Atrapados por la Imagen es un espacio donde las historias encuentran su forma, ya sea en palabras, en fotos o en la mezcla mágica de ambas. Somos una página editorial que apuesta por la sensibilidad, la mirada personal y el disfrute de contar. ¡Bienvenidos!
"No tomo fotos de la vida como es, sino de cómo me gustaría que fuera la vida"
Robert Doisneau.
Robert tomó miles de fotografías que se esfuerzan por captar el pulso de la vida parisina. Al igual que su contemporáneo Brassaï, para Doisneau no hay nada mejor que caminar por las calles sin saber qué lugares iba a encontrar.
El trabajo Doisneau ha tenido una enorme influencia sobre muchos fotógrafos y directores de cine.
Entre sus influencias podemos encontrar el trabajo de Man Ray y de algunos otros fotógrafos del siglo XX como Henri Cartier-Bresson y Robert Capa.
Trabajó y se hizo amigo de varios artistas, entre los cuales uno de los más conocidos es Picasso, el cual es el protagonista de una de sus fotos «Picasso y los panes» con un toque muy personal y humorístico.
Robert Doisneau nació en 1912 en Gentilly, en el Val-de-Marne, cerca de París. Estudió grabado y litografía y se fue a trabajar a un estudio de fotografía y publicidad en 1930. Empezó a trabajar para André Vigneau en 1931 como su camarógrafo, y luego se unió a la fábrica de Renault en Billancourt en 1934 a trabajar como fotógrafo industrial y publicitario.
Doisneau fue despedido en 1939 por llegar siempre tarde y se unió a la agencia de fotos Rapho para tomar algunas de sus primeras fotografías callejeras profesionales. Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, sin embargo, fue llamado a servir en el ejército francés durante un año antes de trabajar para la resistencia falsificando documentos y ayudando a los fugitivos de guerra hasta 1945.
Al final de la guerra se unió a la Alianza Foto Agencia de Prensa, pero volvió a Rapho un año después. En 1949 se incorporó como fotógrafo de moda, donde permaneció durante tres años antes de ir por cuenta propia. En la década de 1960 viajo a E.E.U.U para hacer un reportaje en Palm Springs. Después de eso volvió a París en donde hizo más fotografías de la ciudad y publicó un libro con su trabajo.
Robert Doisneau murió en 1994, un año después de que su famosa fotografía volviera a la fama por la polémica de los derechos de autor, donde se descubrió que fue un posado. Aún así es una fotografía magnífica que quedará para la historia de la fotografía, pero esa es otra historia...
La Intensidad De Lo Cotidiano
Trabajo de Investigación y edición realizado por Laura Jakulis
Eve Arnold se consolidó como fotógrafa estrella cuando trabajó para la revista Life y para la revista Time, publicaciones que la lanzaron al apogeo. Este éxito lo alcanzó con fotografías a personajes públicos como el Senador McCarthy o el General Eisenhower.
Todas sus imágenes se caracterizan por la intimidad en las que eran tomadas, motivo que las hace tan seductoras. Por otro lado, también desarrolló reportajes sociales en los que se presenciaba el machismo de la época. Su defensa hacia las mujeres la permitió crear una magnífica documentación de la situación de las islámicas en los años 60.
Parte de su fama también puede deberse a la afinidad especial que tenía con Marilyn Monroe, a quien conoció cuando ambas eran relativamente desconocidas. La fotógrafa retrató a Monroe y es cuando reconoció lo importante que fue Marilyn en su carrera. Llegó a afirmar que la estrella personificaba el glamour de Hollywood con un brillo sin igual y una energía que enamoró al mundo.
Eve Arnold nació en Filadelfia, Pensilvania, con padres inmigrantes rusos. Comenzó a fotografiar en 1946, mientras trabajaba en la ciudad de Nueva York. Fue en esta ciudad donde descubrió su pasión por la fotografía por lo que en 1948 junto a Alexei Brodovitch estudió en New School for Social Research en Nueva York.
En 1951 Arnold se asoció a Magnum Photos y se convirtió en miembro de pleno derecho en 1957, siendo la primera mujer en la historia en formar parte de él. Este motivo fue lo que le retuvo en Estados Unidos durante la década de 1950, pero en 1962 se marchó a Inglaterra para inscribir a su hijo en la escuela Badales. A excepción de un paréntesis de seis años, cuando trabajaba en Estados Unidos y China preparando un libro sobre cada uno de estos países, pasó el resto de su vida en Gran Bretaña.
La fotografía de Ikko Narahara, entre la ficción y la realidad
La línea entre lo ficticio y lo real parece ser el lugar donde el fotógrafo japonés Ikko Narahara encuentra su verdadero hogar, como comprueban sus imágenes surrealistas de los Estados Unidos y de aquel que lo vió nacer.
Nacido en 1931 en la prefectura de Fukuoka, Narahara se licenció en derecho en la Universidad de Chuo en 1954 y luego estudió Historia del Arte en la Universidad de Waseda. Después de graduarse de la facultad de derecho de la Universidad de Chuo en 1954, se matriculó en la Escuela de Graduados de Arte de la Universidad de Waseda, especializada en Historia del Arte y comenzó a levantar una cámara fotográfica para fotografiar las calles de la facultad hacia su casa.
En 1955, convencido de su nueva pasión, se unió al grupo de artistas de vanguardia Jitsuzaisha (Real Existence), que fue cofundado por los artistas Masuo Ikeda y Ay-O y que contaba con Tatsuo Ikeda y On Kawara entre sus miembros, quienes encontraron encanto en sus imágenes y lo ayudaron a promocionar.
Un año después, habiendo retratado practicamente todos los lugares a los que había visitado y maniobrando entre contactos para saber cómo mostrar presencialmente su talento, hizo su debut con la exposición Human Land en la galería Matsuya de Tokio, en la que combinó imágenes de una aldea en la prefectura de Kagoshima diezmada por el volcán Sakurajima con imágenes sombrías de la vida en una cercana ciudad minera de carbón.
Su siguiente exposición, apenas un año después, le valió el premio al fotógrafo más prometedor de la Asociación de Críticos de Fotografía de Japón. Con una amplia lista de invitaciones a formar parte de algunas de las agencias fotográficas más llamativas de Europa y su país, en 1959, Narahara cofundó la cooperativa de fotografía documental independiente VIVO ante la inquietud de seguir su encanto pictórico, que dirigió con Akira Sato, Akira Tano, Eikoh Hosoe, Kikuji Kawada y Shomei Tomatsu hasta 1961, realizando diversas exitosas muestras locales.
La notoriedad internacional de la que gozó su trabajo lo llevó a residir en París de 1962 a 1965, donde produjo prolíficamente, Durante casi una década, atravesó Europa fotografiando todo lo que vio en el camino, puliendo su identidd casi de blanco y negro, cargada de identidad nacional pero con tonos oscuros que inspiran seriedad y tenebrosidad. Luego, pasó los primeros años de la década de 1970 en Nueva York, documentando los sentimientos rurales y personal de Estados Unidos.
Esta experiencia nómada, sin saberlo, sería la más impactante para él como fotógrafo, ya que durante toda esa proyección internacional y culturalmente rica de algo completamente ajeno, hizo frente a la japonesidad de la posguerra, una búsqueda tan conmovedora y desconcertante que le sentó las bases para organizar algunas de las muestras más influyentes de su carrera.
Pasando sus viajes por todo el mundo, y regresando a retratar a su país, sus imágenes del monte Fuji, espadas y geishas terminaron por reflejar una nacionalidad deformada, es decir, presentada con un marco dividido o en la técnica ojo de pez, como si regresar del extranjero significara ver Japón desde un espejo girado en diferentes ángulos.
A partir de la década de 1990, y a pesar de estar continuamente afectado por la enfermedad, continuó produciendo obras inquisitivas al hacer de esta experiencia una experiencia recurrente en sus fotografías. Instalado de regreso en su país natal, a partir de 1999 se desempeñó como profesor en la Universidad Kyushu Sangyo hasta 2005.
Mirando hacia algunos de los fotógrafos más emblemáticos de la última década en Japón, el revelado de la cámara de Ikko Narahara es una innegable fuente de inspiración por haber tenido con los años la capacidad de permanecer como un espacio libre de clichés, desbordante en cuanto al sentimiento de desequilibrio para explorar la fabricación cultural contra la realidad, y capaz de revelar que detrás de los ataques aéreos y los simulacros de guerra existen encantos extraños y maravillas tan inquietantes que radían estética.
Con motivo de su sensible fallecimiento el 19 de enero de 2020, se han realizado retrospectivas individuales de su trabajo en lugares internacionales como la Maison Européenne de la Photographie en París, el Museo Metropolitano de Fotografía de Tokio, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Boston y el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, entre otros.
QUERIDOS ATRAPADOS, COMPARTO UN VIDEO MUY INTERESANTE SOBRE SU OBRA 👇
"Es arriesgado insistir demasiado en el valor testimonial de sus fotos. Ellas lo tienen, también, pero ellas lo expresan a él tanto como al medio en que vivió y atestiguan... que cuando se ponía detrás de una cámara se volvía un gigante, una verdadera fuerza inventora, recreadora de la vida."
Mario Vargas Llosa
CHAMBI
Martín
Martín Chambi tiene origen campesino, proviene de los Andes Peruanos, de un pueblo llamado Coaza, distrito de Carabaya cercano al lago Titikaka en el departamento de Puno. Nace el 5 de noviembre del año 1891.
Luego de su primer contacto con la fotografía en la mina de oro donde trabajaba su padre, la Santo Domingo Mining Company, viaja a Arequipa donde aprende el oficio de su maestro y guía Don Max T. Vargas, luego del aprendizaje y práctica en los talleres del Portal de Flores de la Plaza de Armas, finaliza su estadía en Arequipa exponiendo, gracias al patrocinio de su maestro en el Centro Artístico de aquella ciudad el 12 de octubre de 1917.
En los siguientes meses viaja acompañado de su esposa Manuela López Visa y sus hijos Celia y Víctor a la ciudad de Sicuani donde instala su propio y primer Estudio y taller. Sicuani, capital de la provincia de Canchis, es un lugar próspero en ese entonces por el desarrollo en la explotación de las lanas de alpaca y llama y su industrialización textil; durante su permanencia allí nace su única hija fotógrafa Julia Chambi.
Martín Chambi es el primer fotógrafo de sangre indígena que retrató a su propio pueblo con altivez y dignidad
Se establece profesionalmente y luego decide trasladarse al Cusco, ciudad a la que llega en 1920 atraído por su esplendor e historia, es en esta ciudad en la que desarrolla su trabajo más importante y deslumbrante hasta su muerte. Es aquí también donde nacen sus hijos Angélica, Manuel y Mery y es desde el Cusco que logra dimensión nacional e internacional por su trabajo.
En vida y en persona, expone en diversas Salas y Galerías de Lima y Arequipa, también muestra sus obras en La Paz, Bolivia en 1925 y en Santiago de Chile en 1936.
La fotógrafa italiana Letizia Battaglia, que "disparó" a la Mafia
De vocación tardía, llegó a la fotografía a los 40 años.Se había casado con 16 y tenía tres hijas de un matrimonio en el que se sentía prisionera. Su marido no permitió que estudiara ni que trabajara. Vivió sumida durante años en una depresión de la que fue saliendo aferrándose a amores clandestinos y pequeñas conquistas de libertad.
Se divorció definitivamente en 1971. Empezó a escribir para diarios y pronto se dio cuenta de que los artículos se vendían mejor cuando hacía fotografías. Y en la fotografía volcó su existencia. Se convertiría en la primera fotógrafa de oficio en un diario en Italia.⠀
Pasaría los siguientes 19 años fotografiando crímenes de la mafia, entierros, familias de la mafia, víctimas inocentes, policías, jueces, abogados y periodistas que plantaban cara a la cosa nostra.
Se convirtió en cronista de una violenta realidad que podía alcanzar cinco asesinatos al día, mil en un año.⠀
Le costó hacerse respetar como fotógrafa. La policía no le dejaba pasar a los escenarios de los asesinatos como otros periodistas porque era una mujer.⠀
Sus últimas imágenes fueron más familiares, como las de su hija Patrizia dando a luz a su nieta, Marta, en 1995 o la campaña que hizo para Lamborghini en 2020, que desataron la polémica por el uso de niñas modelos.
Nació en Palermo en 1935, donde pasará la mayor parte de su carrera y vida, excepto un breve periodo en Milán. A los 27 años conoció por casualidad al poeta Ezra Pound, que la acercó a su poesía la cual se convirtió en una gran fuente de inspiración a lo largo de su vida.
Las icónicas fotos de Letizia Battaglia, fallecida el año pasado a sus 83 años de edad, recorren el mundo entero y ella seguirá siendo recordada por su, ¡¡Gran valentía y arte fotográfico!!
No se pierdan este video, sobre su recorrido artístico y biográfico, ¡Muchas gracias!
" Fotógrafas olvidadas es un reconocimiento, un homenaje, a las artistas olvidadas de nuestra historia. Mujeres profesionales de la fotografía que pasaron al olvido, invisibilizadas por la desigualdad. Este segmento, pretende recuperar la memoria y obras de grandes fotógrafas de la historia, ponerlas bajo el foco y otorgarles el lugar que se merecen y que les ha sido arrebatado."
Kati Horna,de foto-reportera a fotógrafa surrealista
Kati Horna: Remedios Varo con Sombrero mascaras.
Kati Horna, nació en Budapest, 1912, en el seno de una familia acomodada de origen judío. Desde joven, la madre de Kati Horna tuvo claro su legado: Realizar estudios que le permitieran tener una profesión y valerse por sí misma. La fotografía llamó su atención y Berlín fue su destino.
Empujada por la invasión nazi que sufría la vieja Europa, viajó a París donde conoció a Robert Capa.
Los bohemios cafés de la capital francesa, y sus nuevos colegas de profesión y creación, le invitaron a adentrarse en el surrealismo
La Guerra Civil Española
Con el estallido de la güera civil española, Kati Horna tomó su cámara Rolleiflex y sus principios anarquistas y viajó al país a retratar los colectivos anarquistas, principalmente de la zona del Mediterráneo. Sus fotografías servirían de propaganda a la causa anarquista más allá de las fronteras españolas.
En esa época, la fotógrafa húngara Kati Horna, coincidió en España no solo con su compañero Robert Capa si no con otras grandes foto-reporteras de la historia, Gerda Taro y Tina Modotti.
Kati Horna tenía su particular forma de inmortalizar la guerra: desde el bando de los indefensos.
Fotografiaba mujeres, niños y ancianos. Aquellas personas que sufrían la guerra alejadas de las trincheras, que combatían a su manera y sobrevivían a las penurias y las injusticias de una guerra que, como todas las guerras, deja al pueblo hambriento, dividido y descorazonado.
Autorretrato
Todo su trabajo había desaparecido hasta que...
“Una historiadora española localiza en Ámsterdam el archivo desaparecido de la fotógrafa húngara, en cajas de madera de la CNT cerradas desde 1939 con más de 500 negativos de la contienda”. Según datos de "El País"
Más de 500 negativos redescubiertos en una caja olvidada, al más puro estilo de lo ocurrido con Vivian Maier.
