Artistas pioneras en el arte: NATALIA GONCHAROVA

"Natalia Sergéyevna Goncharova fue una de las artistas más importantes de las vanguardias rusas pre-revolucionarias."

Cyclist

 Movimiento: Cubo-Futurismo, Rayonismo, Vanguardismo

 NATALIA GONCHAROVA

(1881-1962)

Natalia, fue una de las artistas plásticas más influyente del siglo XX;  desarrollandose como pintora, escultora, diseñadora teatral y de vestuario, perteneciendo a varios colectivos rupturistas y de vanguardias europeas de la pre guerra, y con inspiraciones cubistas y futuristas, que se mezclaban con iconografías rusas. Hoy sus pinturas son valuadas a muy alto precio en el mercado del arte.

Natalia Goncharova nació en Nagaevo, hija de un padre artista; desde pequeña comenzó su formación. A los diez años llegó a Moscú, donde eventualmente comenzó sus estudios formales en el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura; ahí conoció a quien sería su pareja de toda la vida, el también pintor Mikhail Larionov. Natalia comenzó a exponer y ganar reconocimiento, pero pronto renunció a su prestigioso instituto formativo y formó con otros alumnos que fueron expulsados un colectivo propio y radical, el "Sota de diamantes". Ahí, influenciados por el postimpresionismo y expresionismo, comenzaron a avanzar en un lenguaje artístico propio. El arte de Goncharova es una mezcla de cubismo y futurismo, donde tienen espacio además elementos del folclor y de la religión rusa -lo que alguna vez incluso hizo que censuraran uno de sus cuadros por motivos religiosos-.

La primera exposición de la Sota de diamantes vino en 1910, y un poco después Natalia se hizo parte del grupo más radical y extremo del colectivo, que expuso el montaje Cola de burro. Ahí se presentaron cerca de cincuenta pinturas de ella, en 1912, siendo la única mujer.

Natalia también colaboró con el grupo avant garde Der Blaue Reiter, donde convivían rusos, como Kandisky, con algunos artistas alemanes. Ahí, Goncharova aportó con el diseño de escenarios para obras y ballet, trabajo que continuó haciendo en 1915 para varios montajes realizados por el famoso productor Sergei Diaghilev.

Goncharova y Larionov se trasladaron a París en en 1921, donde ella eventualmente comenzó a trabajar también en diseño de vestuario; sus vestidos tenían hermosas aplicaciones de bordados, que tomaban la inspiración de sus trabajos con ballet, y su ascendencia rusa. La artista murió en París en 1962.

Desde hace un par de años, se ha convertido en la favorita de coleccionistas -como Madonna-, y sus cuadros Recogiendo manzanas o Jacintos (bluebells), han obtenido algunas de las ventas más altas para una artista femenina.

Para adentrarse en el mundo artistico de Natalia, sugiero ver este video, que recopila sus obras más ¡importantes!👇

 

 

Trabajo de investigación y producción, realizado por: 

Laura Jakulis 

Fundadora de "Atrapados por la Imagen"

Esta obra está bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivadas 4.0 Internacional.

Julio Le Parc- Arte experimental

"Julio Le Parc. Escultor y pintor argentino de ascendencia francesa. Es uno de los nombres clave del Arte contemporáneo y uno de los pioneros del Arte cinético."

Julio Le Parc nace el 23 de septiembre de 1928 en la ciudad de Mendoza,  Argentina. 
Durante el año 1942 se mudó junto a su familia a la ciudad de Buenos Aires, en 1943 ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón.
En 1958 obtiene por concurso una beca del Servicio Cultural Francés y viaja a París, donde se instaló en 1960. Allí toma contacto con la galerista Denise René, Vasarely, Vantongerloo y Francois Morellet. 
Poco tiempo después, junto a Francisco Sobrino, experimenta con la inestabilidad visual frente a secuencias y progresiones y a las posibilidades de las imágenes luz.
En 1960, con Francisco Sobrino, y otros artista, funda el GRAV (Groupe de Recherche d'Art Visuel) (Grupo de Investigación de Arte Visual).
El grupo presenta su primera exposición conjunta en el taller de Le Parc. Compone pequeñas cajas de luz con movimiento además de relieves en madera donde investiga los efectos de la luz indirecta y rasante.

La obra de Le Parc fue para su momento aún vanguardista, innovadora, audaz; en ella se utilizan como elementos de la plástica principalmente aquellos que sorprenden o que sugestionan a la mirada -y, a través de ella, al sujeto todo-.

Por otra parte, Le Parc busca involucrar absolutamente al espectador dentro de la obra; para ello recurre a iluminaciones artificiales, efectos especulares, reflejos y movimientos; por ejemplo con bandas mecánicas que se mueven por dispositivos mecánicos ocultos, el fluir de líquidos fosforescentes, el movimiento de hilos de nylon.

 

Bridget Riley: Op Art

Bridget Riley 

En nuestro Segmento de Arte de hoy presentamos  a 

Bridget  Riley 

Es una pintora inglesa, figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos. Wikipedia

Nacimiento: 1931 (edad 89 años), West Norwood, Londres, Reino Unido.

Ahora veremos el  trabajo de Bridget Riley, con sus pinturas vibrantes de patrones, el que nos produce experiencias visuales que nos hacen  percibir la realidad de una forma distinta. 

Es una de las artistas británicas más reconocidas por sus aportaciones pictóricas en las artes visuales, específicamente dentro del Op art, donde se le reconoce como una de las pioneras en este estilo de ilusiones ópticas. 

Bridget Riley es una artista quien a mediados de los años 60 destacó por sus pinturas de abstracciones geométricas en las que, a través de efectos ópticos, logró desafiar al espectador al hacerlo transitar por experiencias visuales complejas en su forma.

Se le reconoce dentro de las mejores exponentes del Optical Art pues con su obra logra que el observador se convierta en espectador activo, y por lo tanto, partícipe de la obra.

Riley adoptó en sus cuadros el uso en blanco y negro de formas geométricas simples como cuadrados, líneas y óvalos. estilo por el que se vio respaldada gracias a sus estudios sobre la percepción y los efectos ópticos así como el resultado de lo que vieron sus propios ojos.

En 1967 ella comenzó a usar color en su pintura Inspirado por el Paleta de colores egipcios antiguos,  Riley también ha explorado los efectos psicológicos de ciertas combinaciones de colores. Por ejemplo, uno de sus principales proyectos policromos fue el esquema decorativo para el interior del Royal Liverpool Hospital (1983). Esto emplea bandas relajantes de azules pastel, rosas y amarillos. 

 Las obras de Bridget Riley se han exhibido en muchas galerías prestigiosas y lugares de arte de todo el mundo, incluyendo: el Dia Center, Nueva York (2000); Tate Britain, Londres, (2003); y el Museo de Arte Contemporáneo, Sydney, (2004). Sus pinturas cuelgan en varias de las mejores museos de arte incluido el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Segmento de Arte  

Trabajo de investigación, edición y presentación:

Tesi Salado.

Administradora de Atrapados por la Imagen.

Henri Matisse: La lección de música.

La lección de música

                                       

Amigos de Atrapados  en nuestro segmentos de los domingos relativos a obras de arte de artistas famosos hoy les compartimos a :

 

Henri Matisse

y

La lección de Música 

Henri  Matisse fue un pintor francés conocido por el uso del color y por su original y fluido  dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, es reconocido ampliamente, junto con Pablo Picasso, como uno de los grandes artistas del siglo XX. Wikipedia

               Henri Matisse

  Su revolucionario uso del color cambió la pintura y encabezó una de las primeras vanguardias, el fauvismo, del que acabaría evolucionando hacia un arte personal e inclasificable.

 Tuvo influencias del  arte africano y otras culturas primitivas,pero de a poco comienza a tender a la sensualidad, el ornamento y la tradición.

Sus cuadros se exhiben en los principales museos del mundo. El 31 de diciembre de 2019 se celebró el 150 aniversario del nacimiento de un genio que usó el color en sus cuadros de un modo que no se había visto antes.

Lienzos Hiperrealistas de Robin Eley

Robin Eley, quien reside en Los Ángeles, es un experto en pintar ilusiones ópticas. Su ecléctica obra es reconocida por su precisión hiperrealista, y sus cuadros han sido exhibidos en instituciones de arte alrededor del mundo. 

Hoy compartimos su proyecto más reciente; una serie de pinturas asombrosas que parecen haber sido envueltas—pero en realidad, el plástico y la cinta fueron pintados magistralmente por el propio Eley. Cada una de estas pinturas está basada en una obra maestra que Eley ha cubierto con su peculiar técnica.

Entre sus piezas más destacadas está una versión de La noche estrellada de Vincent van Gogh en la que Eley no solo captura la técnica del maestro postimpresionista, pincelada a pincelada, sino que también añade la ilusión óptica de una película protectora que ha sido desgarrada.

También recreó el estilo art déco de la pintora Tamara de Lempicka en su interpretación de The Brilliance. 

"Cada lienzo parece estar envuelto en plástico transparente y cinta, pero el plástico está pintado. Todas sus piezas en realidad son pinturas bidimensionales que engañan a los ojos."

Eley “coloca” plástico para envolver en estas piezas como una forma de explorar la percepción de aislamiento en el mundo moderno, pues se trata de “algo a través de lo que puedes mirar, pero no puedes sentir”. 

Thomas W. Schaller - Arquitectura y Acuarelas -

"Todo arte es una forma de contar historias. Pero el arte a menudo puede hacer más preguntas de las que puede responder. Mi  trabajo es una invitación para que hagas tus propias preguntas y cuentes tus propias historias. Espero que pintar pueda actuar como una especie de puente entre un mundo y otro que permite formas de comunicación tanto personales como más universales ". 

Thomas W Schaller 
Los Ángeles - 2019

El artista Thomas W. Schaller combina su pasión por la arquitectura y el contar historias en una serie de emotivas acuarelas de paisajes urbanos. El pintor, quien originalmente estudió arquitectura, se sintió tan atraído por el imaginario de las construcciones que eventualmente dejó atrás el diseño para dedicarse de lleno a las bellas artes. 

Después de todo, sus estudios lo colocaron en un lugar ideal para producir pinturas sobre arquitectura. Así, Schaller entiende cómo diseñar estructuras y sabe qué atributos incluir y qué dejar fuera. Al mismo tiempo, el artista materializa los sentimientos que nacen cuando visitamos una ciudad por primera vez para producir piezas que son hermosas y fascinantes.

Schaller ve a sus pinturas de arquitectura como narrativas destinadas a dejar al espectador con más preguntas que respuestas. Dentro de los difusas capas de acuarela y sombras tenues, el artista se regodea en el misterio. “Mi trabajo es una invitación para que hagas tus propias preguntas y cuentes tus propias historias”, dice Schaller. “Espero que la pintura pueda actuar como una especie de puente entre un mundo y otro que permita formas de comunicación tanto personales como universales”.

Miradas fotográficas presenta a: François Gillet

François Gillet es un fotógrafo francés, (nacido el 24 de septiembre de 1949 en Balleroy, Normandía, vive en Småland, Suecia), muy conocido por sus bodegones y por sus fotografías de niños.

François Gillet estudió dibujo en la Ecole des Beaux-Arts de Caen. Se trasladó a Inglaterra para estudiar Lengua y Comercio en Bournemouth, realizó cursos de pintura en Bournemouth & Poole College of Art. Aunque su interés principal siempre había sido pintar, a finales de los años 60, realizó un curso de fotografía de tres años en el mismo colegio.

Pronto le fascinó el medio. Trabajó duro y consiguió el premio al mejor estudiante cuando se graduó en 1971. Con poco más de 20 años se mudó a Suecia, trabajando por primera vez como fotógrafo en el Institutet för Färgfoto de Malmoe, donde permaneció durante tres años, trabajando a comisión y experimentando mucho. Fue entonces cuando adoptó la cámara de gran formato como su principal herramienta.

Su trabajo personal le introdujo en el mundo de la fotografía en Estocolmo y la agencia de publicidad Arbman,
(la agencia creativa líder en Escandinavia en ese momento),
le proporcionó su propio estudio en Estocolmo.

Su hija pequeña se convirtió en una nueva fuente de inspiración para él, fascinado por sus ojos recién abiertos al mundo, cuando en 1974 fue contactado para ilustrar, con una gran libertad para la creatividad, un producto rejuvenecedor de Johnson & Johnson en Suecia. La foto de su hija para la campaña fue un éxito y luego se vendieron más de 2 millones de copias como póster. Tras el éxito de esta imagen, se iba a convertir en un especialista en fotos de niños, pero no quiso entrar en una categoría especializada y permanecer en ella el resto de su vida.
Luego siguieron muchas campañas premiadas en Suecia y Noruega. Después de varios portafolios en la revista Zoom, comenzó a trabajar internacionalmente para clientes como Fuji, Silk-Cut, Korean Airlines, bodegas Brown Brothers, Bonne Maman, Orrefors, …






En el año 2000 trasladó su estudio a Gåsö, una pequeña isla en el archipiélago de Estocolmo donde podía encontrar más fácilmente no solo la armonía que necesitaba, sino también las piezas del rompecabezas que armaba lentamente. Empezó a trabajar esencialmente en sus propios proyectos, viajando 4 veces a Australia y realizando diversos proyectos relacionados con este continente austral.

En 2014 se mudó Småland en Suecia, pasando los inviernos en Marruecos. Mantiene un estudio en ambos lugares.

Referencias

su página web francoisgillet.myportfolio.com (EN [+300f]),

La Galerie de François Gillet (FR [17f]),

François Gillet en behance (EN [?f]),



François Gillet en artipolis (EN [42f]),