DOMINGOS DE CURIOSIDADES. HOY, LOS GIRASOLES, DE VAN GOGH

LOS GIRASOLES DE VAN GOGH, LA OBRA MAESTRA DE LA ALEGRÍA

Las obras más famosas de la historia del arte siempre están rodeadas de mitos, incógnitas y aspectos por descubrir. "Los Girasoles" de Vincent Van Gogh posiblemente figure entre las pinturas más reconocidas de la historia. Y si bien data de fines de 1800, es decir no es demasiado tiempo comparado con obras del renacimiento, hay muchas cosas por develar en torno a ella.

Hoy en Domingos de Curiosidades, voy a contarte algunas cosas en relación a esta maravillosa obra que, tal vez, no conocías.

UN POCO DE HISTORIA

Una de las obras más célebres de Vincent van Gogh y del Impresionismo es, sin duda, "Los Girasoles". Estas icónicas flores marchitas en un jarrón son fruto de un período frenético de trabajo en Arlés, a finales del verano de 1888, mientras Vincent esperaba la llegada de su colega Paul Gauguin para fundar una colonia de artistas. Estos girasoles no son un solo cuadro, en realidad son una serie de pinturas, siete en total, muy parecidas pero con detalles que las distinguen unas de otras.

Su característica más llamativa es el color amarillo predominante en todas ellas que, refleja el estado de ánimo del artista en aquella época. A través de este color y estas flores, Van Gogh pretendía mostrar su felicidad y su gratitud, por la llegada de su amigo Gauguin. Pero "Los Girasoles" son también un revolucionario experimento de color y de técnicas que rompieron algunas de las reglas de la pintura de la época y que, incluso, iba contra los propios preceptos impresionistas... Y  ocultan, además, algunos sorprendentes detalles que pasan desapercibidos a simple vista.

A mediados de verano, Van Gogh se entregó a un ritmo frenético de trabajo. En una carta a su hermano Theo le contaba que ya tenía "tres lienzos en proceso: tres flores grandes en un jarrón verde, fondo claro; tres flores, una flor que se ha ido a la semilla y ha perdido sus pétalos y un capullo sobre un fondo azul real; doce flores y capullos en un jarrón amarillo". Son las tres primeras pinturas de la serie de girasoles. 

Pocos días después de la primera carta mencionando los girasoles, Van Gogh explicaba en otra misiva a su hermana, Willemien, que estaba trabajando en una cuarta versión: "un cuadro todo en amarillo de girasoles,14 flores, en un jarrón amarillo y sobre un fondo amarillo, es otro más, además del anterior con 12 flores sobre un fondo azul verdoso".

La idea de Van Gogh era hacer una docena de versiones de girasoles, pero finalmente, tras la llegada de Gauguin, que se demoró hasta octubre, los problemas entre ambos no tardaron en surgir. Las discusiones y peleas abundaron y todo acabó con el famoso episodio de la autolesión de Van Gogh cortándose la oreja y con Gauguin marchándose de Arlés y dejando a su amigo en el hospital sumido en una depresión. Más adelante, en enero de 1889, Van Gogh realizaría, en sus propias palabras, tres "copias absolutamente iguales e idénticas".  Dos de ellas, conservadas en el Museo Van Gogh de Amsterdam, y en la Galería Sompo de Tokio, fueron realizadas sobre la versión de 14 girasoles. La tercera pertenece al Museo de Arte de Filadelfia. Se trata de una copia del jarrón con 12 flores pero que a su vez constituye, como las otras dos, una obra nueva y original con colores y matices propios.

“El girasol es mío” dijo una vez Van Gogh. Para Vincent, los girasoles eran un símbolo de gratitud y por ello su deseo de ofrecérselos a Gauguin cuando llegara a Arlés. Pocos artistas artista han sido tan estrechamente asociados con una flor. Tras su muerte, durante su funeral, sus allegados arrojaron girasoles a su tumba y Gauguin, reconocía que admiraba los girasoles de Van Gogh: "Tus girasoles sobre fondo amarillo, que considero una página perfecta de un estilo 'Vincentiano' esencial", le escribiría.

Durante su estancia en Arlés, Gauguin ejecutó este retrato de su amigo Vincent pintando una de sus versiones de "Los Girasoles". Se trata de una recreación, puesto que durante las semanas que ambos artistas compartieron en el estudio de la Provenza, la época de girasoles ya había acabado y Van Gogh estaba con otros trabajos.

El pintor realizó las cuatro primeras versiones de sus girasoles en tan solo una semana, antes de que las flores se marchitaran. En la versión de la National Gallery, Van Gogh captó la textura de las flores desde el brote joven hasta la madurez y la descomposición y muerte final. El capullo de la esquina inferior izquierda aún no ha alcanzado la plena floración, siete flores están en plena floración y las otras siete han perdido sus pétalos y se están convirtiendo en semillas. Puede apreciarse claramente el distinto grado de sequedad y deterioro de cada una de ellas.

En sus cartas, Van Gogh siempre se refería a las dos pinturas realizadas en agosto como 13 y 14 girasoles en un jarrón, pero ya a primera vista el observador puede contar hasta 14 girasoles en la primera, la de la Neue Pinakhotek, y 15 en la segunda. Esto no se debe a que hubiera dos pinturas originales más perdidas, sino a que el propio pintor modificó en algún momento sus obras para añadir elementos nuevos. Las tres copias "idénticas" que realizaría más tarde en 1889 también cuentan con 13 y 15 girasoles, respectivamente.

Van Gogh no solo fue un revolucionario del color, también de la técnica. En todas las versiones de "Los Girasoles" aprovechó al máximo las posibilidades de las pinturas artificiales modernas para crear empastes a través de pinceladas gruesas que dieran un cierto relieve a la pintura. En la foto debajo de estas líneas  se puede apreciar la gran "rugosidad" de los girasoles colgados de las paredes de la National Gallery.

Van Gogh decía sobre su frenético ritmo de trabajo: "Si llevo a cabo esta idea, habrá una docena de pinturas. Así que todo será una sinfonía en azul y amarillo". Si bien en sus primeros girasoles el turquesa helado del fondo realza enormemente los tonos amarillos y ocres de las flores y el jarrón en la nueva versión decidió pintar "un cuadro todo en amarillo", girasoles, jarrón y pared. El pintor no utilizaba el color para simplemente imitar la naturaleza, sino que para él era un medio de expresar sus emociones. En este sentido, el amarillo evocaba a Van Gogh la idea de un luminoso verano y una vida resplandeciente que parecía abrirse ante él en la Provenza. Como él mismo reconocía: "la mayoría de los pintores, como no son coloristas propiamente dichos, no ven esos colores allí, y declaran que un pintor que ve con otros ojos que los suyos está loco". 

El radicalismo cromático de "Los Girasoles" de Van Gogh alcanzó su máxima expresión en la copia que actualmente se exhibe en el Museo Van Gogh de Amsterdam. Esta pintura presenta trazos más esquemáticos, tal vez porque Van Gogh tenía clara la composición final. En la copia de Amsterdam, el pintor agudizó todavía más, si cabe, la preponderancia del color amarillo, y aún así logró crear fuertes contrastes de tonos que diferencian perfectamente los distintos elementos de la pintura.

"Los Girasoles" del Museo Van Gogh podrían considerarse una versión "mejorada" de los de Londres. Vincent añadió un listón en la parte superior, que se intuye en esta imagen de detalle, para dar un poco más de aire a la composición y como ya tenía clara la disposición utilizó mucha menos pintura y empastes. En los bulbos superiores se observan claramente pequeñas zonas de tela vacías, esto se debe a que en la pintura de Londres añadió muchas flores sobre el fondo amarillo, pero en esta ya dejó los espacios vacíos para pintarlas, por lo que necesitó mucha menos pintura y empastes.

Una de las consecuencias del uso de pinturas sintéticas además de extremar los colores, ha sido, a la larga, el cambio radical de tonalidades de las pinturas a lo largo de más de un siglo. La oxidación y degradación de los materiales que componían los óleos usados por el pintor han dado lugar a que el aspecto original de la obra fuera totalmente diferente a cómo lo vemos hoy en día. Según los estudios llevados a cabo por el Museo Van Gogh de Amsterdam, el aspecto original de la pintura que cuelga en sus paredes debería ser algo parecido a la recreación de la derecha, mucho más en la línea de lo que expresó el propio Van Gogh sobre una pintura completamente amarilla. En la actualidad vemos unos tonos más apagados que transmite una sensación de serenidad y sosiego.

La serie "Los Girasoles" de Vincent van Gogh no solo adorna las paredes de los museos, sino que sigue siendo un enigma fascinante que despierta grandes interrogantes sobre su significado profundo. Esta célebre pintura,  refleja la conexión única entre el artista y la flor y se complementa con sus propias palabras: “El girasol es mío,  subrayando el vínculo personal y artístico que le otorga un sentido especial a esta obra maestra.

El legado de "Los Girasoles" trasciende el tiempo, inspirando a artistas y evocando temas universales.

Idea, Investigación y Edición: Isa Santoro

Administradora de Atrapados por la Imagen

 

Esta obra está bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivadas 4.0 Internacional.

DOMINGOS DE CURIOSIDADES. HOY. LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA, DE SALVADOR DALÍ.

 LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA, DE SALVADOR DALÍ

Uno de los artistas más creativos del surrealismo fue Salvador Dalí. Inspirándose en sueños y alucinaciones, Dalí produjo algunas de las pinturas más notables que definieron el movimiento surrealista. Su pintura más relevante, y una de las obras de arte más famosas de la historia es, sin duda, "La Persistencia de la Memoria" , donde sus icónicos relojes derretidos se convirtieron en un símbolo reconocido de inmediato.

Hoy en Domingos de Curiosidades te voy a contar la historia de esta obra y  algunos datos curiosos que , tal vez, no conocías.

Pintada en 1931, "La persistencia de la memoria" es la pintura surrealista más célebre de Salvador Dalí.  Este óleo sobre lienzo es una de las obras más reconocibles del surrealismo y se resume fácilmente en dos palabras: relojes derretidos.

Siendo una pintura universalmente reconocida y frecuentemente referenciada en la cultura general a lo largo de los años, "La Persistencia de la Memoria" ha recibido diversos títulos para reconocerla. Fácilmente identificables por nombres como "Los Relojes Blandos" y "Los Relojes Derretidos", elementos de esta obra de Salvador Dalí se han convertido en íconos por derecho propio. A pesar de su tamaño, ya que, el lienzo mide tan solo 24 cm por 33 cm, "La Persistencia de la Memoria" ha alcanzado gran fama desde su creación.

Considerada como representativa de todo el movimiento surrealista, "La Persistencia de la Memoria" atrae a numerosos visitantes de todo el mundo. Al representar un mundo onírico donde los objetos cotidianos se distorsionan y se presentan de forma inusual e ilógica, Dalí logró dar vida a un paisaje inquietante con una precisión desconcertante.

Al imaginar cómo se derretiría un reloj, la representación de Dalí de los relojes caídos, alargados y distorsionados captura con precisión, cómo se verían posiblemente.

En un esfuerzo por materializar las imágenes irracionales que veía en sus estados alucinatorios, Dalí creó un dominio pictórico que ejecutó técnicas surrealistas con increíble precisión. Se decía que esta precisión hacía tan surrealista "La Persistencia de la Memoria" , ya que en lugar de representar un mundo imaginario con pinceladas apresuradas y colores caprichosos, Dalí pintó objetos cotidianos de formas desconocidas.

"La Persistencia de la Memoria" es una pintura increíblemente única, pues Dalí logró difuminar con maestría la línea entre la realidad y la fantasía mediante su fluida integración de lo real y lo imaginario. Al fundir objetos en su pintura de una manera increíblemente realista, Dalí crea una sensación de incertidumbre en sus espectadores, ya que, el mundo de la realidad queda completamente desacreditado.

Sin embargo, esta pintura de relojes derretidos no se asemeja simplemente a una alucinación disparatada. De hecho, mediante su método paranoico-crítico, Dalí alucinó toda la escena antes de pintar lo que vio, lo que le permitió crear algo completamente Daliniano. Así, "La Persistencia de la Memoria" existe como una especie de fotografía onírica diseñada deliberadamente para confundir la mirada del espectador mediante imágenes hiperrealistas yuxtapuestas a escenas imposibles y oníricas.

La imagen muestra la escultura de bronce de Salvador Dalí titulada, "Perfil del Tiempo" (también conocida como "Profile of Time"). 

Esta escultura evoca la famosa pintura de Dalí de 1931, "La Persistencia de la Memoria", conocida por sus icónicos relojes derretidos. 

"Perfil del Tiempo" es una de las esculturas de bronce que Dalí realizó entre 1975 y 1984. 

La escultura presenta un reloj derretido que se funde sobre un árbol, formando un perfil humano, lo que subraya la relación eterna entre el hombre y el tiempo. 

Dalí quería mostrar que la percepción del tiempo es subjetiva y puede variar considerablemente en la experiencia humana, a diferencia de la rigidez del tiempo cronométrico. 

LA HISTORIA DE LA "PERSISTENCIA DE LA MEMORIA"

Demostrando su profundo dominio de los elementos del surrealismo, "La Persistencia de la Memoria" fue pintada cuando Dalí tenía tan solo 27 años. Esta icónica representación de relojes derritiéndose, una de sus primeras obras, se dice que se inspiró en "El Jardín de las Delicias" , pintado por El Bosco entre 1490 y 1510.

Además, ésta también fue la primera pintura que Dalí creó con éxito, utilizando su método paranoico-crítico, ya que representaba sus propios conflictos psicológicos y fobias.

Este método, creado por Dalí en 1930, se consideraba muy peculiar. En esencia, se trataba de una técnica que se basaba en la paranoia y las alucinaciones autoinducidas para su formación, lo que a su vez facilitaba la creación de una pintura. Considerado bastante vanguardista en su época, este método se convirtió en algo fundamental en la creación de la mayoría de las obras de Dalí, ya que le permitía crear con precisión "fotografías oníricas pintadas a mano" que, a la vez, se fundían en el realismo y la fantasía.

"La Persistencia de la Memoria" se pintó en el auge del movimiento surrealista, donde los relojes derretidos encarnaban eficazmente las cualidades y sentimientos que definían este género experimental y excéntrico. En aquella época, otros surrealistas exploraban el concepto de automatismo, desarrollado por el cofundador del grupo, André Breton. La audaz aproximación de Dalí al movimiento se consideró algo extrema, ya que demostraba su inclinación por retratar temas peculiares que evocaban sueños y desafiaban la percepción.

Esta obra maestra del reloj derretido permitió a Dalí sumergirse profundamente en su mentalidad artística, que consideraba innovadora y libre.

Dalí creía que, el surrealismo era bastante destructivo; sin embargo, solo destruyó lo que se consideraba una limitación a la visión. Esto le permitió liberarse de cualquier restricción y sumergirse por completo en sus atmósferas oníricas, lo que contribuyó a su creación de "La Persistencia de la Memoria", en tan solo cinco horas.

ANÁLISIS DE LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA

En esta famosa obra de Salvador Dalí, lo que verdaderamente inspiró esta pintura, aún es objeto de debate; muchos historiadores del arte han debatido sobre ello a lo largo de los años. En cierto momento, Dalí mencionó, de forma ridícula, que, de hecho, el queso Camembert lo influyó al pintar La Persistencia de la Memoria , siendo esta la única información que ofreció sobre su obra.

La obsesión de Dalí con las teorías de Freud sobre el inconsciente y su capacidad para acceder a los impulsos y delirios ocultos de la mente humana se aprecia en esta pintura. El miedo instintivo a la muerte se alude así en La Persistencia de la Memoria , ya que el paisaje onírico y a la vez extraño que Dalí creó, evoca sentimientos de incertidumbre y aprensión en el espectador, pues nada es lo que parece.

Con una profunda convicción en la teoría de Freud, Dalí se autoindujo alucinaciones al pintar La Persistencia de la Memoria y pintó lo que veía con gran detalle, a pesar de que sus alucinaciones a menudo lo aterrorizaban. Negándose a desviarse de sus visiones, esta obra de relojes derretidos está repleta de iconografías y características surrealistas que requieren un análisis exhaustivo para comprender la intención de la pintura de Dalí.

Como cada objeto de esta fotografía onírica estaba lleno de elementos del surrealismo, todos representaban algo significativo para Dalí.

En un esfuerzo por plasmar sus sueños en la realidad, Dalí empleó métodos únicos a los de cualquier otro artista, lo que contribuyó a hacer de, La Persistencia de la Memoria una obra verdaderamente extraordinaria. 

RELOJES DERRETIDOS

El objeto más conocido de La Persistencia de la Memoria es la representación de Dalí de los relojes derretidos. Con frecuencia llamados "relojes blandos" por muchos otros surrealistas, estos relojes se encuentran dispersos por la composición y se decía que representaban la teoría de Dalí sobre la suavidad y la dureza, un principio central de su pensamiento en aquella época.

Con los relojes aparentemente flácidos y simplemente apoyados sobre otros objetos, su blandura demuestra que el concepto de tiempo, duro y sólido, pierde todo significado en el mundo inconsciente. Dalí lo indicó aún más, al llamar a sus relojes, el "Camembert del tiempo", lo cual carecía por completo de sentido. Además, se decía que la yuxtaposición de lo blando y lo duro representaba las diferencias entre la realidad y la fantasía, ya que la interpretación ilógica de Dalí de los objetos reales los invalidaba.

Al representar los relojes como si gotearan, Dalí experimentó con el concepto de expectativas, pues el espectador espera ver un reloj sólido y bien construido que marque el tiempo con precisión. En cambio, nos encontramos con una versión fundida que subvierte esta expectativa y carece de sentido, ya que se representa algo muy alejado de la apariencia que debería tener un reloj.

Dentro de esta escena onírica, con los números y las manecillas del reloj fundiéndose en sí mismos, no hay duda de que el concepto de tiempo no funciona de manera ordinaria y confiable.

Siendo el objeto más memorable de La Persistencia de la Memoria , los relojes derretidos son únicos en la obra de Dalí. Cuando se le preguntó si sus relojes se inspiraron en la teoría de la relatividad de Albert Einstein, Dalí simplemente respondió que eran una percepción surrealista del queso derritiéndose al sol. A medida que este motivo se volvió tan memorable, Dalí lo reincorporó a diversas pinturas a lo largo de su carrera, como La desintegración de la persistencia de la memoria (1952-1954).

FORMA ANTROPOMÓRFICA

Se dice que es un autorretrato de Dalí. Esta figura de aspecto humano, recostada en el centro de la pintura, ha sido objeto de un intenso debate. Si bien se ha especulado con la posibilidad de que algunos elementos de la figura distorsionada representen a Dalí, también se la ha comparado con un extraterrestre o un monstruo. Completamente inmóvil, un reloj flácido parece cubrir la espalda de la figura, evocando la imagen de una silla de montar.

Conocido por sus autorretratos poco convencionales, esta forma bien podría ser una representación parcial de Dalí, ya que muestra algún tipo de parecido.

En la parte superior de la figura se distingue una nariz que apunta hacia la parte inferior de la composición, con un ojo cerrado a su lado. Justo debajo, se aprecian unas pestañas agrandadas que ocupan la mayor parte del lado izquierdo de la figura.

Dalí continuó utilizando esta forma antropomórfica en varias de sus otras pinturas, y siempre se creyó que lo representaban a él mismo. La abstracción de la forma le permite integrarse bien en el fondo surrealista y onírico, ya que ninguno de los demás objetos parece tener sentido lógico. Por lo tanto, esta figura deformada bien podría ser Dalí, al igual que los relojes derretidos ya no marcan la hora.

Con el ojo de la figura también cerrado, se puede asumir que también se encuentra en estado de sueño. Se decía que esto representaba la experiencia que Dalí tuvo mientras alucinaba, siendo esta extraña criatura producto de sus visiones y delirios. El reloj que sostenía la figura demostraba que la persistencia del tiempo siempre perdura, tanto si uno estaba despierto como si soñara. Aunque quizá nunca sepamos si esta figura es un autorretrato de Dalí, es la respuesta más popular, dado su interés por explorar su propio subconsciente en su arte.

HORMIGAS CONGREGADAS

La inclusión de hormigas en La Persistencia de la Memoria fue importante, ya que representaban el concepto de decadencia, frecuentemente abordado en otras obras de Dalí. Al verlas arrastrándose sobre el único reloj de bolsillo que ha permanecido intacto y, por lo tanto, conservando su estructura, la noción de deterioro parece absurda, ya que el metal no se descompone.

Las hormigas tienen un significado especial para Dalí, ya que sus tendencias destructivas fueron exploradas de diversas maneras en sus obras de arte.

Representadas en la parte superior del reloj de bolsillo, se puede suponer que buscaban cualquier migaja de sustento para mantenerse con vida. Esto resalta aún más lo absurdo del reloj, ya que un reloj de metal no puede sustituir la comida. Comparadas con la mosca, señal de enfermedad, posada sobre el reloj derretido de arriba, las hormigas pueden reconocerse fácilmente como agentes de destrucción.

Quizás la descomposición que representan estas hormigas se refería a su propio deterioro, ya que sin alimento morirían. Pintadas con detalles hiperrealistas , el grupo de hormigas parece trepar frenéticamente sobre el reloj en un intento de encontrar algo. Tanto el grupo de hormigas como el reloj de bolsillo que aparece sobre la plataforma se consideran extraños. El grupo de hormigas representa al único grupo dentro de La Persistencia de la Memoria , y el reloj de bolsillo cerrado es el único reloj boca abajo en toda la composición.

Se ha especulado que este reloj de bolsillo naranja fue una adición posterior a la obra, para realzar su importancia. Sin embargo, como Dalí nunca ofreció una explicación para su pintura, esto siempre será una teoría. El intenso tono naranja ayuda a destacar las hormigas, ya que sus cuerpos negros contrastan marcadamente con el color brillante. Si bien no hay motivos para creer que el reloj de bolsillo y las hormigas se añadieran al final, la claridad con la que fueron pintadas demuestra su importancia para Dalí.

PAISAJE FAMILIAR

Aunque el paisaje agreste del fondo de La Persistencia de la Memoria pueda parecer una formación rocosa natural y común, en realidad se inspiró en Cataluña, la tierra natal de Dalí. Más concretamente, la difusa línea costera que se aprecia al fondo de esta pintura se inspiró en la península costera del Cap de Creus, cercana a la residencia de Dalí.

A pesar de esta conexión con el fondo, se dijo que la razón principal de Dalí para utilizar un escenario tan vacío fue crear un espacio visual claro para la historia surrealista que se estaba desarrollando.

Se creía que la sombra triangular que parece extenderse por el lienzo era una referencia al monte Pani, que se veía repetidamente en diversas de sus otras pinturas. La sombra que encapsula la mitad de la composición crea un efecto amenazador, pues uno tiene la sensación de que algo extraño está sucediendo.

Como el paisaje de, La Persistencia de la Memoria se basaba en la ciudad natal de Dalí, se decía que su representación incluía un fragmento de Dalí  , además de la figura antropomórfica que se creía era un autorretrato suyo. Esto le dio a la obra un carácter increíblemente personal, ya que se apreciaban numerosas referencias a Dalí en esta escena onírica.

Dentro del paisaje, casi no aparecen elementos. Un olivo aparentemente muerto crece sobre una enorme plataforma cuadrada, mientras que otra plataforma se ve más cerca del agua. Se creía que el árbol sin vida reflejaba la naturaleza monótona y deslucida de este paisaje onírico, ya que nada tenía la capacidad de crecer y prosperar. En lugar de crecer, el único propósito del olivo en esta composición era sostener uno de los relojes derretidos.

 

EL SIGNIFICADO DE LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA

Lo que hace de La Persistencia de la Memoria una obra tan intrigante es que Dalí nunca ofreció una explicación para su pintura. Por lo tanto, todos los análisis que se han hecho sobre ella a lo largo de los años no son más que conjeturas, ya que nadie puede confirmar ni negar estas teorías.

Se dice que Dalí dio una conferencia en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde habló sobre el significado de La Persistencia de la Memoria . En lugar de aclararlo, Dalí simplemente afirmó que los espectadores debían estar tranquilos si les resultaba difícil comprender la obra, ya que él mismo desconocía su significado.

La Persistencia de la Memoria de Salvador Dalí no es solo una pintura; es una sinfonía de lo surreal. Mientras los relojes se derriten y el tiempo se disuelve, Dalí nos invita a cuestionar nuestra comprensión de la realidad y abrazar los paisajes oníricos que acechan en los recovecos de nuestra conciencia. Es un viaje por los corredores surrealistas de nuestras mentes, guiado por la mano de un maestro que desafió las limitaciones cronometradas del tiempo.

 

Idea, Investigación y Edición: Isa Santoro

Administradora de Atrapados por la Imagen

                          

 

Esta obra está bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivadas 4.0 Internacional.

DOMINGO DE CURIOSIDADES. HOY. "EL BESO", DE GUSTAV KLIMT

 EL BESO

EL "ESCANDALOSO" SÍMBOLO DEL AMOR DE GUSTAV KLIMT

En 1909, el pintor austriaco Gustav Klimt terminó "El beso", una apasionada escena de amor, que con el tiempo se ha convertido en su obra más icónica. La obra y la vida de este vanguardista artista estuvieron rodeados de polémica y escándalos y los puritanos y conservadores círculos artísticos calificaron su estilo de "pornográfico".

Klimt creó su más obra famosa  en un momento de pánico creativo.

En 1907, tal vez para recuperarse de la mala recepción de sus frescos de Viena, Klimt pintaba con furia, pero dudaba de su trabajo. Confesó en una carta: "O soy demasiado viejo, o demasiado nervioso o demasiado estúpido, algo debe estar mal". Pero al poco tiempo, comenzaría la pintura que sería su obra más popular.

El beso es la culminación del particular y rompedor estilo artístico de Klimt, que se caracteriza por sus personajes lánguidos, una característica combinación de las dos y las tres dimensiones y el uso de materiales como el oro, que recuerda a las imágenes bizantinas. Una imagen convertida en un símbolo universal del amor.

Gustav Klimt fue uno de los fundadores y máximos exponentes de la denominada Secesión Vienesa, un movimiento que podría englobarse dentro del Art Nouveau o Modernismo que buscaba la ruptura con los gustos tradicionales de la Academia Austriaca. 

Vendida por un precio récord

"El beso" se exhibe en la Galería Belvedere de Viena, donde está tomada la fotografía sobre estas líneas. La obra fue adquirida por la pinacoteca incluso antes de que Klimt la finalizara. La Austrian Gallery había mostrado la pintura inacabada en 1908 y los responsables del Museo Belvedere no duraron en adquirirla por la cifra récord de 25.000 coronas. Hasta la fecha, el cuadro más caro en Austria había costado alrededor de 500 coronas.

¿Modelos reales?

Sobre los modelos que usó para los personajes de su pintura se ha especulado mucho. Se dice que el hombre sería el propio pintor y que la mujer podría ser su esposa (y musa) Emilie Flöge. Pero también hay quien sostiene que el personaje femenino estaría basado en una de sus innumerables amantes, apuntando el nombre de Adele Bloch-Bauer (a la derecha) como candidata.

Un beso decoroso

A diferencia de los murales de la Universidad, la imagen representada en El beso puede considerarse bastante casta. Los dos protagonistas van completamente vestidos y tal vez lo que transmita algo de erotismo sea el apasionado beso y el rostro sereno de la mujer, que enfatiza la intimidad de la escena. 

Estilo único

Si por algo destacó Gustav Klimt por encima de sus colegas de la Secesión de Viena fue por su particular estilo que llevaba al extremo la representación de figuras lánguidas y combinaba de forma magistral las dos y las tres dimensiones. En la zona del abrazo, las manos del hombre parecen salir de la nada y contrastan con la figura "plana" de la cabeza de la mujer.

Diferencia en las telas

Las dos dimensiones aplanan los límites entre ambos personajes, pero un detalle que aa veces pasa desapercibido es que en la túnica del hombre predominan los motivos rectangulares, mientras que la ropa de la mujer está decorada con decoraciones circulares. Hay teorías que apuntan a que Klimt, obsesionado por los avances científicos, se habría inspirado en los recientes descubrimientos celulares y sobre los grupos sanguíneos.

Amor en el prado

Los amantes se abrazan en un prado lleno de coloridas flores (símbolo del amor y el romanticismo) al borde de un precipicio, que queda difuminado por la especial perspectiva de la obra.

Oro y plata

"El beso" es el apogeo del Período Dorado de Klimt. . El pintor usó con profusión el oro y la plata, materiales poco usados en la pintura (que asocian sus pinturas a las imágenes bizantinas) puede apreciarse en este detalle de "El beso".  

Firma con letras de oro

El cuadro brilla como una joya, porque en sí, es una joya. El uso de metales preciosos iba más allá de la propia pintura. Klimt usó oro para firmar también la obra. Un escueto Gustav Klimt en la parte inferior izquierda de su lienzo.

"El beso" de Klimt es quizás una de las obras más románticas del mundo del arte. Ver al hombre y a la mujer, dos universos representados en la obra como contrapuestos, fusionarse gracias al poder del amor es algo profundamente romántico y verdadero, porque es universal. Al observar este espacio indefinido, envuelto en un aura casi mística, uno tiene la sensación de que el tiempo y el espacio ya no existen.

La imagen de la mujer, en total abandono, que se entrega por completo a la fuerza del eros, tiene un poder tan sobrecogedor e intenso que da un sentido profundo a la vida.

Idea, investigación y edición: Isa Santoro

Administradora de Atrapados por la Imagen

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DOMINGOS DE CURIOSIDADES. HOY, EL "GUERNICA", DE PABLO PICASSO, SEGUNDA PARTE.

El "Guernica" de Picasso paso a paso.

Dora Maar, la pareja de Picasso, cuando pintó su obra maestra, fotografió todo el proceso de creación de esta joya expuesta actualmente en el Museo Reina Sofía de Madrid.

La primera imagen del Guernica

Apenas unas líneas marcaron el principio de esta fabulosa obra de arte que representa el sufrimiento y el dolor, y que supone un alegato directo contra las guerras. El 1 de mayo Picasso realizó los primeros bocetos y el 4 de junio la terminó. Poco más de un mes para crear una obra maestra. 

 

Un Guernica muy primigeneo

Lo primero que sorprende del "Guernica" es su extraordinario tamaño. Los 3,49 metros de altura por los 7,77 metros de ancho lo convierten en uno de los cuadros más grandes pintados por el artista malagueño. Un auténtico gigante que magnifica más aún, si cabe, la obra. 

En blanco y negro

Un cuadro de estas características en color quizá no tuviera en el espectador el mismo efecto que el "Guernica" consigue actualmente. El mismo Picasso expresó que deseaba que el cuadro expresara, “oscuridad y brutalidad”. Y la ausencia del color permite otorgarle al cuadro estos atributos esenciales a la obra.

El "Guernica" va tomando forma

El cuadro fue un encargo del Gobierno de la Segunda República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París. Inmediatamente se convirtió en un alegato contra las guerras y un símbolo de los movimientos pacifistas de todo el mundo. 

Detalle de la creación del "Guernica".

En esta fotografía detalle de la obra, podemos ver de cerca el caballo agonizante que finalmente cambiaría de forma y, sobre todo, de posición, situándose finalmente en la zona superior del mismo.

Figuras definidas

En este punto de la elaboración del cuadro, los elementos ya se mantendrán en su mayoría en la posición y forma que podemos ver actualmente. Sin embargo todavía muchos de los detalles de las caras tardarían un poco más en definirse.

El caballo al centro

Lo que inicialmente sería un ramo de flores alzado por un puño se convierte a partir de este punto en una luz en la zona superior. Además, el caballo agonizante se sitúa en una posición central de la obra, adquiriendo una gran importancia en la misma.

Aparece la bombilla

Muchos pequeños cambios llegaron en este momento. La posición del cuerpo del toro, la mirada del cuerpo tendido en la parte inferior del cuadro, los personajes de la parte derecha y, sobre todo, la aparición de una bombilla en la parte superior. Este elemento ha sido interpretado de distintas formas por los expertos. El desarrollo, la esperanza, la providencia... Sea como fuere es uno de los elementos más famosos de la obra.

El resultado final

En la última foto de la serie de imágenes de Dora Maar , podemos ver el aspecto que tiene ahora mismo el cuadro, pero cuando estaba en el taller de Picasso en Grands Agustins de París, en 1937. A la Exposición Universal de París no llegó hasta el 12 de julio, casi dos meses y medio después de que se inaugurara. Y cambió para siempre el pabellón español y el mundo del arte. 

Picasso trabajando en el Guernica

En esta curiosa imagen del reportaje de Dora Maar vemos trabajar al pintor malagueño en su obra más conocida.

El curioso estilo de Picasso

Existen muy pocas fotografías que muestren cómo desarrolló Picasso el "Guernica". En esta curiosa imagen lo vemos pintar a dos manos, aunque el instrumento que sostiene con la mano izquierda no se distingue.

Dora Maar. Reportaje sobre la evolución del "Guernica". Taller de Picasso en Grands Agustins, París 1937. 

¿Pero, qué significan los elementos del "Guernica" de Pablo Picasso, símbolo cultural del siglo XX?

El cuadro de Picasso ha suscitado numerosas interpretaciones a lo largo de su historia. Una de las más conocidas es la llevada a cabo por el historiador de arte inglés, Anthony Blunt, que analizó el significado de los 9 personajes que conforman el "Guernica".