"CUATRO VACIOS" - RAMÓN JORGE RUIZ DIAZ

 

ARTES PLÁSTICAS

"CUATRO VACIOS"

Ramón Jorge Ruiz Diaz

Técnica mixta .

Soporte chapadur.

Medidas ; 0,76 × 0,36 cm

Esta obra está bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivadas 4.0 Internacional.

" Pasión mundial ". Ramón J. Ruiz Diaz

 " Pasión mundial "

Técnica , acrílico.

Ramón J. Ruiz Diaz

 Soporte, chapadur.

Medidas , 0,50 × 0,60 .cm.

Esta obra está bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivadas 4.0 Internacional.

Artes Plásticas : Título de la obra : " Barcos ". Artista: Ramón Jorge Ruiz Diaz -

 

 Título de la obra : " Barcos ".

Técnica : Oleo.

Medidas : 0,31 × 0,21 cm. 

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" Abstracción l " - Pintura del artísta: Ramón Jorge Ruiz Diaz

 Título : " Abstracción l ".

Medidas : 0,36 x 0,39.

Soporte : chapadur.

Pintura del artísta: Ramón Jorge Ruiz Diaz

Esta obra está bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivadas 4.0 Internacional.

Artes Plásticas: Pintura - Ramón Jorge Ruiz Diaz

 

 " La llegada "

Autor: Ramón Jorge Ruiz Diaz

Técnica mixta.

Soporte chapadur

Medidas, 0,50 x  0,70. cm.

Esta obra está bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivadas 4.0 Internacional.

Los clásicos: Vasíli Kandinsky - Artes Plásticas.

(Vasíli o Wassily Kandinsky; Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso
(nacionalizado alemán y posteriormente francés), destacado pionero y teórico del arte abstracto. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.



Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de Franz von Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán






Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial, y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.

Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.





Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se
caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores; en ellos todavía se percibe un poco la presencia de la realidad.

Double spread from Kandinsky's book "Sounds"

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú; allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky, y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.

 

Fotógrafas olvidadas: DORA MAAR

"Fotógrafas olvidadas es un reconocimiento, un homenaje, a las artistas  olvidadas de nuestra historia. Mujeres profesionales, que pasaron al olvido, invisibilizadas por la desigualdad. Este segmento, pretende recuperar la memoria y obras de grandes fotógrafas de la historia, ponerlas bajo el foco y otorgarles el lugar que se merecen y que  les ha sido arrebatado."

DORA MAAR:  

FOTÓGRAFA y artista SURREALISTA

La mujer que jugaba con la navaja del cortaplumas, clavándola entre sus dedos sobre la mesa del Café des Deux Magots, llamó la atención de Pablo Picasso. El artista notó manchas de sangre entre las rosas bordadas en sus guantes. Le pidió a su amigo Paul Eluard que le presentara a aquella morocha de ojos azules -no recordaba que ya lo había hecho meses antes, en el set de una película dirigida por Jean Renoir- y la saludó en francés. Ella respondió en castellano.

A comienzos de 1936, hacía tiempo que Dora Maar había regresado desde Buenos Aires a su París natal. Hija de un arquitecto, Henriette Theodora Markovitch vivió toda su infancia y su adolescencia en la Argentina. Con 28 años, estaba por enamorarse con locura -literalmente- de un hombre que casi duplicaba su edad, estaba casado y acababa de tener una hija con su joven amante, Marie-Thérèse Walter.

 retrato de Dora Maar

"¿Cuál de las dos se va?", le habría preguntado esta última, mientras el malagueño pintaba el Guernica y Dora se dedicaba a registrar el proceso creativo de uno de los testimonios contra la guerra más importantes del siglo XX... donde ambas están representadas. "Les dije que tendrían que resolverlo entre ellas. Así que empezaron a luchar. Es uno de mis recuerdos preferidos", relataría más tarde Picasso según su siguiente mujer, Françoise Gilot, madre de Claude y Paloma. La misma que lo definió como un "poderoso minotauro", dispuesto a destruirlas a todas.

En manos de ese gran depredador durante una década, Dora Maar se convertiría en una de sus musas más célebres. A tal punto que un retrato suyo se remató en Sotheby’s en 2006 por 95,2 millones de dólares, y Christie’s subastará otro con un valor estimado entre veinte y treinta millones.

Dora Maar, Sans titre (Onirique), 1935

Ella no llegó a ver eso. Sí fue testigo, en cambio, de cómo su propia carrera como fotógrafa surrealista, pintora y escultora quedaba opacada por la del hombre que convirtió en obra su sufrimiento. El mismo dolor que la llevó a internarse en un psiquiátrico y a tratarse con Jacques Lacan. Su historia es rescatada desde el año pasado en una muestra itinerante impulsada por el Pompidou, la Tate y el museo J. Paul Getty, tras haber inspirado varias biografías y una novela. En La mujer que llora (Planeta, 2013), título que evoca el célebre cuadro de 1937, Zoé Valdés recreó un viaje a Venecia que marcó en 1958 el fin de la vida pública de Maar. Cuando regresó a París se recluyó hasta su muerte, cuatro décadas más tarde.

 

 

Trabajo de investigación y edición: Laura Jakulis

Fundadora de Atrapados por la Imagen.

Esta obra está bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivadas 4.0 Internacional.

PINTURA: Remedios Varo, pintora visionaria, surrealista y olvidada...

"Aunque nació en Girona, la artista Remedios Varo siempre se sintió mexicana por lo que desarrolló su vida y obra en el país centroamericano."

Armonía ,Remedios Varo 

Mujer saliendo del psicoanalista, Remedios Varo

Remedios Varo, nacida en España en 1908, fue una de las exponentes del surrealismo que floreció en México. A su vez, este movimiento artístico fue una derivación de la escuela vanguardista, cuyo nacimiento surgió después de la Primera Guerra Mundial. Algunos sugieren que el surrealismo fue una consecuencia de la devastación bélica; si el exterior carecía de sentido, era momento de volver la mirada hacia el interior.

En sus obras, Remedios Varo buscó transfigurar el papel de la mujer como un objeto de deseo masculino. Por ello, en sus pinturas las mujeres son alquimistas, brujas, seres espirituales. A la par, Remedios Varo creó mundos alternativos, donde la imaginación fusiona trozos de la realidad generando nuevas formas. Su obra posee la influencia teórica de Jung, Freud y Adler, así como de distintas formas de misticismo.

 Nacer de nuevo, Remedios Varo

Papilla estelar, Remedios Varo

En el contexto de la Guerra Civil Española, Remedios quedó del lado de la oposición republicana, con lo cual se convirtió en una férrea crítica del régimen franquista. Posteriormente inició una relación con el poeta Benjamín Peret con el que se mudó a París, donde permanecieron hasta la invasión nazi.

 

Varo y Péret llegaron a México en 1941, donde las políticas de Lázaro Cárdenas les permitieron una rápida naturalización y acogida. La pareja se asoció con pintores mexicanos como Frida Kahlo y Diego Rivera, además de conocer otros artistas en el exilio como Leonora Carrington. Entre los grandes amigos de la pareja también se encontró Octavio Paz, quien expresó una profunda admiración por la pintora.

El segundo matrimonio de Remedios duró hasta 1947, tras lo cual ella se dirigió a Venezuela, en donde su estancia duro dos años. Tras su regreso en 1949, Remedios contrajo nupcias por tercera vez con el político austríaco Walter Gruen, con quien vivió en México hasta su muerte en 1963.

Trabajo de investgación y Edición

Laura Jakulis

Fundadora de Atrapados por la Imagen

Retrato de la artista - Frida Kahlo México, 1939

 "Lo que el agua me dio"

Autorretrato de los pies de la artista.

La pintora mexicana no consideró retratar su rostro para poder expresar su identidad en ese momento. En “Lo que el agua me dio”, como es típico en ella, la suma de numerosos elementos puede ser mucho más definitoria y sobre todo más evocadora.

En este mundo acuático primitivo flotan y se reflejan raíces, plantas, flores, cadáveres, insectos, aves y personas conocidas suyas. Un rascacielos (evocando su estancia en Nueva York) sale de un volcán (uno de tantos de su Mexico natal). Una pequeña Frida desnuda se mantiene a flote en el centro por medio de una cuerda. Y al fondo, un dedo del pie sangrando. Es todo lo que la vida le había dado, bueno y malo; pasado, presente y futuro

Cuando Andre Breton visitó México vio esta pintura inacabada e inmediatamente la calificó de surrealista, ofreciendo mostrar el trabajo en París.

 Frida respondió:

“Nunca supe que era una surrealista hasta que Andre Breton vino a México y me dijo que lo era”

Frida le acabaría dando esta pintura a su amante Nickolas Muray como pago por una deuda de 400$.

Trabajo de investigación: Laura Jakulis

Fundadora de "Atrapados por la Imagen"

La Mirada plástica de: Egon Schiele Pintor

 

Egon Schiele, belleza y abismo

Autorretrato

Egon Leo Adolf Schiele, más conocido como Egon Schiele, fue un pintor y grabador austriaco contemporáneo y discípulo de Gustav Klimt. Fue, junto a Oskar Kokoschka, el mayor representante del expresionismo austriaco. En su corta pero agitada vida produjo 340 pinturas y alrededor de 2800 dibujos. 

Nacimiento: 12 de junio de 1890, Tulln an der Donau, Austria

Fallecimiento: 31 de octubre de 1918, Viena, Austria

Períodos: Expresionismo, Arte moderno, Secesión de Viena, Modernismo

Cónyuge: Edith Schiele (m. 1915–1918)

Padres: Marie Schiele, Adolph Schiele

Hermanos: Gertrude Schiele

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Egon Schiele, discípulo de Klimt y admirador de Hodler, llevó las premisas de ambos a un expresionismo radical. Defensor ante todo de la individualidad del artista, pocos artistas han sido más individuales que Schiele.

Egon Schiele, Mujer sentada con la pierna doblada, 1917, Národni Galarie, Praga.

EGON SCHIELLE: LA MUERTE Y LA DONCELLA

Fue casi exclusivamente un dibujante de la figura humana (incluída una obsesión por el autorretrato). Schiele analiza el cuerpo humano arrasando con cualquier convención cultural e incluso moral de esa época. Así mismo, le interesa la sexualidad, a veces rozando la pornografía más que el erotismo.

Egon Schiele, El abrazo (Amantes II), 1917, Galerie Belvedere, Viena.

Durante sus primeros años de carrera demostró talento artístico, y empezó a pintar sus dichosos autorretratos. En 1906 ingresa en Bellas Artes en Viena, donde se empieza a ahogar en ese ambiente demasiado conservador, todo lo contrario de lo que debería ser la creatividad, así que se «escapa» para formar su propio grupo: Neukunstgruppe (Grupo del nuevo arte).

Egon Schiele, Árbol en otoño, 1911, Leopold Museum, Viena.

Conoce así a Gustav Klimt y se introduce con él en la Secesión vienesa, cuyo lema es: «A cada época su arte y al arte su libertad». Abandona el rígido estilo de la Academia y se vuelve expresionista, comenzando a distorsionar agresivamente los desnudos. Le da absoluto protagonismo al dibujo y a la línea.

Por supuesto este nuevo camino pareció no gustar a nadie y Schiele decide irse de Viena. Conoce a Valerie (Wally) Neuzil de 17 años que se convertirá en modelo y amante. De hecho, en el nuevo pueblo, los vecinos empezaron a comentar lo jóvenes que eran las modelos de ese «tipo raro». Aunque dibujaba a todo aquel que aparecía por su puerta, la poses con las que dibujaba a los niños que se acercaban a su casa eran, cuanto menos, polémicas.

Y es que Schiele tenía verdadero amor por el desnudo. Eran los suyos desnudos duros y agudos, con líneas cortantes e incisivas, pero no sólo físicos: la profundidad psicológica de los retratados va más allá de cualquier sexualidad. Las figuras son extremadamente delgadas con poses antinaturales, ojos desorbitados y manos deformes, retorciéndose no se sabe si de dolor o de lujuria.

El artista escapa de todo naturalismo, tanto en línea como en color (usaba acuarela). Tampoco hay fondos… La figura está sola. Schiele retrata muy bien la angustiosa soledad. Esto se ve en sus autorretratos que demuestran que fue uno de los artistas que más observó «su propio yo», cada vez más deforme y con poses más extravagantes y gestos más expresivos.

También produce, aunque a mucha menor escala, algunos paisajes entre el expresionismo y la abstracción, que al igual que sus figuras, supuran emociones.

En 1912 es acusado por corrupción de menores. La sentencia fueron tres semanas en la cárcel y la quema de uno de sus dibujos «porno». Quizás lo que peor llevó el artista fue la tortura y el pelo rapado.

Schiele aprende y se casa, no con Wally, sino con la rica Edith Harms, pero todavía sigue viéndose con su antigua amiga, que siguió posando para él, y seguramente con varias más.

Egon Schiele, Mujer semidesnuda con diadema azul, 1914 Leopold Museum, Viena

Egon Schiele, Autorretrato con dedos separados, 1911, Leopold Museum, Viena.

Egon Schiele, Amantes, 1915, Leopold Museum, Viena.

En 1918 dos cosas suceden en Viena: los últimos alientos de la Primera Guerra Mundial y una terrible epidemia de la gripe española que deja más de 20 millones de muertos en Europa.

Tanto el artista como su mujer embarazada murieron por la enfermedad en octubre del mismo año.

Egon Schiele

Trabajo de Diseño y color: Laura Jakulis

Fundadora de Atrapados por la Imagen.

Investigación: Guillermo Salvo

Esta obra está bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivadas 4.0 Internacional.