DOMINGO DE CURIOSIDADES. HOY, "EL PENSADOR", DE RODIN (1840 -1917).

EL PENSADOR DE RODIN, UNA HISTORIA PARA CONOCER.

"El pensador", fue creado en 1880 por Auguste Rodin, en su tamaño original, de unos 70 cm, para decorar el tímpano de La Porte de l’Enfer (La Puerta del Infierno), Le Penseur (El Pensador), se titulaba entonces, Le Poète (El Poeta): representaba a Dante Alighieri, el autor de "La Divina Comedia" que inspiró La Puerta, inclinado hacia delante para observar los círculos del Infierno, meditando sobre su obra. "Le Penseur" (El Pensador) era pues, inicialmente, a la vez un ser de cuerpo torturado, casi réprobo, y un hombre de espíritu libre, decidido a transcender su sufrimiento mediante la poesía. Para su pose, esta figura le debe mucho al "Ugolin" (Ugolino),de Jean-Baptiste Carpeaux (1862, museo de Orsay, París) y al retrato sentado de Lorenzo de Médicis esculpido por Miguel Ángel (1531-1534, Capilla de los Médicis, Iglesia de San Lorenzo, Florencia).

A la vez que mantiene su ubicación en el conjunto monumental de "La Puerta del infierno", "Le Penseur" (El Pensador) fue mostrado por separado, a partir de 1888, convirtiéndose de este modo en una obra autónoma. Ampliado en 1904, tomó una dimensión monumental que incrementó todavía más su popularidad: esta imagen de un hombre inmerso en sus reflexiones, pero cuyo cuerpo sugiere una gran capacidad de acción, se ha convertido en una de las esculturas más famosas de todos los tiempos.

Rodin rompió con las principales corrientes de arte y consiguió transmitir "el pensar" universal en toda su dimensión; desde la cabeza hasta la punta de los pies.

 

 

El Pensador es un reflejo de la sociedad moderna

Una de las curiosidades más interesantes de "El Pensador" de Rodin, se refleja en la capacidad de trasmitir lo que sucedía en la época de su creación. Rodin nos dio una imagen fiel de la sociedad de su tiempo en una serie de retratos de gran "intensidad psicológica". De hecho, el pensador es una de ellas. Hundido en una actitud pensante e inundado de tranquilidad, en su exterior por el contrario resulta explosivo en su forma, la escultura tiene movimiento y vida. Al contraponer estos dos elementos, Rodin generó un dramatismo propio del periodo moderno.

El pensador de Rodin no debería ser así de musculoso.

El pensador según Rodin, pertenece a todos los cuerpos y a todos los lugares. Pero el cuerpo fuerte y muy musculoso del pensador desconcertó a la mayoría de los contemporáneos de Rodin, consideraban esta elección poco apropiada para la representación de la mente. El propio escultor respondió a esta queja: "Mi idea fue representar al hombre como símbolo de la humanidad. Al hombre rudo y laborioso, que se detiene a pensar sobre las cosas en plena actividad, a ejercer una facultad que lo distingue de los brutos".

El temor de El Pensador

Para Rodin era importante manifestar sus preocupaciones en las obras que creaba, y "El Pensador" no fue la excepción y sus curiosidades tampoco. Con algunos detalles que parecen "inacabados" como la roca en la que está sentado "El Pensador", Rodin demuestra que el hombre tiene derecho a vivir fuera de una estructura, a no sentir miedo por lo desconocido. Sin embargo, los pies encogidos al borde de la roca en una posición de peligro, como si se fueran a resbalar hacen perceptible  que, "El Pensador" se resiste a algo. Hay temor de caer en el abismo.

 

El pensador Argentino.

A miles de kilómetros de distancia de París, en Buenos Aires, quien camine por la zona del Congreso y recorra su plaza, se verá posiblemente sorprendido al encontrarse, nada más y nada menos que con "El Pensador". Probablemente el peatón distraído creerá que se topó con una réplica que nada tiene que ver con el artista francés, que es considerado el padre de la escultura moderna. Nada más alejado de la realidad.

No se trata de una copia ni de una réplica. Es la edición número tres, realizada en vida de Auguste Rodin, uno de los más famosos escultores del mundo, en su propio taller parisino. “Una réplica sería una copia no autorizada. Los primeros seis a ocho ejemplares de una obra son ediciones originales que están numeradas. Más allá de esa cantidad, si el artista da la autorización, se realizan otras ediciones”, explica a La Nación Revista Teresa Anchorena, presidenta de la Comisión Nacional de Monumentos, de Lugares y de Bienes Históricos.

En el caso de "El Pensador", emplazado en Avenida de Mayo y San José, en la Plaza del Congreso, se trata de una valiosísima escultura ejecutada en vida del autor, lo que implica que, él vio cómo iba quedando y que aprobó el resultado final. Ejecutadas con el mismo molde que la primera edición, que está expuesta en el Museo Rodin, de París, las primeras ediciones poseen todas el mismo tamaño ( 1,89 cm de alto, 1,08 cm de ancho y 1,40 cm de profundidad) y las mismas características que la primera.

Pero, la pregunta sería, ¿cómo llegó la edición número tres de, "El Pensador" de Auguste Rodin a Buenos Aires, a la plaza del Congreso? “En 1907, Eduardo Schiaffino, que era una especie de curador de la ciudad, compró, por encargo de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires, obras de arte para embellecerla. Schiaffino, fundador del Museo Nacional de Bellas Artes, iba a París y seleccionaba obras de arte que, en ese momento, eran contemporáneas. Entre ellas, hay piezas de Rodin y también de Bourdelle”, señala Anchorena.

En ese contexto, la ciudad de Buenos Aires adquirió la escultura número tres de, "El Pensador", del prestigioso Rodin. “El fue al taller de Rodin, vio la escultura y se la encargó. El Pensador llegó a Buenos Aires en 1908. Iba a ser colocada en lo alto de las escalinatas del Palacio del Congreso, pero éste no estaba terminado. Por eso lo pusieron provisoriamente en la plaza. Pero con el paso del tiempo la ubicación se volvió definitiva”, relata la funcionaria. El emplazamiento original pensado por Eduardo Schiaffino estaba inspirado en el sitio de privilegio que tenía "El Pensador" en París, en lo alto de las escaleras del Panteón.

Hoy, la escultura se conserva en muy buen estado. Fue restaurada hace cuatro años. “Cuando se fue a restaurar, increíblemente no estaba tan mal. No tenía partes rotas. Solo tenía algunos rayones y la pátina estaba en mal estado. Yo estuve en el curso de la restauración y la gente de MOA (Monumentos y Obras de Arte) trabajó muy bien. Vino de París Antoine Amarger, experto en restauración de bronces de Rodin y Bourdelle, para aconsejar a la Ciudad cómo había que restaurarla”, cuenta Anchorena.

Desde 2019 "El Pensador", de Auguste Rodin es considerado Monumento Histórico Nacional.

 

 La posición de El Pensador

Cerraremos nuestra lista de curiosidades de, "El Pensador" de Rodin con uno de los detalles más importantes en su composición. La posición del cuerpo junto con la vida que cobran los labios, los músculos y la mano derecha, nos habla del hombre en el profundo pensamiento. La mente se esfuerza, se mueve al inclinarse y se altera con arrugas. El Pensador es un ser de todos los tiempos.

 

En definitiva, quien describe mejor la escultura de "El Pensador" es el propio Rodin:

 “Lo que hace que mi pensador piense es que, él piensa no solo con su cerebro, sino con su ceño fruncido, sus fosas nasales distendidas y sus labios apretados, con cada músculo de sus brazos, espalda y piernas, con los puños apretados y sus dedos de los pies encogidos”. 

 

 

 Idea, Investigación y Edición: Isa Santoro.

Administradora de Atrapados por la Imagen.

Esta obra está bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivadas 4.0 Internacional.

DOMINGO DE CURIOSIDADES, SEGUIMOS CON LAS ESCULTURAS DE MIGUEL ÁNGEL. HOY, "LA PIEDAD".

 

ESCULTURA DIVINA.

LA PIEDAD DE MIGUEL ÁNGEL, LA PERFECCIÓN DE LA BELLEZA.

 

 

En 1498, un talentoso y prometedor escultor florentino de 23 años que había acudido a Roma a buscar fortuna recibió el encargo del cardenal francés Jean Bilhères de Lagraulas de, literalmente, realizar "la obra de mármol más hermosa que se haya visto en Roma" para decorar su tumba. El resultado estaba listo al año siguiente. "La Piedad", de Miguel Ángel Buonarroti se ha convertido en uno de los iconos de la escultura del Renacimiento y de todos los tiempos y fascina a todo aquel que la admira en directo.
La Piedad del Vaticano, o de Miguel Ángel, es la sublimación del ideal renacentista. Sus personajes, tallados hasta el más mínimo detalle, lucen una belleza impertérrita, ideal. ¿Por qué lo decidió así el artista? ¿Cómo y cuándo terminó convertida en uno de los mayores tesoros de la basílica de San Pedro? ¿Qué símbolos esconde? Una obra que continua, majestuosa sobre su propio altar, asombrando a quien la contempla.

A los 24 años le encargan La Piedad

Ya conocido en el ambiente de la curia, en 1497 a sólo 24 años Miguel Ángel recibe el encargo, del cardenal Jean Bilhères de Lagraulas, de esculpir una “Vírgen María Vestida con un Cristo Muerto en los brazos, a tamaño natural”. El artista era extremadamente exigente con las materias primas, él mismo fue a buscar el bloque de mármol en la cantera de Carrara y tardó nueve meses en elegir el adecuado y transportarlo desde la cantera hasta Roma.

La espalda de Cristo esculpida

Miguel Ángel trabajó con tanto detalle su obra que esculpió la espalda de Cristo, aun cuando esa parte de la escultura no puede ser vista desde ningún ángulo por quienes observen la escultura.

Para trabajar la espalda de Cristo, Miguel Ángel necesitó unos cinceles especiales muy cortos, con los cuales pudo esculpir metiendo la mano a través de un orificio en uno de los mantos de la virgen. Solamente algunos privilegiados han tenido la oportunidad de introducir la mano por ese hueco, y han podido así sentir la superficie esculpida de la espalda de Cristo.

Su primer emplazamiento

La escultura fue diseñada especialmente para la Basílica de San Pedro por encargo del cardenal de Saint Denis, Jean Bilhéres de Lagraulas, sacerdote benedictino, quien era a la sazón embajador del rey de Francia ante la Santa Sede.

Bilhéres murió unos días antes de que la obra estuviese concluida. En su honor la misma fue emplazada originalmente sobre su tumba en la capilla de Santa Petronila en el Vaticano. De allí fue trasladada a la Basílica de San Pedro entre 1749 y 1759.

Es su única obra firmada

Cuando la obra fue finalizada y entregada, algunos pusieron en duda que hubiera sido Miguel Ángel ,el verdadero autor de la misma, dudando de él por su juventud. Decían algunos que era de un artista llamado el Jorobado de Milán. Al enterarse, Buonarroti, en un arranque de furia se escondió a la noche en la iglesia y grabó a cincel su nombre en la escultura, siendo esta la única obra firmada del artista. En la cinta que cruza el pecho de la Virgen puede leerse: "Michael A[n]gelus Bonarotus Florent[inus] Facieba[t]" ("Miguel Ángel Buonarroti, florentino, lo hizo").

 

 

La Virgen conserva el aspecto adolescente

Muchos criticaron el aspecto juvenil del rostro de la Virgen, ya que parecía una adolescente, que tenía en brazos a este Cristo muerto de 33 años. Según biógrafos estudiosos del gran artista explican que esta fue una elección muy estudiada por parte de Miguel Ángel. La Virgen es incorrupta por su Inmaculada Concepción, es el símbolo de una juventud inmutable, que no se marchita. El artista hace referencia a las palabras de Dante en el Paraíso: “Virgen madre, hija de tu hijo”.

 

 

 

 El Cristo posee un diente más

De acuerdo con el simbolismo religioso de la época, de hecho, el quinto incisivo fue definido como ‘diente de pecado’, un atributo que tienen los personajes negativos. Según el historiador del arte Marco Bussagli (quien lo descubrió), en "La Piedad", este diente es el símbolo de cómo Cristo, con su muerte, toma consigo todos los pecados del mundo.

 

 

La obra recibió un brutal ataque

El 21 de mayo de 1972 la imagen sufrió un atentado cuando un geólogo australiano de origen húngaro, llamado Laszlo Toth, golpeó en apenas unos pocos segundos el rostro y uno de los brazos de la Virgen con un martillo en quince ocasiones, mientras gritaba “¡Yo soy Jesucristo, resucitado de entre los muertos!”; rápidamente fue reducido y detenido. Estuvo recluido en un asilo italiano hasta el 9 de febrero de 1975, cuando fue repatriado a Australia. "La piedad" quedó seriamente dañada: los golpes arrancaron unos cincuenta fragmentos, rompiendo el brazo izquierdo y destrozando el codo, mientras que en el rostro la nariz y los párpados quedaron casi destruidos. La restauración se inició casi inmediatamente y se confió a los laboratorios de los Museos Vaticanos, bajo la dirección del director Deoclecio Redig de Campos.
La restauración finalizó el 21 de diciembre de 1972. Desde entonces, "La Piedad" está protegida por una pared especial de vidrio a prueba de balas.

El tamaño de la Virgen  María

Una característica poco visible pero si muy importante es el portentoso tamaño de María, ya que si se pusiera de pié, se vería a una mujer de unas dimensiones demasiado grandes. Pero todo tiene su explicación, y es para así corregir la óptica sobre la escultura desde el suelo, situando el cuerpo de Jesús en un punto de apoyo mayor.

Miguel Ángel pone mucha atención también en los detalles y en la anatomía, además de la inteligencia de saber jugar con las luces y las sombras, como en los pliegues de los paños de la Virgen, en los que casi se hace deslizar la luz. 

 

Las otras "Piedad"

"La Piedad" que está en el Vaticano no es la única. Buonarotti hizo otras esculturas con la misma denominación. Una es conocida como "La Piedad Florentina o Piedad Bandini" y se encuentra en el Museo Dell’Opera del Duomo de Florencia. La misma está conformada por cuatro personajes: Cristo, cuyo cuerpo yaciente es sostenido por Nicodemo, personaje del Nuevo Testamento cristiano, la Virgen María, quien abraza a Nicodemo, y a un lado del conjunto se encuentra María Magdalena.

La tercera obra se conoce como "Piedad Rondadini" y fue encontrada en su estudio después de su muerte.

Las tres “Piedades”, una en original y las otras dos en réplicas, estuvieron reunidas en una muestra en el año 2022,  en el Duomo de Florencia, Italia.

 

El tema de "la Piedad" siempre se ha representado de manera tormentosa ante la situación que protagonizan la Virgen María y su hijo Jesús. Sin embargo, Miguel Ángel va más allá y realiza una Piedad plasmando armonía, belleza y equilibro, dejando a un lado el excesivo dolor.
 

 

Trabajo de Investigación y Edición: Isa Santoro.

Administradora de Atrapados por la Imagen.

Esta obra está bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivadas 4.0 Internacional.

DOMINGO DE CURIOSIDADES. LA HISTORIA DETRÁS DE LAS ESCULTURAS. HOY, "EL DAVID", DE MIGUEL ÁNGEL.

 EL GIGANTE DE FLORENCIA.

EL DAVID DE MIGUEL ÁNGEL, LA ESCULTURA MÁS ICÓNICA DEL RENACIMIENTO 

 

 

La historia del "David" de Miguel Ángel empezó cuarenta años antes de que el artista pusiera manos a la obra. En 1463, las autoridades de la Obra de la catedral de Santa María del Fiore, en Florencia, encargaron al escultor Agostino di Duccio una gran estatua que debía colocarse en el exterior de la catedral, sobre los contrafuertes. Allí figuraría junto a las de otros dos profetas, que habían realizado medio siglo antes, Donatello y Nanni di Banco, con la diferencia de que, mientras éstas eran de terracota, la de Di Duccio sería de mármol. 

El artista acudió a las canteras de Carrara para seleccionar un bloque de mármol adecuado, e incluso lo desbastó, parcialmente in situ, a fin de aligerarlo antes de su traslado a Florencia. Sin embargo, tres años después renunció a la tarea, considerándola superior a sus fuerzas, y abandonó en el taller de la catedral, la mole de mármol a medio trabajar. Allí se quedó durante casi cuarenta años, sin que ninguno de los escultores, hasta una docena, a los que se ofreció la piedra, que era conocida en la ciudad con el nombre de "El Gigante", se viera capaz de esculpir en ella cualquier figura, grande o pequeña.

En 1501, los responsables de la catedral florentina decidieron retomar el proyecto y consultaron al efecto a varios artistas, entre ellos Leonardo da Vinci, sobre la posibilidad de crear una obra de arte a partir del desfigurado mármol de casi seis metros de altura. Miguel Ángel Buonarroti, un joven escultor de 26 años, fue el único que aseguró que podría hacerlo sin necesidad de añadir más piedra al bloque existente.

El maestro tenía la capacidad especial de "ver" la forma encerrada en el bloque, pues decía que una escultura se hacía simplemente retirando el mármol sobrante y que era tarea del escultor "liberar" la figura de su prisión de piedra. En agosto de 1501 firmó el contrato de ejecución del "David" y, al mes siguiente empezó el trabajo. El artista construyó una estructura de tablas de varios metros de altura para que ocultara la pieza y así poder trabajar en soledad y evitar que la obra se viera antes de acabarla. 

El tema de la lucha entre David, el joven pastor de 16 años y futuro rey de Israel, y el gigante Goliat fue uno de los más populares en el arte medieval. El Antiguo Testamento cuenta cómo el guerrero filisteo se ríe de la infantil envergadura y el pobre armamento de David, pero el joven consigue derribarlo mediante una piedra lanzada con su honda y luego decapita al gigante con su propia espada.

Miguel Ángel prolongó esta tradición artística florentina, aunque a la vez hizo algo completamente distinto. La novedad más evidente respecto a sus predecesores es la escala: frente a los 1,58 metros de altura del bronce de Donatello y los 1,25 del de Verrocchio, la escultura de Buonarroti superaba los cinco metros, concretamente 5,17. El mármol de Buonarroti transformaba al adolescente de la Biblia en un gigante. "El David" de Miguel Ángel es un hombre atlético en la plenitud de su vida, no el adolescente que representaban Verrocchio y Donatello.

El maestro florentino presentó al héroe con cuerpo juvenil y porte orgulloso.

La principal innovación de su estatua reside, no obstante, en la concepción del tema, pues Miguel Ángel decidió presentar el momento anterior al combate, cuando el joven se prepara para el duelo desigual, en vez de la victoria final. Por primera vez, Goliat desaparece de la escena de su propia muerte. Esta idea sólo pudo llevarse a cabo gracias a la prodigiosa habilidad del escultor, que logró dotar a la figura de un aspecto contenido y expectante, con un cuerpo en tensión a punto de lanzarse a la batalla. 

Miguel Ángel no quiso vestir a su David porque para él la desnudez simbolizaba al hombre en armonía con la naturaleza.

Así vemos un desnudo explícito, sin hojas de parra ni pixelados. David exhibe su “pene pequeño” pues la proporción del cuerpo así lo necesitaba. Además ese tamaño era el ideal de armonía y simbolizaba la virtud, la superioridad espiritual, la belleza del héroe.

En ese sentido llama la atención que David, rey de los judíos, no está circuncidado. Muchos dicen que esa es la prueba de la visión que tenía el arte renacentista del ser humano, menos ligado a la religión y más a los valores de la belleza. ​

 

¿Qué hace que,  "El David", sea una obra única? 

 

A primera vista, David aparece en actitud serena y reflexiva, pero esa aparente calma queda desmentida por la tensión de los músculos y la inquietud de la mirada, que revelan que el héroe está a punto de deslizar el brazo derecho por detrás de su espalda para colocar la piedra en la honda y así poder lanzar el proyectil con la mano izquierda. El elegante contrapposto de la figura hace que todo el peso se descargue sobre el tobillo derecho, algo que con el tiempo le ha provocado grietas y actualmente amenaza con romperse.

                       Perspectiva lateral de la famosa estatua de Miguel Ángel, Galería de la Academia, en Florencia

 

Destacan en la obra la perfecta definición de cada músculo, hueso y tendón y la seguridad en su modelado, algo en lo que cabe advertir la huella de las disecciones de cadáveres que Miguel Ángel realizó. La dificultad añadida del uso de un bloque ya desbastado y la gran escala empleada hacen aún más asombrosa la comprensión de la anatomía humana mostrada por un artista tan joven.

 

Detalle de la mano derecha del David. Galería de la Academia, Florencia.

Pero lo más extraordinario de esta figura es la capacidad de expresar la energía reprimida. A la tensión de los músculos se une el rictus de la nariz, que sugiere una respiración contenida, y las venas en relieve por las que parece correr la sangre. La intensa expresión de sus ojos, penetrante y llena de ira, llevó a sus contemporáneos a acuñar el concepto de "terribilità miguelangelesca". Miguel Ángel pasó veintiún meses subido al andamio cincelando el bloque, sin ayuda de ningún asistente. 

Detalle del rostro del David de Miguel Ángel, expuesto en la Galería de la Academia, Florencia.

 

Existen otros datos para aportar a la majestuosidad de esta escultura. 

 

La forma de David explicaba las limitaciones de la piedra. Él es delgado de figura y su cabeza está apuntando a un lado, porque el bloque era demasiado estrecho para que pudiera mirar hacia adelante. 

 

Estudios modernos han encontrado que es anatómicamente perfecto, excepto por un pequeño músculo que falta en la espalda. Miguel Ángel, quien estudió anatomía escrupulosamente, sabía esto, más tarde escribió que estaba limitado por un defecto en el mármol.  

 

David representa la forma y proporción masculina idealizada, un tema común de la escultura griega clásica. Pero el trabajo de Miguel Ángel es mucho más naturalista, arraigado en un entendimiento anatómico que superó con creces a los griegos. David es a la vez una hermosa representación del ideal, pero sorprendentemente real, un logro definitorio del Renacimiento italiano.

Hoy, alrededor de 1,5 millones de personas visitan al David cada año. Ha vivido en la Accademia Gallery de Florencia desde hace 150 años, desde que fue trasladada al interior en 1873 para protegerla de las inclemencias del tiempo, La réplica a tamaño real que se colocó en el emplazamiento original en 1910 recuerda a los florentinos cuál fue y sigue siendo el símbolo más emblemático de su ciudad.

 

Copia de la estatua del David de Miguel Ángel en la plaza de la Signoria de Florencia

 

 

Es increíble que con un cincel, Miguel Ángel consiguiera semejante delicadeza. Ni siquiera hizo modelos de yeso previos a escala real, como hacían otros artistas de la época. Escultóricamente, "El David" fue una obra creada para ser contemplada desde distintos puntos de vista, al contrario que la manera medieval, que diseñaba las esculturas para ser vistas exclusivamente desde el frente. 

Cuenta la leyenda que, al acabarlo, el artista golpeó la rodilla derecha de la estatua y le dijo “¿por qué no me hablas?”, sintiendo que la única cosa que faltaba por extraer del mármol era la propia vida.

Miguel Ángel insufló vida a la piedra con pequeños detalles: los alborotados rizos del pelo, el perfecto modelado de venas, músculos y tendones de las manos o la relajación de la pierna izquierda.

"El David", de Miguel Ángel es, sin lugar a dudas, la escultura perfecta por excelencia.

 

Trabajo de Investigación y Edición: Isa Santoro.

Administradora de Atrapados por la Imagen.

 

 

 

 

Esta obra está bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivadas 4.0 Internacional.

Anton Smit : Video

 

El parque de esculturas Anton Smit

Amigos de Atrapados por la Imagen, hace unos días compartía con ustedes, la biografía y algunas  obras de este destacado escultor. Ahora los invito a ver este breve video, que nos muestra el parque  creado por él.

El Parque de Esculturas Anton Smit, es una exposición al aire libre única , que se encuentra a solo 60 minutos de Johannesburgo. 

Los terrenos de tres hectáreas del
Parque de las Esculturas están situados en el lado norte de la presa Bronkhorstspruit, en una meseta con vista al agua.

 Entre el telón de fondo con formaciones de piedras naturales, el césped bien cuidado y los jardines suculentos, ofrece un entorno encantador para ver la amplia colección de monumentales esculturas. 

Deseo sea del agrado de ustedes.

Segmento de Arte:  Escultura, 

Trabajo de investigación, edición y presentación:

Tesi Salado.

Administradora de Atrapados por la Imagen.

Segmento de Arte : Louise Bourgeois- Maman

 La Escultora :  Louise Bourgeois

Mamam- Louise Bourgeois- 

Su obra, fue reconocida y se encuentra en importantes lugares del mundo.

Conocida por sus esculturas de arañas, que le valió el apodo de "Mujer Araña", es una de las artistas más importantes del arte contemporáneo.​

Maman es el nombre que recibe una gran escultura con forma de araña que la artista francesa-americana, le dedicó  a su madre. 

(Maman en francés significa mamá) 

La madre de la artista era tejedora y, según explica la propia Louise, la araña teje la tela tanto para proteger a sus hijos como para cazar.

La artista juega con ese doble juego de las madres: protectoras pero letales.

Louise Bourgeois (1911-2010). no fue reconocida hasta mediados de los 90 cuando el museo de Nueva York MoMA le dedicó una exposición.

Respecto a la escultura de la araña, se basa en un dibujo a carboncillo que la artista realizó en los años 30, hay 60 años entre ese dibujo y la consecución de la escultura.

Araña en Londres

Existen 7 arañas y 6 de ellas están en exposiciones permanentes: Reino Unido, Canadá, Japón, USA, Corea del Sur y la araña de Bilbao.

En Bilbao- España 

La primera se encuentra en el museo TATE de Londres.

Mientras que las demás esculturas, incluída la araña de Bilbao, están fabricadas en bronce, la del TATE está hecha de acero,que es más costosa.

Las 8 patas están diseñadas para aguantar la araña en un equilibrio perfecto.

Mide unos 10 metros de alto y 11 de ancho. 

Pesa 22 toneladas. Si, 22 sobre esas delicadas patitas.

En Argentina.-Fundación Proa. (2011) 

En Argentina 

Louise Bourgeois fallece en 2010 a la edad de 98 años, sin dejar de trabajar e investigar hasta los últimos días de su vida. Su obra, vasta y llena de matices, es fundamental para comprender el devenir del arte de los siglos XX y XXI.

Segmento de Arte : Escultura 

Trabajo de investigación, edición y presentación:

Tesi Salado.

Administradora de Atrapados por la Imagen.

Benson - Jardín de Esculturas-

Benson, Jardín de Esculturas

Amigos de Atrapados por la Imagen, los invito a hacer un breve  paseo  para conocer un bello parque y admirar maravillosas  esculturas.
Benson Jardín de Esculturas está situado en Loveland (Colorado) Estados Unidos- 

Proporciona  un escenario al aire libre hermoso  único para la exhibición de esculturas desde 1985.

En la actualidad, hay 116 piezas de arte escultórico  en la exhibición permanente.

Festival de hielo en Harbin , China

Esculturas  Efímeras de Ensueño 

Atraídos por una simbiosis única de virtuosismo y arte a temperaturas gélidas, miles de visitantes vuelven un año más a disfrutar del Festival de Hielo y Nieve de Harbin (noreste de China), un clásico del invierno chino desde hace años .

Desde hace varias décadas, esta ciudad, capital de la provincia septentrional de Heilongjiang, hace frente al frío extremo del invierno con la construcción de centenares de esculturas de hielo y nieve, a cada cuál más detallista, voluminosa y extravagante.

Segmento de Arte :Escultura 

Trabajo de investigación, edición y presentación:

Tesi Salado.

Administradora de Atrapados por la Imagen.

Esculturas famosas : La mano

Es una escultura de cinco dedos parcialmente sumergidos en arena, localizada en la parada 1 de la playa Brava en Punta del Este, un popular balneario turístico de Uruguay.

La escultura fue hecha por el artista chileno Mario Irarrázabal.

 

 

Artista: Mario Irarrázabal

La mano, u Hombre Emergiendo a la
Vida.

Muy  pronto se convirtió en uno de los símbolos más distintivos de Punta del Este. Manos similares y del mismo autor se pueden ver en Madrid (desde 1987), en el desierto de Atacama (1992) y en Venecia (1995), con la misma fuerza  mágica.

“La mano” sigue en su localización original y ha permanecido inalterada, excepto por algún grafiti que se suele arreglar para dejar con su aspecto originario, azotado por el viento junto al mar y recordando algunas manos que salieron así de las aguas turbulentas.

Segmento de Arte : Escultura 

Trabajo de investigación, edición y presentación:

Tesi Salado.

Administradora de Atrapados por la Imagen.