MIRADAS FOTOGRAFICAS PRESENTA: Ikko Narahara

 La fotografía de Ikko Narahara, entre la ficción y la realidad

La línea entre lo ficticio y lo real parece ser el lugar donde el fotógrafo japonés Ikko Narahara encuentra su verdadero hogar, como comprueban sus imágenes surrealistas de los Estados Unidos y de aquel que lo vió nacer.

Nacido en 1931 en la prefectura de Fukuoka, Narahara se licenció en derecho en la Universidad de Chuo en 1954 y luego estudió Historia del Arte en la Universidad de Waseda. Después de graduarse de la facultad de derecho de la Universidad de Chuo en 1954, se matriculó en la Escuela de Graduados de Arte de la Universidad de Waseda, especializada en Historia del Arte y comenzó a levantar una cámara fotográfica para fotografiar las calles de la facultad hacia su casa.

En 1955, convencido de su nueva pasión, se unió al grupo de artistas de vanguardia Jitsuzaisha (Real Existence), que fue cofundado por los artistas Masuo Ikeda y Ay-O y que contaba con Tatsuo Ikeda y On Kawara entre sus miembros, quienes encontraron encanto en sus imágenes y lo ayudaron a promocionar.

Un año después, habiendo retratado practicamente todos los lugares a los que había visitado y maniobrando entre contactos para saber cómo mostrar presencialmente su talento, hizo su debut con la exposición Human Land en la galería Matsuya de Tokio, en la que combinó imágenes de una aldea en la prefectura de Kagoshima diezmada por el volcán Sakurajima con imágenes sombrías de la vida en una cercana ciudad minera de carbón.

Su siguiente exposición, apenas un año después, le valió el premio al fotógrafo más prometedor de la Asociación de Críticos de Fotografía de Japón. Con una amplia lista de invitaciones a formar parte de algunas de las agencias fotográficas más llamativas de Europa y su país, en 1959, Narahara cofundó la cooperativa de fotografía documental independiente VIVO ante la inquietud de seguir su encanto pictórico, que dirigió con Akira Sato, Akira Tano, Eikoh Hosoe, Kikuji Kawada y Shomei Tomatsu hasta 1961, realizando diversas exitosas muestras locales.

La notoriedad internacional de la que gozó su trabajo lo llevó a residir en París de 1962 a 1965, donde produjo prolíficamente, Durante casi una década, atravesó Europa fotografiando todo lo que vio en el camino, puliendo su identidd casi de blanco y negro, cargada de identidad nacional pero con tonos oscuros que inspiran seriedad y tenebrosidad. Luego, pasó los primeros años de la década de 1970 en Nueva York, documentando los sentimientos rurales y personal de Estados Unidos.

Esta experiencia nómada, sin saberlo, sería la más impactante para él como fotógrafo, ya que durante toda esa proyección internacional y culturalmente rica de algo completamente ajeno, hizo frente a la japonesidad de la posguerra, una búsqueda tan conmovedora y desconcertante que le sentó las bases para organizar algunas de las muestras más influyentes de su carrera.

Pasando sus viajes por todo el mundo, y regresando a retratar a su país, sus imágenes del monte Fuji, espadas y geishas terminaron por reflejar una nacionalidad deformada, es decir, presentada con un marco dividido o en la técnica ojo de pez, como si regresar del extranjero significara ver Japón desde un espejo girado en diferentes ángulos.

A partir de la década de 1990, y a pesar de estar continuamente afectado por la enfermedad, continuó produciendo obras inquisitivas al hacer de esta experiencia una experiencia recurrente en sus fotografías. Instalado de regreso en su país natal, a partir de 1999 se desempeñó como profesor en la Universidad Kyushu Sangyo hasta 2005.

Mirando hacia algunos de los fotógrafos más emblemáticos de la última década en Japón, el revelado de la cámara de Ikko Narahara es una innegable fuente de inspiración por haber tenido con los años la capacidad de permanecer como un espacio libre de clichés, desbordante en cuanto al sentimiento de desequilibrio para explorar la fabricación cultural contra la realidad, y capaz de revelar que detrás de los ataques aéreos y los simulacros de guerra existen encantos extraños y maravillas tan inquietantes que radían estética.

 Con motivo de su sensible fallecimiento el 19 de enero de 2020, se han realizado retrospectivas individuales de su trabajo en lugares internacionales como la Maison Européenne de la Photographie en París, el Museo Metropolitano de Fotografía de Tokio, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Boston y el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, entre otros.

QUERIDOS ATRAPADOS, COMPARTO UN VIDEO MUY INTERESANTE SOBRE SU OBRA 👇

 

Trabajo de investigación y edición,

realizado por: Laura Jakulis

Fundadora de: 

ATRAPADOS POR LA IMAGEN

 

Esta obra está bajo una Licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivadas 4.0 Internacional.

Miradas Fotográficas presenta: David Salcedo

David  Salcedo

 "La cámara como extensión de nuestra mirada"

Adentrarse en lo más profundo de nuestro ser, a la conquista de uno mismo. La verdad brota desde la intimidad más profunda hasta nuestros confines cotidianos. Todo está en las calles, la vida late con todo su esplendor ahí fuera.

 David Salcedo es un poeta de verbos y postales, de esos que encuentran la verdad en los silencios y en los tumultos por igual. 

Se inició y profesionalizó en el mundo de la fotografía en el Institut d'Estudis Fotogràfics de Catalunya (I.E.F.C.). Sus trabajos abarcan un amplio espectro de las propuestas del medio fotográfico, pero claramente se ven dos ejes que los vertebran. El primero es una delicada mirada documental, poseedora tanto de una fina ironía como de un silencioso misterio. El segundo es su obsesión por trabajar con lo que le es cercano, ya sea porque necesita hablar de las cosas que conoce, o bien como una metáfora de la existencia.

A pesar de su formación fotográfica, David Salcedo se define como "alumno de la vida",  su escuela es la calle, la vida y las personas.

            

"La fotografía convive en el mismo territorio del fracaso y cualquier elemento que no sea tenido en cuenta está a punto de destruirla o convertirla en algo sublime".

 

Es el propio Salcedo el que define así su trabajo y su proceso creativo y conceptual: "[...] en mi trabajo parece, a primera vista, que alejo a todos de mi voz. Y es que la estética, utilizada intencionadamente, evoca a claros referentes como Bernard Plossu, Cristóbal Hara y, en algunos momentos, a Ricardo Cases. La entiendo solo como una herramienta más del lenguaje para encontrar mi forma de ver el mundo".

El uso del blanco y negro aporta a las capturas de este artista el dramatismo y la introspección necesarias que demandan los mensajes que quiere lanzarnos, esos que tienen que ver con los momentos que pasamos con nosotros mismos o en los que observamos la belleza del mundo en el detalle más mundano.

Para Salcedo, la clave es “fotografiar en cada momento, llevar la cámara siempre encima para no recordar las fotos que no he hecho y ser merecedor del azar de hacerlas. Hacer que la mirada no se acostumbre al lugar donde vivo. Mi fotografía nace de la nada, de aquello que aparentemente carece de interés y se revela a través de la imagen como algo maravilloso, enigmático e importante.”

“Siempre me ha intrigado la manera en la que se relacionan las fotografías entre sí, la magia que surge de esa fusión. Este proyecto es la materialización de la tarea de explorar los abismos de esas uniones, y descubrir lo que se crea entre ellas”.

Te dejamos un video muy interesante, donde escucharemos al ¡autor!

 

 Trabajo de Investigación y edición: Laura Jakulis

Fundadora de Atrapados por la Imagen

Miradas fotográficas presenta: Paul Himmel

"Paul Himmel fue un fotógrafo estadounidense (nacido en 1914 en New Haven y fallecido el 8 de febrero de 2009 en Nueva York) que prestó su visión única a temas tan variados como la danza, el circo, la ciudad de Nueva York, ciudades europeas y la figura humana, así como a las playas donde él veraneaba con su familia durante la mayor parte de su vida."

Nacido en una familia de emigrantes ucranianos, influenciado por un amigo, se interesó de adolescente en la fotografía. Al mismo tiempo estudió psicología, obtuvo un master y también enseñó biología. Autodidacta, como aficionado hasta mitad de los años 40, seguía el trabajo de la FSA, especialmente el de Dorothea Lange. Luego se convirtió en fotógrafo profesional y realizó el curso de diseño gráfico en la New School for Social Research que lideraba Brodovitch.

En 1935 se casó con la, también fotógrafo, Lillian Bassman, con la que compartió 78 años juntos, en la vida y en la fotografía. En 1939 ambos viajaron a México, realizando con estas fotografías su exhibición Pan American Highway.

Su inmenso talento fue evidente desde el principio. Experimentaba siempre, y fotografiaba de forma que mostraba su alegría de ver lo que parecerían sus imágenes capturadas en dos dimensiones. Con su espíritu pionero, creó una obra que sigue siendo hoy en día tan fresca como lo era originalmente hace más de medio siglo. Entre sus temas más importantes estaban las calles y las señales de su ciudad natal, Nueva York. Capturó icónicas vistas de Manhattan y de Brooklyn, trasformando las escenas clásicas de una manera elegante y intemporal.

Su aprendizaje con el legendario director de arte Alexey Brodovitch lo llevó a un interés de por vida en la captura del movimiento humano en imágenes inmóviles. En 1947, tomó una serie de fotografías experimentales en el concurso principal de la Grand Central Terminal. Fotografías de esta serie se han utilizado en la portada del su libro Photograph y en la colección permanente de la National Gallery of Art de Washington, D.C.

Gracias a Brodovitch, Himmel consiguió sus primeros contactos con Harper’s Bazaar y se convirtió en fotógrafo de moda. Su dominio del movimiento en la imagen fija le trajo un gran éxito, trabajando también para Vogue, pero a principios de los 50 perdió el interés de los editores de las revistas de moda y se dedicó a una fotografía más experimental, incluyendo series sobre boxeadores, circo y ballet. Prácticamente todos los negativos de su época de fotógrafo de moda fueron destruidos por Paul cuando abandonó la fotografía.

En 1955, dos obras suyas fueron expuestas en la mítica exposición de Edward Steichen, The Family of Man, en el MoMA.

Paul se retiró de la escena fotográfica a finales de los sesenta para trabajar como psicoterapeuta. Cuando el éxito como fotógrafa de moda de Lillian se desvaneció también montaron un restaurante vegetariano.

Su reputación como fotógrafo, y la de su mujer Lillian Bassman, fue restablecida en los años 90 por el foto-historiador Martin Harrison, dando como resultado un libro y una exposición que reintrodujeron con éxito su obra más significativa a una nueva generación entera.


Libros Paul Himmel: Photographs

Nota e Investigación: Laura Jakulis

Fundadora de:

ATRAPADOS POR LA IMAGEN

Fotógrafas Olvidadas Presenta: GERTRUD ARNDT

 

"Fotógrafas olvidadas es un reconocimiento, un homenaje, a las artistas  olvidadas de nuestra historia. Mujeres profesionales de la fotografía que pasaron al olvido, invisibilizadas por la desigualdad. Este segmento, pretende recuperar la memoria y obras de grandes fotógrafas de la historia, ponerlas bajo el foco y otorgarles el lugar que se merecen y que  les ha sido arrebatado."

GERTRUD ARNDT, LA RETRATISTA DE LA BAUHAUS

Quería ser arquitecta pero la metieron, como a la mayoría de sus colegas mujeres, en el taller de textiles. Gertrud Arndt estudió en la Bauhaus (Escuela alemana de arquitectura, diseño, artesanía y arte fundada en 1919), donde se convirtió en la mejor retratista de sí misma.

Gertrud Arndt fue una de las alumnas más destacadas de la Bauhaus, una especialista en diseñar alfombras que remiten al expresionismo abstracto y una creativa retratista que se fotografió a sí misma decenas de veces en su serie más icónica: sus Maskenportraits. "Solo hace falta abrir los ojos para convertirte en alguien diferente. Solo hace falta abrir la boca para que aparezca otra", dijo en una ocasión. Eso hacía ella, practicar el selfie bauhasiano bien disfrazada y maquillada, anticipándose a lo que casi 50 años más tarde haría otra de las grandes, Cindy Sherman.

Así empezó todo

Gertrud (1903/2000) nació en Silesia cuando esta parte de Europa era Alemania (ahora es Polonia), cuarta hija de un acomodado empresario textil. Cosa extraña en aquella época le dejaron entrar en el estudio del arquitecto Karl Meinhardt en Erfurt donde, entre otras cosas, hacía las fotografías de sus edificios de forma totalmente autodidacta. En paralelo estudiaba dibujo, historia del arte y tipografía en la Kunstegewerbeschule (Escuela de Diseño) de la ciudad. Como Meinhardt era un buen amigo de Walter Gropius, Arndt, que entonces se apellidaba Hantschks, consiguió una beca para estudiar en la Bauhaus de Dessau, y allí que se fue en 1923, con apenas 20 añitos.

El taller de textiles de la Bauhaus

"Yo lo que quería es ser arquitecta...", dijo decenas de veces la alemana. No fue posible y, como muchas de sus colegas, acabó en el único taller considerado apto para las mujeres, el de textiles. Gertrud no se desanimó y durante los tres años que estudió en él se convirtió en una de sus mejores alumnas, especialista en maravillosas alfombras claramente influidas por la obra de Paul Klee, o Klee en la de ella, quién sabe. De hecho el director Walter Gropius tenía colgada una de sus piezas en la pared principal de su oficina en la Escuela. Ya en esa época a nuestra protagonista lo que le gustaba era la fotografía y gracias a la influencia de László Moholy-Nagy aprendió mucho. El caso es que cuando se licenció, no volvió a coser ni a tejer nunca más. Mucho no le gustaría.

Sus autorretratos con máscara

En 1927 se casó con un compañero bauhasiano, Alfred Arndt, al que en cambio sí dejaron ser arquitecto. Juntos se mudaron a la ciudad alemana de Probstzella pero en el 29, cuando a él le propusieron ser el jefe de construcción del taller de metal y carpintería de la Bauhaus de Weimar, volvieron. Se instalaron en la zona de los profesores y Gertrud, que no quiso seguir estudiando, se aburría y, frustrada por las pocas aptitudes de sus amigos para posar como modelos fotográficos ("era muy difícil convencerles"), se dedicó a retratarse a sí misma. Hizo 43 de sus maskenportraits, aunque también inmortalizó a sus amigas Otti Berger o Guta Stölzl. Para hacer estos selfies en blanco y negro, Arndt se disfrazaba con sombreros, ropajes antiguos, lazos y abundante maquillaje tan expresionista como todo su trabajo. Utilizaba una escoba, un cordel atado a una persiana y una piedra para estas composiciones cuidadísimas y teatrales que no fueron descubiertas hasta que una exposición en los años 70 la sacó del olvido.

Un final anónimo

Cuando nació su hija Alexandra y más tarde su hijo Hugo, Gertrud abandonó por desgracia la fotografía. Con el cierre de la Escuela, además, el matrimonio volvió a Probstzella, donde, al parecer, Alfred se unió al Partido Nazi para seguir trabajando, no se sabe si por miedo, porque le presionaron o por convicción. El caso es que fue su jefe de propaganda en la ciudad y construyó varios edificios para el Gobierno de Hitler antes de la guerra. Tras la contienda, a la que sobrevivieron, la familia se mudó de la Alemania del Este al otro lado del telón de acero, a Darmstadt, donde Gertrud murió a los 97 años, con su figura solo parcialmente reivindicada.

Fotógrafas  Olvidadas,  forma parte de un trabajo de  investigación  que vengo realizando hace tiempo, gracias a todos!!! muchos cariños!!!

Laura Jakulis Fundadora de :

   Atrapados por la Imagen.

MIRADAS FOTOGRÁFICAS PRESENTA: JEAN RENÉ - FRANCIA

JR: "La energía social a gran escala"

Foto Portada: Migrantes, Tecate, México – USA, 2017 © JR Photographer.

El artista urbano JR nos descoloca con cada instalación site specific, viajando por el mundo con propuestas que nos acercan a nuestra identidad y reconocimiento colectivo. Repasamos la trayectoria del colega y amigo de Agnès Varda, con quien dirigió Visages Villages.

Jean René, el artista urbano conocido globalmente como JR, mira el mundo a través de sus lentes, elemento ya característico en él, que deja oculta su imagen completa. Sus potentes proyectos recorren desde las grandes ciudades europeas, pasando por las pirámides de Egipto, la franja de Gaza, la isla de Cuba, hasta favelas en Brasil.

JR, nacido en 1983, es hijo de xadres inmigrantes de Europa del Este y Túnez, algo que lo conecta de forma directa con su obra, siendo un artista enfocado en saltar las fronteras y visibilizar problemáticas sociales que atraviesan lxs migrantes.

El factor social siempre está presente en todos sus trabajos. Desde sus primeros proyectos, JR se involucró con su entorno, comprometiéndose artísticamente con los sectores marginales y excluidos de la sociedad. Entre los años 2004 y 2006, desarrolla junto al artista Ladj Ly 28 Millimeters. Portrait of a Generation, donde aborda los disturbios sociales en los suburbios parisinos

1) 28 Millimeters, Portrait of a Generation, Hold-up, Ladj Ly by JR, Les Bosquets, Montfermeil, 2004.

Con intención de hacerle frente a la estigmatizante representación mediática de los habitantes de la zona, el procedimiento fue realizar retratos, con un lente gran angular, a varios amigxs habitantes de Les Bosquets, Montfermeil, exagerando sus rasgos y con expresiones monstruosas, para luego pegarlas en las calles en formato gigante a la vista de los transeúntes parisinos de barrios elites, con el objetivo de visibilizar los prejuicios y exclusiones que vivían y continúan viviendo los migrantes en Francia.

De creación colectiva, en los sitios específicos, la comunidad de cada lugar se involucra en la ficción jugando con sus propias identidades, y puede generar un cuerpo mayor para motivar la formación de un cuerpo social.

En otro llamado al reconocimiento y respeto por el otrx, JR se involucra con la temática del conflicto bélico Israel-Palestina y realiza, en 2007, Face 2 Fac, pegando, en las ciudades de frontera, retratos de sus vecinxs para generar, así, identificación y cercanía.

Face 2 Face, detalle del muro de separación, valla de seguridad, lado palestino, 2006. © JR Photographer.

Face 2 Face, 2006, Jerusalem, conflicto Israel-Palestina.

Uno de sus pasos por Latinoamérica fue en 2008, cuando realizó acciones en la favela Morro da Providencia de Rio de Janeiro, donde llevó a cabo Woman are Heroes, un proyecto que dio protagonismo a las mujeres de las zonas marginales.

Rio de janeiro, Brasil _ LAS MUJERES SON HEROINAS, Acción en Favela Morro da Providencia, 2008. ©JR Photographer.

Rio de janeiro, Brasil _ LAS MUJERES SON HEROINAS, Acción en Favela Morro da Providencia, 2008. ©JR Photographer.

Rio de janeiro, Brasil _ LAS MUJERES SON HEROINAS, Acción en Favela Morro da Providencia, 2008. ©JR Photographer.

En espacios monumentales, JR despliega fotografías a gran escala para dejar un escenario impactante, tanto para los transeúntes como para los que vemos sus imágenes difundidas. Como artista contemporáneo, sabe utilizar sus redes sociales para generar difusión masiva de sus proyectos.

En 2011 recibió el TED Prize y tuvo la experiencia de brindar una charla: El deseo de JR: es usar el arte para poner el mundo al revés, donde cuenta sus inicios, como grafitero en su ciudad natal…, interviniendo las paredes de la calle, definidas por él mismo como «la mejor galería».

Sus inicios en los techos de París. ©JR Photographer.

Sus inicios en los techos de París. ©JR Photographer.

Con ese premio logró impulsar el Proyecto Inside Out: The People’s Art Project y convocar a la comunidad global a participar activamente tomando fotos para luego utilizarlas proclamando sus propias reivindicaciones.

Si bien, JR cuenta con un equipo creativo y de producción que lo acompaña, en el proceso de creación también suelen participar los lugareños, logrando así intervenciones colectivas que permiten la subjetivación y autoreconocimiento como comunidad.

Es así como JR nos brinda la sensación que no descansa, el francés se mantiene activo continuamente, con propuestas llamativas. Su último trabajo fue en Italia, durante julio del actual año, logró una ilusión óptica con el punto de fuga y a la vez revitalizó el patrimonio arquitectónico y cultural de la fachada del Palazzo Farnese en Roma, al realizar un diálogo histórico y temporal.

Palazzo Farnese, Roma, Italia. ©JR Photographer.

Se suma la intervención que realizó en el Palazzo Strozzi en Firenze, titulada La Ferita (La herida en italiano), jugando con la percepción, mientras que revela el interior del edificio renacentista y logra poner atención a las adversidades que enfrentaronn los museos y las instituciones del sector cultural durante la  pandemia.

La ferita, Palazzo Strozzi, Firenze, Italia. ©JR Photographer.

 Sin embargo, no es la primera vez que JR realiza una apropiación de espacios culturales y edificios emblemáticos de Europa; en reiteradas ocasiones realizó intervenciones alrededor de la pirámide del Museo Louvre.

Museo Louvre, Paris, 2019. ©JR Photographer.

Museo Louvre, Paris, 2019. ©JR Photographer.

Desde 2019, la exhibición itinerante JR: Crónicas, abierta en el Museo de Brooklyn en NY, nos acerca a su mundo en una muestra retrospectiva que repasa sus grandes trabajos, actualmente trasladada a la Saatchi Gallery, en Londres.

 

Visages Villages

En 2017, estrenó junto a la maravillosa Agnès Varda un road movie, sellando una amistad a fuego. Junto a ella recorren pueblos de Francia en un vehículo con una cabina fotográfica.

Película nominada a los premios Oscar como mejor documental y también reconocida en el Festival de Cannes, en Visages Villages vemos la dulzura de dos artistas que siguen creyendo y apostando por la conexión y los vínculos entre los seres humanos.

Trailer de Caras y lugares, por Agnès Varda y JR. (Subtitulado al español)👇

Nota e Investigación: Laura Jakulis

Fundadora de:

ATRAPADOS POR LA IMAGEN

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