfermedad, continuó produciendo obras inquisitivas al hacer de esta experiencia una experiencia recurrente en sus fotografías. Instalado de regreso en su país natal, a partir de 1999 se desempeñó como profesor en la Universidad Kyushu Sangyo hasta 2005.
Mirando hacia algunos de los fotógrafos más emblemáticos de la última década en Japón, el revelado de la cámara de Ikko Narahara es una innegable fuente de inspiración por haber tenido con los años la capacidad de permanecer como un espacio libre de clichés, desbordante en cuanto al sentimiento de desequilibrio para explorar la fabricación cultural contra la realidad, y capaz de revelar que detrás de los ataques aéreos y los simulacros de guerra existen encantos extraños y maravillas tan inquietantes que radían estética.
Con motivo de su sensible fallecimiento el 19 de enero de 2020, se han realizado retrospectivas individuales de su trabajo en lugares internacionales como la Maison Européenne de la Photographie en París, el Museo Metropolitano de Fotografía de Tokio, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Boston y el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, entre otros.
QUERIDOS ATRAPADOS, COMPARTO UN VIDEO MUY INTERESANTE SOBRE SU OBRA 👇
Adentrarse en lo más profundo de nuestro ser, a la conquista de uno mismo. La verdad brota desde la intimidad más profunda hasta nuestros confines cotidianos. Todo está en las calles, la vida late con todo su esplendor ahí fuera.
David Salcedo es un poeta de verbos y postales, de esos que encuentran la verdad en los silencios y en los tumultos por igual.
Se inició y profesionalizó en el mundo de la fotografía en el Institut d'Estudis Fotogràfics de Catalunya (I.E.F.C.). Sus trabajos abarcan un amplio espectro de las propuestas del medio fotográfico, pero claramente se ven dos ejes que los vertebran. El primero es una delicada mirada documental, poseedora tanto de una fina ironía como de un silencioso misterio. El segundo es su obsesión por trabajar con lo que le es cercano, ya sea porque necesita hablar de las cosas que conoce, o bien como una metáfora de la existencia.
A pesar de su formación fotográfica, David Salcedo se define como "alumno de la vida", su escuela es la calle, la vida y las personas.
"La fotografía convive en el mismo territorio del fracaso y cualquier elemento que no sea tenido en cuenta está a punto de destruirla o convertirla en algo sublime".
Es el propio Salcedo el que define así su trabajo y su proceso creativo y conceptual: "[...] en mi trabajo parece, a primera vista, que alejo a todos de mi voz. Y es que la estética, utilizada intencionadamente, evoca a claros referentes como Bernard Plossu, Cristóbal Hara y, en algunos momentos, a Ricardo Cases. La entiendo solo como una herramienta más del lenguaje para encontrar mi forma de ver el mundo".
El uso del blanco y negro aporta a las capturas de este artista el dramatismo y la introspección necesarias que demandan los mensajes que quiere lanzarnos, esos que tienen que ver con los momentos que pasamos con nosotros mismos o en los que observamos la belleza del mundo en el detalle más mundano.
Para Salcedo, la clave es “fotografiar en cada momento, llevar la cámara siempre encima para no recordar las fotos que no he hecho y ser merecedor del azar de hacerlas. Hacer que la mirada no se acostumbre al lugar donde vivo. Mi fotografía nace de la nada, de aquello que aparentemente carece de interés y se revela a través de la imagen como algo maravilloso, enigmático e importante.”
“Siempre me ha intrigado la manera en la que se relacionan las fotografías entre sí, la magia que surge de esa fusión. Este proyecto es la materialización de la tarea de explorar los abismos de esas uniones, y descubrir lo que se crea entre ellas”.
Te dejamos un video muy interesante, donde escucharemos al ¡autor!
Lola Álvarez Bravo es una de las primeras fotógrafas mejicanas y la más prolífica. Su variada carrera se extendió a lo largo de cincuenta años y en ella combinó la fotografía comercial y la enseñanza junto con la exploración de sus intereses artísticos. Lola fue una mujer y artista extraordinaria, que tuvo que luchar con gran tesón por derribar los roles establecidos para las mujeres en su Méjico natal. Hablamos de 1930 , donde el mero hecho de trabajar te enfrentaba a la sociedad entera.
Había mujeres artistas pero se suponía que no debían trabajar en la calle sino en el estudio
La gran complejidad de su obra revela su interés por el surrealismo y el uso vanguardista del fotomontaje, así como su dominio en una variedad de géneros. Gran admiradora de fotógrafos como Edward Weston, Tina Modotti, Henry Cartier Bresson entre otros, Álvarez Bravo consiguió emprender una carrera independiente que tocó una amplia variedad de temas: imágenes documentales de la vida cotidiana y la pobreza en zonas rurales y calles de las ciudades de Méjico, retratos de grandes intelectuales, escultura o arquitectura. Sus imágenes están delicadamente salpicadas de ironía y juegos visuales, fue una de las figuras clave del movimiento mejicano postrevolucionario.
Durante toda su vida mantuvo amistad con un nutrido grupo de intelectuales y formó parte de un dinámico círculo de artistas: Diego Rivera, Frida Kahlo, Rufino Tamayo, Maria Izquierdo, o David Alfaro Siquerios.
"Las mujeres que trabajábamos y lográbamos hacer algo, y que nos respetaran dentro de nuestro trabajo y por nuestro esfuerzo, éramos muy pocas."
Dolores Concepción Martínez Anda nació en 1907 en Lagos de Moreno, Jalisco. De familia acomodada, quedó huérfana de niña y fue criada en un colegio de monjas. Con 20 años se traslada a Méjico D.F.
A los 25 se casa con Manuel Álvarez Bravo de quien conservó el apellido para siempre. Se van a vivir a Oaxaca y allí, Lola se acerca a la fotografía espiando en el cuarto oscuro que su marido, fotógrafo aficionado, había montado en la casa. Aunque compartían la misma afición, su marido no le ponía las cosas fáciles, esperaba de ella que fuese su asistente (cómo ella dice de chícharo ) pero no le gustaba nada que ella hiciera sus propias fotos.
En 1927 regresan a D.F, experimentan con una galería de arte que acondicionaron en su casa. Tres años después instalaron el Taller de Fotografía Álvarez Bravo.
Cuando en 1930, Tina Modotti es deportada, la pareja le compra dos de sus cámaras fotográficas. Lola entonces cuenta con una cámara para ella sola, una Graflex, que antes había pertenecido a Edward Weston. En 1931, Manuel cae gravemente enfermo y Lola saca adelante el trabajo que él hacía para la revista Mexican Folkways.
Unos suben y otros bajan (1940), de Lola Álvarez Bravo
El matrimonio se separa en 1934 y ella empieza a trabajar en la Secretaría de Educación Pública haciendo fotografías para la revista El maestro rural. Desde entonces Lola se dedicaría a la fotografía como oficio para siempre. También enseñó fotografía en la prestigiosa Academia de San Carlos en Ciudad de Méjico.
"Bill Brandt (3 de mayo de 1904 - 20 de diciembre de 1983) fue un fotógrafo británico conocido por sus imágenes en blanco y negro , sobre los contrastes sociales en la sociedad británica y sus fotos distorsionadas de desnudos y paisajes. También realizó fotografías como periodista gráfico".
Nació en Hamburgo el 3 de mayo de 1904, su padre era británico y su madre alemana. Comenzó muy pronto a estudiar dibujo con el arquitecto checo K. E. Ort, aunque gran parte de su educación se desarrolla en Viena. Durante su infancia se estuvo desarrollando la primera guerra mundial, por lo que al finalizar ésta adoptó la nacionalidad británica ya que existía desigualdad de oportunidades si se disponía de nacionalidad alemana.
Poco después contrajo la tuberculosis por lo que estuvo varios años en cura en un sanatorio de Davos en Suiza bajo la atención del doctor Eugenie Schwarzwald. En esta ciudad existía gran ambiente artístico y literario. Al curarse se traslada a Austria con un hermano que le anima a hacer fotografías y le presenta a Ezra Pound que en 1928 fue su primer modelo.
Este quedó impresionado por el talento de Brandt y se lo presentó a Man Ray que le dio un puesto de ayudante en el que estuvo durante tres meses.
Su trayectoria fotográfica
Al comenzar su trabajo como ayudante del fotógrafo en París quedó muy impresionado por el movimiento surrealista. Tras realizar un viaje con su esposa Eva se instaló en 1931 en Londres, allí comenzó a realizar un trabajo documental sobre las diferencias sociales en la sociedad británica y los contrastes que producían; así como los problemas del paro en la minería. En estas fotos se nota la influencia de Man Ray, André Kertész, Eugène Atget y en las fotos nocturnas de Londres de su amigo Brassaï y su trabajo parisino.
Estos trabajos se publicaron en varios libros: The English at Home en 1936 y A Night in London en 1938. En ese mismo año publicó el libro A Camera in London que recoge varios de sus planteamientos fotográficos. Entre algunas de las ideas que fue planteando a lo largo de su vida están:
"Un fotógrafo debe poseer y conservar las facultades receptivas de un niño que mira el mundo por primera vez".
Desde 1937 publicó habitualmente en revistas como Harper's Bazaar, Lilliput, Picture Post y The Bystander. Sus reportajes más conocidos trataban sobre las desigualdades sociales en el Reino Unido. Durante la Segunda Guerra Mundial estuvo trabajando para el gobierno británico fotografiando a la vida nocturna de la población londinense durante los bombardeos, en ese momento consigue fotografías de la ciudad sin personas.
Al finalizar la contienda su estilo pasa poco a poco del reportaje gráfico a la fotografía de paisajes, desnudos y del cuerpo humano con el empleo de grandes angulares y puntos de vista poco usuales. También se dedicó a realizar retratos de artistas británicos para Lilliput, Picture Post y Harper’s Bazaar.
El artista urbano JR nos descoloca con cada instalación site specific, viajando por el mundo con propuestas que nos acercan a nuestra identidad y reconocimiento colectivo. Repasamos la trayectoria del colega y amigo de Agnès Varda, con quien dirigió Visages Villages.
Jean René, el artista urbano conocido globalmente como JR, mira el mundo a través de sus lentes, elemento ya característico en él, que deja oculta su imagen completa. Sus potentes proyectos recorren desde las grandes ciudades europeas, pasando por las pirámides de Egipto, la franja de Gaza, la isla de Cuba, hasta favelas en Brasil.
JR, nacido en 1983, es hijo de xadres inmigrantes de Europa del Este y Túnez, algo que lo conecta de forma directa con su obra, siendo un artista enfocado en saltar las fronteras y visibilizar problemáticas sociales que atraviesan lxs migrantes.
El factor social siempre está presente en todos sus trabajos. Desde sus primeros proyectos, JR se involucró con su entorno, comprometiéndose artísticamente con los sectores marginales y excluidos de la sociedad. Entre los años 2004 y 2006, desarrolla junto al artista Ladj Ly 28 Millimeters. Portrait of a Generation, donde aborda los disturbios sociales en los suburbios parisinos
1) 28 Millimeters, Portrait of a Generation, Hold-up, Ladj Ly by JR, Les Bosquets, Montfermeil, 2004.
Con intención de hacerle frente a la estigmatizante representación mediática de los habitantes de la zona, el procedimiento fue realizar retratos, con un lente gran angular, a varios amigxs habitantes de Les Bosquets, Montfermeil, exagerando sus rasgos y con expresiones monstruosas, para luego pegarlas en las calles en formato gigante a la vista de los transeúntes parisinos de barrios elites, con el objetivo de visibilizar los prejuicios y exclusiones que vivían y continúan viviendo los migrantes en Francia.
De creación colectiva, en los sitios específicos, la comunidad de cada lugar se involucra en la ficción jugando con sus propias identidades, y puede generar un cuerpo mayor para motivar la formación de un cuerpo social.
En otro llamado al reconocimiento y respeto por el otrx, JR se involucra con la temática del conflicto bélico Israel-Palestina y realiza, en 2007, Face 2 Fac, pegando, en las ciudades de frontera, retratos de sus vecinxs para generar, así, identificación y cercanía.
Face 2 Face, 2006, Jerusalem, conflicto Israel-Palestina.
Uno de sus pasos por Latinoamérica fue en 2008, cuando realizó acciones en la favela Morro da Providencia de Rio de Janeiro, donde llevó a cabo Woman are Heroes, un proyecto que dio protagonismo a las mujeres de las zonas marginales.
En espacios monumentales, JR despliega fotografías a gran escala para dejar un escenario impactante, tanto para los transeúntes como para los que vemos sus imágenes difundidas. Como artista contemporáneo, sabe utilizar sus redes sociales para generar difusión masiva de sus proyectos.
En 2011 recibió el TED Prize y tuvo la experiencia de brindar una charla: El deseo de JR: es usar el arte para poner el mundo al revés, donde cuenta sus inicios, como grafitero en su ciudad natal…, interviniendo las paredes de la calle, definidas por él mismo como «la mejor galería».
Con ese premio logró impulsar el Proyecto Inside Out: The People’s Art Project y convocar a la comunidad global a participar activamente tomando fotos para luego utilizarlas proclamando sus propias reivindicaciones.
Si bien, JR cuenta con un equipo creativo y de producción que lo acompaña, en el proceso de creación también suelen participar los lugareños, logrando así intervenciones colectivas que permiten la subjetivación y autoreconocimiento como comunidad.
Es así como JR nos brinda la sensación que no descansa, el francés se mantiene activo continuamente, con propuestas llamativas. Su último trabajo fue en Italia, durante julio del actual año, logró una ilusión óptica con el punto de fuga y a la vez revitalizó el patrimonio arquitectónico y cultural de la fachada del Palazzo Farnese en Roma, al realizar un diálogo histórico y temporal.
Se suma la intervención que realizó en el Palazzo Strozzi en Firenze, titulada La Ferita (La herida en italiano), jugando con la percepción, mientras que revela el interior del edificio renacentista y logra poner atención a las adversidades que enfrentaronn los museos y las instituciones del sector cultural durante la pandemia.
Sin embargo, no es la primera vez que JR realiza una apropiación de espacios culturales y edificios emblemáticos de Europa; en reiteradas ocasiones realizó intervenciones alrededor de la pirámide del Museo Louvre.
Desde 2019, la exhibición itinerante JR: Crónicas, abierta en el Museo de Brooklyn en NY, nos acerca a su mundo en una muestra retrospectiva que repasa sus grandes trabajos, actualmente trasladada a la Saatchi Gallery, en Londres.
Visages Villages
En 2017, estrenó junto a la maravillosa Agnès Varda un road movie, sellando una amistad a fuego. Junto a ella recorren pueblos de Francia en un vehículo con una cabina fotográfica.
Película nominada a los premios Oscar como mejor documental y también reconocida en el Festival de Cannes, en Visages Villages vemos la dulzura de dos artistas que siguen creyendo y apostando por la conexión y los vínculos entre los seres humanos.
Trailer de Caras y lugares, por Agnès Varda y JR. (Subtitulado al español)👇
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